Co je plainsong Plainsong nebo plainchant (z francouzského plain-chant; latinsky cantus planus) je soubor zpěvů používaných v liturgiích západní církve. Plainsong je název pro posvátné skladby složené na latinský text. Historie plainsongu Plainsong byl výlučnou formou křesťanské církevní hudby až do 9. století, kdy byla zavedena polyfonie. Monofonní zpěvy plainsongu mají nemetrický rytmus. Jejich rytmy jsou obecně volnější než měřený rytmus pozdější západní hudby a zpívají se bez hudebního doprovodu. Druhy plainsongu Existují tři typy melodií zpěvů, do kterých plainsongy spadají: slabikové, neumatické a melismatické. Volně plynoucí melismatická forma melodie plainsongu se dodnes používá v hudbě Blízkého východu. Plainsong a byzantské zpěvy Ačkoli se katolická církev a východní pravoslavné církve rozdělily až dlouho po vzniku plainsongu, byzantské zpěvy se obecně nepovažují za plainsong.
Walther von der Vogelweide (kolem 1170 – kolem 1230) byl německý minnesänger, který skládal a zpíval milostné písně a politické písně ("Sprüche") ve střední horní němčině. Walther byl označován za největšího německého lyrického básníka před Goethem; jeho přibližně sto milostných písní je všeobecně považováno za vrchol minnesangu, středověké německé milostné lyriky, a jeho inovace vdechly nový život tradici dvorské lásky. Byl také prvním politickým básníkem, který psal německy, s rozsáhlým dílem chvalozpěvů, satir, invektiv a moralizování. O Waltherově životě se toho ví jen málo. Byl to potulný zpěvák, který vystupoval pro mecenáše na různých knížecích dvorech ve státech Svaté říše římské. Je zvláště spojován s babenberským dvorem ve Vídni. Později v životě mu budoucí císař Svaté říše římské, Fridrich II., udělil malé léno. Jeho dílo bylo ve své době a v následujících generacích široce oslavováno – pro meistersingery byl vzorem pro skladatele písní – a to se odráží ve výjimečném zachování jeho díla ve 32 rukopisech ze všech částí hornoněmecké oblasti. Největší sbírka se nachází v Codex Manesse, který obsahuje asi 90 % jeho známých písní. Většina rukopisů Minnesang však uchovává pouze texty a dochovalo se jen několik Waltherových melodií. Mezi pozoruhodné písně patří milostná píseň "Under der linden", kontemplativní "Elegy" a náboženská Palästinalied, pro kterou se melodie dochovala.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) Giovanni Pierluigi da Palestrina byl italský hudební skladatel pozdní renesance. Byl ústředním představitelem římské školy, společně s Orlandem di Lassusem a Tómasem Luisem de Victoriou. Je považován za nejvýznamnějšího skladatele pozdního 16. století v Evropě. Palestrina je známý především svými mšemi a motety, kterých složil více než 105 a 250. Měl trvalý vliv na vývoj církevní a světské hudby v Evropě, zejména na rozvoj kontrapunktu. Podle Grove Music Online „Palestrinův úspěch ve smíření funkčních a estetických cílů katolické církevní hudby v období po tridentském koncilu mu přinesl trvalou pověst ideálního katolického skladatele a jeho stylu (nebo přesněji pozdějším generacím selektivního pohledu na něj) ikonický status jako modelu dokonalého díla.“ Život Palestrina se narodil v Palestrině nedaleko Říma. O jeho raném životě se ví jen málo. Pravděpodobně studoval u Firmina Le Bel, francouzského skladatele, který působil v Římě. V roce 1544 se stal kapelníkem v katedrále v Palestrině. V roce 1551 se Palestrina přestěhoval do Říma, kde působil jako zpěvák v Cappella Giulia, sboru papežské baziliky sv. Petra. V roce 1555 byl jmenován kapelníkem baziliky sv. Jana na Lateránu. V roce 1560 se stal kapelníkem baziliky Santa Maria Maggiore. V roce 1571 Palestrina složil mši Missa Papae Marcelli, která byla údajně napsána na žádost papeže Pia IV., aby přesvědčil tridentský koncil, aby nezakázal polyfonní hudbu v kostele. Tato mše je považována za jedno z jeho mistrovských děl. Palestrina zemřel v Římě 2. února 1594 a byl pohřben v bazilice Santa Maria Maggiore. Dílo Palestrina byl plodný skladatel, který složil více než 105 mší, 250 motet, 70 madrigalů a další církevní a světská díla. Jeho hudba je charakteristická svou čistotou, jednoduchostí a dokonalou rovnováhou. Palestrinův styl je založen na kontrapunktu, technice, při které se kombinuje několik melodií, které se vzájemně doplňují a vytvářejí bohatou a komplexní texturu. Jeho hudba je často polyfonní, což znamená, že obsahuje více než jednu nezávislou melodickou linii. Palestrina byl také mistrem vokální polyfonie. Jeho hudba je psána pro sbor zpěváků, kteří zpívají samostatné hlasy, které se spojují a vytvářejí nádhernou a povznášející hudbu. Odkaz Palestrina měl trvalý vliv na vývoj církevní a světské hudby v Evropě. Jeho hudba byla vysoce ceněna jeho současníky a zůstala populární po celá staletí. Palestrinův styl se stal modelem pro pozdější skladatele, jako byl Johann Sebastian Bach a Wolfgang Amadeus Mozart. Jeho hudba je dodnes uváděna a nahrávána a zůstává jedním z vrcholů západní hudby.
Guiillaume Dufay Život a kariéra Guiillaume Dufay (asi 1397–1474) byl skladatel a hudební teoretik rané renesance, označovaný jako francouzský nebo franko-vlámský. Považován za předního evropského skladatele své éry, byla jeho hudba hojně provozována a přepisována. Dufay byl úzce spjat se skladateli burgundské školy, zejména s kolegou Gillese Binchoisem, nikdy však nebyl řádným členem burgundské kapely. Ačkoli patří k nejlépe zdokumentovaným skladatelům své éry, Dufayův původ a rodina zůstávají zahaleny nejistotou, je však pravděpodobné, že byl synem kněze. Vzdělával se v katedrále v Cambrai, kde mezi jeho učitele patřili Nicolas Grenon a Richard Loqueville. V následujících deseti letech Dufay působil po Evropě: jako podjáhen v Cambrai, u Carla I. Malatesty v Rimini, pro dům Malatesta v Pesaru a u Louise Alemana v Bologni, kde byl vysvěcen na kněze. Když se jeho sláva začala šířit, usadil se v Římě roku 1428 jako hudebník prestižního chóru, nejprve za papeže Martina V. a poté za papeže Evžena IV., kde složil moteta Balsamus et munda cera, Ecclesie militantis a Supremum est mortalibus. Vzhledem k politickým nepokojům a finančnímu úpadku v Římě roku 1430 požádal Dufay o uvolení ze sboru, aby mohl sloužit Amadea VIII., vévodu savojského. Dufay se do Itálie roku 1436 navrátil a složil zde své nejvíce obdivované dílo, složité moteto Nuper Rosarum Flores, které oslavovalo posvěcení Filippo Brunelleschiho dómu florentské katedrály. Později se připojil k nedávno přestěhovanému bolognskému dómu a byl spojován s rodem d'Este ve Ferraře. Po následujících jedenáct let Dufay pobýval v Cambrai ve službách Filipa Dobrého, pro kterého možná napsal dnes již ztracené dílo o hudební teorii. Po krátkém návratu do Savoj a Itálie se Dufay roku 1458 usadil v Cambrai, kde se jeho pozornost od písní a motet upřela ke skládání cyklických mší s anglickou inspirací založených na cantus firmus, jako Missa Ave regina celorum, Missa Ecce ancilla, Missa L'Homme armé a Missa Se la face ay pale. Během svých posledních let v Cambrai Dufay složil své dnes ztracené rekviem a setkal se i ovlivnil přední hudebníky své éry, včetně Antoina Busnoise, Loysete Compèra, Johannese Tinctorise a zejména Johannese Ockeghema. Dufay je popisován jako vedlejší osobnost první generace evropských hudebníku, kteří byli především považováni za „skladatele“ svým povoláním. Jeho nepravidelná kariéra ho zavedla po západní Evropě a utvářela „kosmopolitní styl“ a rozsáhlé dílo, které zahrnovalo reprezentanty téměř každého polyfonního žánru jeho éry. Stejně jako Binchois byl Dufay hluboce ovlivněn stylem contenance anglaise Johna Dunstaplea a syntetizoval jej se šírokou škálou jiných stylů, včetně proslulé Missa Caput a technik svých mladších současníku, Ockeghema a Busnoise.
Orlando di Lasso (známý také pod různými jinými jmény; pravděpodobně kolem roku 1532 – 14. června 1594) byl hudební skladatel pozdní renesance. Jako hlavní představitel zralého polyfonního stylu franko-vlámské školy stojí Lassus po boku Williama Byrda, Giovanniho Pierluigiho da Palestriny a Tomáse Luise de Victorii jako přední skladatelé pozdní renesance. Jeho mimořádně rozsáhlá tvorba se značně liší stylem a žánry, což mu přineslo nebývalou popularitu po celé Evropě. Život O Lassovo raném životě se ví jen málo. Narodil se pravděpodobně kolem roku 1532 ve Vlámsku (nyní Belgie). Jako chlapec zpíval ve sboru v Monsu a později v Antverpách. V roce 1553 se přestěhoval do Říma, kde se stal členem Papežské kaple. V Římě se seznámil s některými z předních skladatelů té doby, včetně Giovanniho Pierluigiho da Palestriny. V roce 1556 opustil Lassus Řím a začal cestovat po Evropě. Navštívil Francii, Anglii, Nizozemsko a Německo. V roce 1558 se usadil v Mnichově, kde se stal dvorním skladatelem bavorského vévody Albrechta V. V Mnichově strávil zbytek svého života a složil většinu své hudby. Dílo Lassus byl mimořádně plodný skladatel. Složil více než 1 200 skladeb, včetně mší, motet, madrigalů, chansons a dalších světských skladeb. Jeho hudba se vyznačuje svou polyfonní složitostí, harmonickou bohatostí a emocionální hloubkou. Lassus byl mistrem polyfonie. Dokázal napsat složitou hudbu s mnoha samostatnými hlasy, které se navzájem prolínají a vytvářejí bohatou zvukovou tapisérii. Jeho hudba je často kontrapunkticky složitá, ale zároveň je přístupná a příjemná na poslech. Lassus byl také mistrem harmonie. Jeho hudba je plná bohatých a disonantních harmonií, které dodávají jeho skladbám jedinečný zvuk. Byl jedním z prvních skladatelů, kteří používali chromatiku, což je použití půltónů, k vytváření napětí a vzrušení ve své hudbě. Lassus byl také plodným skladatelem světské hudby. Jeho madrigaly a chansons jsou plné svěžího humoru a šarmu. Často používal lidové melodie a tance jako základ svých světských skladeb, což jim dodávalo populární přitažlivost. Odkaz Orlando di Lasso je považován za jednoho z největších skladatelů renesance. Jeho hudba byla oblíbená po celé Evropě a měla velký vliv na další generaci skladatelů. Jeho dílo je stále uváděno a nahráváno a zůstává jedním z nejvýznamnějších příspěvků k hudebnímu dědictví.
Hudební soubor Hudební soubor, také známý jako hudební skupina, je skupina lidí, kteří hrají instrumentální a/nebo vokální hudbu, přičemž soubor je obvykle znám pod určitým názvem. Některé hudební soubory se skládají pouze z instrumentalistů, jako je jazzový kvartet nebo orchestr. Jiné hudební soubory se skládají pouze ze zpěváků, jako jsou sbory a skupiny doo wop. V populární i klasické hudbě existují soubory, ve kterých vystupují jak instrumentalisté, tak zpěváci, jako je rocková kapela nebo barokní komorní skupina pro basso continuo (cembalo a violoncello) a jeden nebo více zpěváků. V klasické hudbě tria nebo kvarteta buď mísí zvuky hudebních nástrojů (jako je klavír, smyčcové a dechové nástroje), nebo seskupují nástroje ze stejné nástrojové rodiny, jako jsou smyčcová tělesa (např. smyčcové kvarteto) nebo dechová tělesa (např. dechový kvintet). Některé soubory mísí zvuky různých nástrojových rodin, jako je orchestr, který používá smyčcovou sekci, žesťové nástroje, dřevěné dechové nástroje a bicí nástroje, nebo koncertní kapela, která používá žestě, dřevěné dechové nástroje a bicí. V jazzových souborech nebo kombech nástroje obvykle zahrnují dechové nástroje (jeden nebo více saxofonů, trubek atd.), jeden nebo dva akordické „comping“ nástroje (elektrická kytara, akustická kytara, klavír nebo Hammondovy varhany), basový nástroj (basová kytara nebo kontrabas) a bubeník nebo perkusista. Jazzové soubory mohou být čistě instrumentální, nebo mohou sestávat ze skupiny nástrojů doprovázejících jednoho nebo více zpěváků. V rockových a popových souborech, obvykle nazývaných rockové kapely nebo popové kapely, jsou obvykle kytary a klávesy (klavír, elektrický klavír, Hammondovy varhany, syntezátor atd.), jeden nebo více zpěváků a rytmická sekce složená z basové kytary a bicí soupravy. Hudební soubory obvykle mají vedoucího. V jazzových kapelách, rockových a popových skupinách a podobných souborech je to kapelník. V klasické hudbě jsou orchestry, koncertní kapely a sbory vedeny dirigentem. V orchestru je koncertní mistr (hlavní první houslista) instrumentálním vedoucím orchestru. V orchestrech mají jednotlivé sekce také vedoucí, obvykle nazývané „hlavní“ sekce (např. vedoucí violové sekce se nazývá „hlavní viola“). Dirigenti se používají také ve velkých jazzových orchestrech a v některých velmi velkých rockových nebo popových souborech (např. rockový koncert, který zahrnuje smyčcovou sekci, dechovou sekci a sbor, které doprovázejí vystoupení rockové kapely).
Clavichord Clavichord je strunný klávesový nástroj, který byl široce používán v pozdním středověku, renesanci, baroku a klasicismu. Historicky byl používán především jako cvičný nástroj a jako pomůcka ke komponování, protože nebyl dostatečně hlasitý pro větší vystoupení. Clavichord vydává zvuk úderem mosazných nebo železných strun malými kovovými čepelkami nazývanými tangenty. Vibrace jsou přenášeny přes kobylku (kobylky) na rezonanční desku. Historie Nejstarší známé clavichordy pocházejí z 14. století. V 16. století se clavichord stal populárním domácím nástrojem v Německu a dalších zemích severní Evropy. V 17. a 18. století byl clavichord často používán jako nástroj pro continuo v komorní hudbě. V 19. století byl clavichord nahrazen klavírem, který byl hlasitější a měl větší rozsah. Konstrukce Clavichord je obvykle malý nástroj, který má tvar klavíru. Má klávesnici, která je rozdělena na oktávy. Klávesy jsou spojeny s tangenty, které jsou umístěny nad strunami. Když je klávesa stisknuta, příslušná tangenta udeří do struny a způsobí její rozkmitání. Vibrace struny jsou přenášeny přes kobylku na rezonanční desku, která zesiluje zvuk. Hra na clavichord Na clavichord se hraje podobně jako na klavír. Hráč používá prsty k stisknutí kláves, které ovládají tangenty. Tangenty udeří do strun a způsobí jejich rozkmitání. Hráč může ovládat hlasitost zvuku změnou tlaku na klávesy. Clavichord má také jedinečnou vlastnost zvanou "Bebung" (vibrace), která umožňuje hráči vytvářet vibrato efekt. Repertoár Repertoár pro clavichord zahrnuje širokou škálu skladeb z období renesance, baroka a klasicismu. Mezi skladatele, kteří psali pro clavichord, patří Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Moderní použití Clavichord se dnes používá především jako historický nástroj. Je oblíbený mezi hudebníky, kteří se zajímají o autentickou interpretaci staré hudby. Clavichord se také používá v některých soudobých skladbách.
Cembalo (italsky clavicembalo, francouzsky clavecin, německy Cembalo, španělsky clavecín, portugalsky cravo, rusky Клавеси́н, holandsky klavecimbel, polsky klawesyn) je hudební nástroj, na který se hraje pomocí klaviatury. Ta aktivuje řadu pák, které otočí spouštěcím mechanismem, jenž trhá jeden nebo více strun malým trsátkem vyrobeným z brku nebo plastu. Struny jsou napnuté na rezonanční desce, která je umístěna v dřevěném pouzdře; rezonanční deska zesiluje vibrace ze strun tak, aby je posluchači mohli slyšet. Stejně jako varhany může mít cembalo více než jednu manuálovou klaviaturu[1] a dokonce i pedálovou klaviaturu. Cembalo může mít také stopky, které přidávají nebo odstraňují další oktávy. Některá cembala mohou mít tlumič, který přivádí proužek kůže nebo jiného materiálu do kontaktu se strunami a tlumí jejich zvuk, aby simuloval zvuk trhané loutny.[2] Tento termín označuje celou rodinu podobných klávesových nástrojů s trháním, včetně menších virginálů, muselaru a spinetu. Cembalo bylo široce používáno v renesanční a barokní hudbě, jak jako doprovodný nástroj, tak jako sólový nástroj. V barokní éře bylo cembalo standardní součástí skupiny continuo. Part basso continuo sloužil jako základ pro mnoho hudebních skladeb v této éře. V pozdním 18. století, s vývojem fortepiana (a poté s rostoucím používáním klavíru v 19. století), cembalo postupně zmizelo z hudební scény (kromě opery, kde se nadále používalo k doprovodu recitativu). Ve 20. století zažilo obrození, bylo používáno v historicky poučených interpretacích starší hudby, v nových skladbách a ve vzácných případech v určitých stylech populární hudby (např. barokní pop).
Fuga Fuga je kontrapunktická, polyfonní kompoziční technika ve dvou nebo více hlasech, založená na tématu (hudební myšlence), které je uvedeno na začátku imitací (opakováním v různých výškách tónu) a které se během skladby často opakuje. Nemá být zaměňována s fuguing tune, což je styl písně popularizovaný a většinou omezený na ranou americkou (tj. shape note nebo "Sacred Harp") hudbu a West Gallery music. Fuga má obvykle tři hlavní části: expozici, vývoj a závěrečný vstup, který obsahuje návrat tématu v tonální tónině fugy. Fugy mohou mít také epizody – části fugy, kde se objevuje nový materiál založený na tématu – stretto, kdy se téma fugy "překrývá" v různých hlasech, nebo rekapitulaci. Fuga, která byla populární kompoziční technikou v barokní éře, byla zásadní pro ukázání mistrovství harmonie a tóniny, jak se prezentovala v kontrapunktu. Ve středověku se tento pojem široce používal k označení všech děl v kanonickém stylu; v renesanci se začal používat konkrétně pro imitativní díla. Od 17. století popisuje pojem fuga to, co je běžně považováno za nejrozvinutější postup imitativního kontrapunktu. Většina fug začíná krátkým hlavním tématem, tématem, které pak zní postupně v každém hlase (po dokončení prvního hlasu uvádějícího téma opakuje druhý hlas téma v jiné výšce tónu a další hlasy opakují stejným způsobem); když každý hlas dokončí téma, je expozice dokončena. Po ní často následuje spojovací pasáž nebo epizoda, vyvinutá z dříve slyšeného materiálu; pak jsou slyšet další "vstupy" tématu v příbuzných tóninách. Epizody (pokud jsou použity) a vstupy se obvykle střídají až do "závěrečného vstupu" tématu, kdy se hudba vrací do úvodní tóniny nebo toniky, po které často následuje závěrečný materiál, coda. V tomto smyslu je fuga stylem skladby, spíše než pevnou strukturou. Forma se vyvinula během 18. století z několika dřívějších typů kontrapunktických skladeb, jako jsou imitativní ricercary, capriccios, canzony a fantazie. Slavný skladatel fug Johann Sebastian Bach (1685–1750) tvaroval svá vlastní díla podle děl Jana Pieterszoona Sweelincka (1562-1621), Johanna Jakoba Frobergera (1616–1667), Johanna Pachelbela (1653–1706), Girolama Frescobaldiho (1583–1643), Dietricha Buxtehudeho (asi 1637–1707) a dalších. S úpadkem sofistikovaných stylů na konci barokního období upadla ústřední role fugy a nakonec ustoupila, když se sonátová forma a symfonický orchestr dostaly do dominantní pozice. Přesto skladatelé nadále psali a studovali fugy pro různé účely; objevují se v dílech Wolfganga Amadea Mozarta (1756–1791) a Ludwiga van Beethovena (1770–1827), stejně jako u moderních skladatelů, jako jsou Dmitrij Šostakovič (1906–1975) a Paul Hindemith (1895-1963).
Dřevěné dechové nástroje
Dřevěné dechové nástroje jsou rodinou hudebních nástrojů z větší kategorie dechových nástrojů. Mezi běžné příklady patří flétna, klarinet, hoboj, fagot a saxofon. Existují dva hlavní typy dřevěných dechových nástrojů: flétny a nástroje s plátkem (jinak nazývané plátkové nástroje). Hlavním rozdílem mezi těmito nástroji a jinými dechovými nástroji je způsob, jakým vydávají zvuk.
Všechny dřevěné dechové nástroje vydávají zvuk štěpením vzduchu, který do nich foukáme, na ostré hraně, jako je plátek nebo fiple. Přes svůj název mohou být dřevěné dechové nástroje vyrobeny z jakéhokoli materiálu, nejen ze dřeva. Běžné příklady zahrnují mosaz, stříbro, rákos a další kovy, jako je zlato a platina. Například saxofon, i když je vyroben z mosazi, je považován za dřevěný dechový nástroj, protože k vydávání zvuku potřebuje plátek. Dřevěné dechové nástroje jsou někdy vyrobeny z hliněných materiálů, zejména okaríny.
Flétny
Flétny jsou dřevěné dechové nástroje, které vydávají zvuk foukáním vzduchu přes otvor v náustku. Vzduch se pak štěpí na hraně náustku a vytváří zvuk. Flétny jsou obvykle vyrobeny ze dřeva, kovu nebo plastu.
Nástroje s plátkem
Nástroje s plátkem jsou dřevěné dechové nástroje, které vydávají zvuk pomocí plátku, který vibruje, když do něj foukáme vzduch. Plátek může být vyroben z rákosu, plastu nebo syntetického materiálu. Mezi běžné nástroje s plátkem patří klarinet, hoboj, fagot a saxofon.
Charakteristiky dřevěných dechových nástrojů
Dřevěné dechové nástroje mají řadu charakteristických rysů, které je odlišují od jiných dechových nástrojů:
Zvuk: Dřevěné dechové nástroje mají obvykle jasný, pronikavý zvuk.
Rozsah: Dřevěné dechové nástroje mají široký rozsah tónů.
Technika hry: Dřevěné dechové nástroje se hrají foukáním vzduchu do náustku a používáním prstů k zakrývání a odkrývání otvorů na těle nástroje.
Materiály: Dřevěné dechové nástroje mohou být vyrobeny z různých materiálů, včetně dřeva, kovu, plastu a hlíny.
Historie dřevěných dechových nástrojů
Dřevěné dechové nástroje existují již tisíce let. První flétny byly vyrobeny z kostí nebo dřeva a byly používány v předhistorických kulturách. Klarinet, hoboj a fagot byly vyvinuty v 17. století a saxofon byl vynalezen v 19. století.
Dřevěné dechové nástroje v hudbě
Dřevěné dechové nástroje se používají v široké škále hudebních žánrů, včetně klasické hudby, jazzu, popu a rocku. Flétna je často používána jako sólo nástroj, zatímco klarinet, hoboj a fagot se často používají v orchestrech a kapelách. Saxofon je oblíbeným nástrojem v jazzu a rocku.
Významní hráči na dřevěné dechové nástroje
V průběhu historie bylo mnoho slavných hráčů na dřevěné dechové nástroje. Mezi nejznámější patří:
Flétna: James Galway, Jean-Pierre Rampal
Klarinet: Benny Goodman, Artie Shaw
Hoboj: Heinz Holliger, Maurice Bourgue
Fagot: Sergio Azzolini, Gustavo Nuñez
Saxofon: Charlie Parker, John Coltrane
Dřevěné dechové nástroje jsou důležitou součástí hudebního světa a jejich jedinečný zvuk a všestrannost z nich činí oblíbenou volbu pro hudebníky všech úrovní.