Režimy
Režimy jsou typem hudební stupnice spojeným se souborem charakteristických melodických a harmonických vlastností. Používají se v durové a mollové tónině i v sedmi diatonických režimech (včetně dřívějších jako jónský a aiolský), které jsou definovány jejich počáteční notou nebo tónikou. (Režimy Oliviera Messiaena s omezenou transpozicí jsou výhradně typem stupnice.) Související s diatonickými režimy jsou osm církevních režimů nebo gregoriánských režimů, ve kterých se autentické a plagální formy stupnic rozlišují ambitem a tenorem nebo tónem. Přestože si diatonické i gregoriánské režimy vypůjčují terminologii ze starověkého Řecka, řecké tonoi jinak nepřipomínají své středověké/moderní protějšky. Ve středověku se termín režim používal k popisu intervalů i rytmu. Modální rytmus byl podstatným rysem modálního notačního systému školy Notre-Dame na přelomu 12. století. V později vzniklé mensurální notaci určuje režim dělení longa. Mimo západní klasickou hudbu se „režim“ někdy používá k označení podobných konceptů, jako jsou oktoéchos, makám, pathet atd. (viz § Analogie v různých hudebních tradicích níže).
Diatonické režimy
Diatonické režimy jsou sedm hudebních stupnic, které lze vytvořit z durové stupnice posunutím počáteční noty. Každý režim má svou vlastní jedinečnou sadu charakteristik, které mu dodávají odlišný zvuk a pocit. Sedm diatonických režimů je:
Jónský: Dur, začínající na C
Dórský: Moll, začínající na D
Frygický: Moll, začínající na E
Lydský: Dur, začínající na F
Mixolydský: Dur, začínající na G
Aiolský: Moll, začínající na A
Lokrický: Moll, začínající na H
Církevní režimy
Církevní režimy jsou osm hudebních stupnic, které se používaly v gregoriánském chorálu. Církevní režimy jsou rozděleny do dvou kategorií: autentické a plagální. Autentické režimy začínají na tónikové notě a končí na oktávě. Plagální režimy začínají na čtvrté notě autentického režimu a končí na páté notě. Osm církevních režimů je:
Autentický:
Jónský
Dórský
Frygický
Lydský
Plagální:
Hypojónský
Hypodorický
Hypo frygický
Hypo lydský
Modální rytmus
Modální rytmus je typem hudebního rytmu, který je založen na režimech. Modální rytmus se používal ve středověké hudbě a vyznačuje se použitím dlouhých not, které jsou rozděleny do menších jednotek. Nejčastějšími modálními rytmy jsou:
Trochej: Silná nota následovaná slabou notou
Jambe: Slabá nota následovaná silnou notou
Daktyl: Silná nota následovaná dvěma slabými notami
Anapes: Dvě slabé noty následované silnou notou
Analogie v různých hudebních tradicích
Koncept režimů se nachází v mnoha různých hudebních tradicích po celém světě. V indické hudbě se používá systém známý jako raga, který je podobný diatonickým režimům. V arabské hudbě se používá systém známý jako makám, který je podobný církevním režimům. V indonéské hudbě se používá systém známý jako pathet, který je podobný modálnímu rytmu.
Klasická hudba Klasická hudba je obecně považována za uměleckou hudbu západního světa, která se odlišuje od západní lidové hudby nebo populární hudby. Někdy se označuje jako západní klasická hudba, protože termín "klasická hudba" lze použít i na nezápadní uměleckou hudbu. Klasická hudba se často vyznačuje formálností a složitostí v hudební formě a harmonické organizaci, zejména používáním polyfonie. Od devátého století byla především písemnou tradicí, která zrodila sofistikovaný notační systém a doprovodnou literaturu v analytických, kritických, historiografických, muzikologických a filozofických praktikách. Klasická hudba je základním prvkem západní kultury a často se na ni pohlíží z perspektivy jednotlivých skladatelů nebo skupin skladatelů, jejichž skladby, osobnosti a přesvědčení zásadně ovlivnily její historii. Kořeny klasické hudby sahají do mecenášství církví a královských dvorů v západní Evropě. Dochovaná raně středověká hudba je převážně náboženská, monofonní a vokální, přičemž na její myšlení a teorii má vliv hudba starověkého Řecka a Říma. Nejstarší dochované hudební rukopisy pocházejí z Karolínské říše (800–888), přibližně v době, kdy se západní plainchant postupně sjednocoval do toho, co se nazývá gregoriánský chorál. Hudební centra existovala v klášteře Saint Gall, klášteře Saint Martial a klášteře Saint Emmeram, zatímco v 11. století se vyvinula notová osnova a rostl počet výstupů středověkých hudebních teoretiků. V polovině 12. století se Francie stala hlavním evropským hudebním centrem: náboženská Notre-Dame škola poprvé plně prozkoumala organizované rytmy a polyfonii, zatímco světská hudba vzkvétala s tradicemi trubadúrů a truvérů vedenými šlechtici básníky-hudebníky. To vyvrcholilo francouzskou ars nova a italským Trecento, sponzorovanými dvorem, které se vyvinuly v ars subtilior, stylistické hnutí extrémní rytmické rozmanitosti. Počátkem 15. století skladatelé renesance z vlivné franko-vlámské školy vycházeli z harmonických principů anglické contenance angloise a přivedli sborovou hudbu k novým standardům, zejména mši a motet. Severní Itálie se brzy stala ústředním hudebním regionem, kde se římská škola věnovala vysoce sofistikovaným metodám polyfonie v žánrech, jako je madrigal, který inspiroval britskou madrigalovou školu. V barokním období (1580–1750) došlo k relativní standardizaci běžné tonality, stejně jako k rostoucí důležitosti hudebních nástrojů, které se rozrostly v soubory značné velikosti. Itálie zůstala dominantní, byla rodištěm opery, sólového žánru koncertu, organizované sonátové formy a velkorozměrových žánrů zaměřených na vokál, jako je oratorium a kantáta. Fugová technika obhajovaná Johannem Sebastianem Bachem ztělesňovala barokní tendenci ke složitosti, a jako reakce byly vyvinuty jednodušší a písňové galantní hudební a empfindsamkeit styly. V kratším, ale zásadním klasickém období (1730–1820) vytvořili skladatelé jako Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn a Ludwig van Beethoven široce obdivované zástupce absolutní hudby, včetně symfonií, smyčcových kvartetů a koncertů. Následná romantická hudba (1800–1910) se místo toho zaměřila na programovou hudbu, pro kterou byly důležitými nositeli umělecká píseň, symfonická báseň a různé klavírní žánry. Během této doby byla oslavována virtuozita, povzbuzována obrovská velikost, zatímco filozofie a nacionalismus byly zakotveny – všechny aspekty, které se sbíhaly v operách Richarda Wagnera. Ve 20. století se stylistická unifikace postupně rozplynula, zatímco význam populární hudby značně vzrostl. Mnoho skladatelů se v rámci modernismu aktivně vyhýbalo minulým technikám a žánrům, někteří opustili tonalitu ve prospěch serialismu, zatímco jiní našli novou inspiraci v lidových melodiích nebo impresionistických náladách. Po druhé světové válce poprvé posluchači ocenili starší hudbu více než současná díla, což je preference, které bylo vyhověno vznikem a širokou dostupností komerčních nahrávek. K trendům od poloviny 20. století do současnosti patří Nová jednoduchost, Nová komplexita, Minimalismus, Spektrální hudba a v poslední době Postmoderní hudba a Postminimalismus. Stále více globálně získávají zásadní role umělci z Ameriky, Afriky a Asie, zatímco symfonické orchestry a operní domy se nyní objevují po celém světě.
Arabská hudba (arabsky: الموسيقى العربية, romanizováno: al-mūsīqā al-ʿarabīyyah) je hudba arabského světa se všemi jejími různorodými hudebními styly a žánry. Arabské země mají mnoho bohatých a rozmanitých hudebních stylů a také mnoho jazykových dialektů, přičemž každá země a region má svou vlastní tradiční hudbu. Arabská hudba má dlouhou historii interakce s mnoha dalšími regionálními hudebními styly a žánry. Představuje hudbu všech národů, které dnes tvoří arabský svět.
Dějiny
Historie arabské hudby sahá až do předislámských dob, kdy Arabové vyvinuli vlastní jedinečný styl hudby, který byl ovlivněn hudbou starověkého Egypta, Mezopotámie a Persie. Po vzniku islámu v 7. století se arabská hudba dále rozvíjela a začlenila prvky byzantské a perské hudby.
V období abbásovského chalífátu (750-1258) zažila arabská hudba svůj zlatý věk. V této době vznikla mnoho nových hudebních nástrojů a žánrů a arabští hudebníci se stali jedněmi z nejrespektovanějších hudebníků na světě.
Po pádu abbásovského chalífátu v 13. století se arabská hudba nadále vyvíjela a začala přijímat vlivy z Turecka, severní Afriky a Andalusie. V 19. století se arabská hudba dostala do kontaktu s evropskou hudbou a začala být ovlivňována západními hudebními styly.
Hudební nástroje
Arabská hudba se hraje na širokou škálu hudebních nástrojů, z nichž některé jsou jedinečné pro arabskou kulturu. Mezi nejběžnější arabské hudební nástroje patří:
Oud (loutna)
Qanún (cimbál)
Nay (flétna)
Rabáb (smyčcový nástroj)
Darbuka (buben)
Riqq (tamburína)
Sagat (činely)
Hudební žánry
Arabská hudba zahrnuje širokou škálu hudebních žánrů, z nichž každý má svůj vlastní jedinečný zvuk a styl. Mezi nejběžnější arabské hudební žánry patří:
Klasická arabská hudba je tradiční styl arabské hudby, který se vyznačuje složitými melodiemi a rytmy.
Populární arabská hudba je modernější styl arabské hudby, který je ovlivněn západní hudbou.
Lidová arabská hudba je tradiční styl arabské hudby, který se hraje v různých regionech arabského světa.
Andaluská hudba je styl arabské hudby, který se vyvinul v Andalusii (dnešní Španělsko) během období islámské nadvlády.
Sufijská hudba je styl arabské hudby, který je spojen se súfismem, mystickou větví islámu.
Arabská hudba ve světě
Arabská hudba je dnes populární po celém světě a ovlivnila mnoho dalších hudebních žánrů, včetně jazzu, flamenca a latinské hudby. Mezi nejznámější arabské hudebníky patří Umm Kulthum, Fairuz, Abdel Halim Hafez a Mohamed Abdel Wahab.
Základní charakteristiky
Arabská hudba má několik základních charakteristik, které ji odlišují od jiných hudebních žánrů. Mezi tyto charakteristiky patří:
Melodická improvizace: Arabští hudebníci často improvizují melodie na základě tradičních hudebních vzorů.
Rytmická komplexnost: Arabská hudba se vyznačuje složitými rytmy, které často využívají neobvyklé časové podpisy.
Mikrotonalita: Arabská hudba používá mikrotonální intervaly, které nejsou běžné v západní hudbě.
Ornamentální styl: Arabští hudebníci často používají ornamenty, jako jsou trilly a glissanda, k ozdobení svých melodií.
Vokální styl: Arabští zpěváci často používají nasální hlasový styl, který je charakteristický pro arabskou hudbu.
Hudba jihovýchodní Asie Hudba jihovýchodní Asie zahrnuje četné hudební tradice a styly z mnoha zemí tohoto regionu. Tato oblast se skládá z jedenácti zemí: Brunej, Kambodža, Východní Timor, Indonésie, Laos, Malajsie, Myanmar, Filipíny, Singapur, Thajsko a Vietnam, které jsou domovem stovek etnických skupin. Díky tomu existují tisíce hudebních stylů, protože regionální skupiny hovoří mnoha jazyky po celé jihovýchodní Asii. Regionalismus je obvykle přijímán a oslavován, ale někdy je potlačován lidmi, i když se země jihovýchodní Asie snaží vytvořit národní kultury. Hinduismus, buddhismus, islám a křesťanství jsou hlavními náboženstvími v jihovýchodní Asii. Od pradávna až po současnost byla instrumentální a vokální hudba ústředním bodem a zaměřovala se na náboženský život v této subregionální Asii. Urbanizace pomohla asimilovat hudební a náboženské praktiky. Přestože modernizace představuje významnou hrozbu pro osobité regionální hudební tradice, většina zemí v regionu si zachovala svůj vlastní jedinečný styl a povahu hudby, která zahrnuje různá období vývoje hudby, kultury a víry.
Harappa Harappa je archeologické naleziště v Paňdžábu v Pákistánu, asi 24 km západně od Sáhiválu. Bronzová harappská civilizace, dnes častěji nazývaná indická údolní civilizace, je pojmenována po tomto místě, které nese jméno podle moderní vesnice poblíž bývalého toku řeky Ráví, která nyní teče 8 km severně. Jádro harappské civilizace se rozkládalo na velké ploše, od Gudžarátu na jihu přes Sindh a Rádžasthán až do Paňdžábu a Harijána. Mnoho nalezišť bylo nalezeno mimo hlavní oblast, některá dokonce tak daleko na východ jako Uttarpradéš a tak daleko na západ jako Sutkagendor na pobřeží Makrán v Balúčistánu, nedaleko Íránu. Naleziště starobylého města obsahuje ruiny opevněného města z doby bronzové, které bylo součástí harappské civilizace soustředěné v Sindhu a Paňdžábu, a poté kultury hřbitova H. Předpokládá se, že město mělo až 23 500 obyvatel a v největším rozsahu během fáze zralého Harappanu (2600 př. n. l. - 1900 př. n. l.) zabíralo asi 150 hektarů (370 akrů) s cihlovými domy, což se považuje za velké na svou dobu. Podle archeologického zvyku pojmenovávat dříve neznámou civilizaci podle jejího prvního vykopaného naleziště se indická údolní civilizace nazývá také harappská civilizace. Starobylé město Harappa bylo těžce poškozeno za britské a francouzské nadvlády, kdy byly cihly z ruin použity jako železniční štěrk při stavbě železnice Láhaur-Multán. Současná vesnice Harappa je méně než 1 km od starověkého naleziště. Ačkoli moderní Harappa má dědictví železniční stanice z období britské nadvlády, je dnes malým křižovatkovým městem s 15 000 obyvateli. V roce 2005 byl kontroverzní projekt zábavního parku na tomto místě opuštěn, když stavebníci během počátečních fází stavebních prací odkryli mnoho archeologických artefaktů.
Sir Mortimer Wheeler: Britský archeolog a vojenský velitel Sir Robert Eric Mortimer (10. září 1890 – 22. srpna 1976) byl britský archeolog a důstojníkem britské armády. V rámci své kariérní dráhy působil jako ředitel Velšского národního musea a Londynského musea, generálním ředitelem archeologického výzkumu v Indii a zakladatelem a neplaceným ředitelem archeologického ústavy v Londýně. Kromě toho napsal 24 knih o archeologii. Mortimer se roku 1890 v Glasgowe v rodině ze střední třídy. Vyrůstal převážně v Gloucestershire, než se v mladém dospělém životě přestěhoval do Londýna. Po ukončení studia na University College London (UCL) se Mortimer zaměřil na archeologii, především na období římsko-britské. Během první světové se jako добровоlec hlásil do Královского артиллерийского корпуса a byl nasazen na západní frontě. Zde povýšil na majora a byl vyznamenán Vojenským křížem. Po návratu do Británie získal svůj titul PhD na UCL, než nastoupil do Velškého národního musea, kde působil jako kurátor archeologie a později jako ředitel. V této pozici dohlížel na vykopávání římských pevnostní v Segontiumu, Y Gaer a Isca Augusta s pomocí své první manželky, Tassy. Mortimer, inspirován archeologem Augustem Pitt Riversem, tvrdil, že vykopávání a záznamy o geologické vrstvě vyžaduje stále více a více důsledný a systematický přístup. Rozvinul takzvanou "Wheelerovu" metody. V roce 1926 byl jmenován kurátorem Londynského musea. Zde přeorganizoval sbírky, úspěšně lobbolal za zvýšení financování a přednášel na UCL. V roce 1934 založil Institut archeologie v rámci Federálního Londýnského univerzity a převzel pozici neplaceného ředitele. V této době dohlížel na vykopávání římských lokality v Lydney Parku a Verulamiu a na vykopávání opevněné osady z doby železné v Maiden Castle. Během druhé světové se znovu připojil ke Královským ozbrojeným silám a povýšil na hodnost бригадного generála. Sloužil v severoafrickém tažení a poté v italském tažení. V roce 1944 byl jmenován generálním ředitelem archeologického výzkumu v Indii. Dohlížel na vykopávání v Harappě, Arikamedu a Brahmagiri a zavedl reformy v archeologickém establishmentu na subkontynentu. Po návratu do Británie v roce 1948 se Mortimer rozděloval čas přednáškou na archeologickém ústavy a archeologickým poradcem pro pákistanskou vládu. Pozdní v životě se pomocí svých populárně-vědeckých knih, přednáškou na výletní lodi a vystoupení v radiu a v televizy, zejména v sérii BBC Animal, vegetable, mineral?, snažil přiblížil archeologii široké veřejnosti. Byl jmenován neplaceným tajemníkem Britské akademie, vybral velké částky peněz na archeologické projekty a byl jmenován britským zástucem v několika mezinárodně archeologickych projektů. Wheeler je považován za jednoho z nejdůležitějších britských archeologů 20. století, který úspěšně prohluboval britský veřejný zájem o archeologii a o metody vykopávaní a záznamů. Díky svým úspěchů je široce uznán jako významná osobnost v rozvoji archeologie v Jižní Asie. Nicméně mnoho z specificých závěrů archeologické lokality bylo vyvráceno nebo reinterpretováno a často byl kritizován za své neortodoxní metody a za obťažování mladých žen.
Monofonní zvuk Monofonní zvuková reprodukce, často zkráceně označovaná jako mono, je zvuk, který má být slyšet, jako by vycházel z jednoho bodu. Opakem je stereofonní zvuk neboli stereo, které využívá dva samostatné zvukové kanály k reprodukci zvuku ze dvou mikrofonů na pravé a levé straně, který je reprodukován dvěma samostatnými reproduktory, aby vznikl dojem směru zvukových zdrojů. U mona zvuku je potřeba pouze jeden reproduktor, ale při přehrávání přes více reproduktorů nebo sluchátek se do každého reproduktoru posílají identické signály, což má za následek vnímání jednokanálového zvuku „zobrazovaného“ v jednom zvukovém prostoru mezi reproduktory (za předpokladu, že jsou reproduktory nastaveny ve správném symetrickém umístění pro kritické poslouchání). Monofonní nahrávky, stejně jako stereofonní nahrávky, obvykle používají více mikrofonů připojených k více kanálům na nahrávací konzoli, ale každý kanál je „posunut“ do středu. V závěrečné fázi se různé středově posunuté signálové cesty obvykle smíchají do dvou identických stop, které jsou, protože jsou identické, při přehrávání vnímány jako jediný sjednocený signál na jednom místě zvukového pole. V některých případech se vícestopé zdroje smíchají na jednosměrnou pásku, čímž se stanou jedním signálem. Ve fázi masteringu, zejména v době monofonních záznamů, byla jednosměrná nebo dvoupásmová monofonní master páska poté přenesena na jednosměrný soustruh, který se používal k výrobě master disku určeného k použití při lisování monofonní desky. Dnes se však monofonní nahrávky obvykle masterují pro přehrávání na stereofonních a vícestopých formátech, ale zachovávají si své charakteristické vlastnosti středově posunutého monofonního zvukového pole. Monofonní zvuk byl ve většině zábavních aplikací z velké části nahrazen stereofonním zvukem, ale zůstává standardem pro rádiotelefonní komunikace, telefonní sítě a audio indukční smyčky pro použití se sluchadly. FM rozhlasové stanice vysílají ve stereu, zatímco většina AM rozhlasových stanic vysílá v mono. (Ačkoli existuje standard AM stereofonního vysílání, jen málo AM stanic je vybaveno tak, aby jej mohlo používat.) Několik FM stanic, zejména rozhlasové stanice, se rozhodlo vysílat monofonně kvůli mírné výhodě v síle signálu a šířce pásma, kterou tento standard poskytuje oproti stereofonnímu signálu stejného výkonu.
Rága Rága je melodický rámec pro improvizaci v indické klasické hudbě, podobný melodickému modu. Rága je jedinečný a ústřední rys tradice indické klasické hudby a jako takový nemá přímý překlad do pojmů klasické evropské hudby. Každá rága je souborem melodických struktur s hudebními motivy, které podle indické tradice mají schopnost „obarvit mysl“ a ovlivnit emoce posluchačů. Každá rága poskytuje hudebníkovi hudební rámec, ve kterém může improvizovat. Improvizace hudebníka zahrnuje vytváření sledů not povolených rágou v souladu s pravidly specifickými pro danou rágu. Rágy se pohybují od malých rág, jako jsou Bahar a Shahana, které nejsou o moc víc než písně, až po velké rágy, jako jsou Malkauns, Darbari a Yaman, které mají velký prostor pro improvizaci a jejichž představení mohou trvat déle než hodinu. Rágy se mohou v průběhu času měnit, příkladem je Marwa, jejíž primární vývoj probíhal v nižší oktávě, na rozdíl od tradiční střední oktávy. Každá rága má tradičně emocionální význam a symbolické asociace, jako jsou roční období, čas a nálada. Rága je v indické hudební tradici považována za prostředek k vyvolání specifických pocitů u posluchačů. V klasické tradici je uznáváno několik stovek rág, z nichž asi 30 je běžných, a každá rága má svou „vlastní jedinečnou melodickou osobnost“. Existují dvě hlavní tradice klasické hudby, hindustánská (severoindická) a karnátská (jihoindická) a pojem rágy je společný oběma. Rágy se také vyskytují v sikhských tradicích, například v Guru Granth Sahib, primárním písmu sikhismu. Podobně je součástí tradice qawwali v súfijských islámských komunitách jižní Asie. Některé populární indické filmové písně a ghazaly používají ve své skladbě rágy. Každá rága má sváru (notu nebo jmenovanou výšku tónu) nazývanou shadja nebo adhara sadja, jejíž výška tónu může být interpretem libovolně zvolena. Toto je považováno za počátek a konec saptaku (volně řečeno oktávy). Rága také obsahuje adhista, což je buď svára Ma, nebo svára Pa. Adhista dělí oktávu na dvě části nebo anga – purvanga, která obsahuje nižší noty, a uttaranga, která obsahuje vyšší noty. Každá rága má vadi a samvadi. Vadi je nejvýznamnější svára, což znamená, že improvizující hudebník zdůrazňuje nebo věnuje větší pozornost vadi než ostatním notám. Samvadi je v souladu s vadi (vždy z anga, které vadi neobsahuje) a je druhou nejvýznamnější svarou v ráze.
Hudba Indonésie Hudba Indonésie (indonésky: Musik Indonesia) je velmi rozmanitá, protože Indonésie je zemí s mnoha různými kmeny a etnickými skupinami. Hudba se zde vyskytuje ve stovkách různých forem a stylů. Každý region má svou vlastní kulturu a umění, a proto se tradiční hudba z oblasti do oblasti jedinečně liší. Například každá tradiční hudba je často doprovázena svým vlastním tancem a divadlem. Současnou hudební scénu také silně ovlivnily různé zahraniční vlivy, jako jsou Amerika, Británie, Japonsko, Korea a Indie. Hudba z Jávy, Sumatry, Bali, Floresu (Malé Sundy) a dalších ostrovů byla dobře zdokumentována a zaznamenána a indonéští i mezinárodní vědci v ní stále pokračují. Hudba v Indonésii předchází historickým záznamům, různé domorodé indonéské kmeny často do svých rituálů začleňují zpěvy a písně doprovázené hudebními nástroji. Současná indonéská hudba je dnes populární i v sousedních zemích, jako je Malajsie, Singapur a Brunej. Obecně platí, že tradiční indonéská hudba a písně obsahují silný rytmus a harmonii se silným vlivem indické, jávské, arabské, čínské a malajské klasické hudby. Vliv je silně patrný v populárním tradičním hudebním žánru Dangdut.
Karnátská hudba Karnátská hudba, v jihoindických jazycích známá také jako Karnáṭaka saṃgīta nebo Karnáṭaka saṅgītam, je hudební systém běžně spojovaný s jižní Indií, včetně moderních indických států Karnátaka, Andhra Pradesh, Telangana, Kerala a Tamilnádu. Je to jeden ze dvou hlavních podžánrů indické klasické hudby, který se vyvinul ze starověkých hinduistických textů a tradic, zejména ze Samavédy. Druhým podžánrem je hudba hindustánská, která se vyvinula jako odlišná forma kvůli perským nebo islámským vlivům ze severní Indie. Hlavní důraz v karnátské hudbě je kladen na vokální hudbu; většina skladeb je napsána tak, aby byla zpívána, a i když jsou hrány na nástroje, mají být provedeny ve stylu gāyaki (zpěv). Přestože existují stylistické rozdíly, základní prvky śruti (relativní hudební výška), svara (hudební zvuk jediného tónu), rāga (mod nebo melodické formule) a tala (rytmické cykly) tvoří základ improvizace a kompozice v karnátské i hindustánské hudbě. Ačkoli improvizace hraje důležitou roli, karnátská hudba se zpívá především prostřednictvím skladeb, zejména kriti (nebo kirtanam) – formy vyvinuté mezi 14. a 20. stoletím skladateli jako Purandara Dasa, Kanaka Dasa a trojicí karnátské hudby. Karnátská hudba se také obvykle vyučuje a učí prostřednictvím skladeb. V pozdějším období svého vývoje převládá v evoluci karnátské hudby telugština. Většina karnátských skladeb je v telugštině, sanskrtu, tamilštině a kannadštině. Karnátskou hudbu obvykle provádí malý soubor hudebníků, sestávající z hlavního umělce (obvykle zpěváka), melodického doprovodu (obvykle houslí), rytmického doprovodu (obvykle mridangamu) a tambura, který působí jako dron po celou dobu představení. Mezi další typické nástroje používané při představeních patří ghatam, kanjira, morsing, flétna venu, veena a chitraveena. Největší koncentrace karnátských hudebníků se nachází ve městě Chennai. Po celé Indii a v zahraničí se konají různé festivaly karnátské hudby, včetně Madras Music Season, který je považován za jednu z největších kulturních událostí na světě.