Messias je oratorium v anglickém jazyce, které v roce 1741 složil Georg Friedrich Händel. Text sestavil Charles Jennens z Bible krále Jakuba a Coverdalova žaltáře. Poprvé bylo oratorium provedeno v Dublinu 13. dubna 1742 a svou londýnskou premiéru mělo o rok později. Po počátečně skromném přijetí veřejností si oratorium získalo popularitu a nakonec se stalo jedním z nejznámějších a nejčastěji uváděných sborových děl západní hudby. Händelova pověst v Anglii, kde žil od roku 1712, byla založena na jeho skladbách italské opery. V 30. letech 18. století se obrátil k anglickému oratóriu v reakci na změny ve veřejném vkusu; Mesiáš bylo jeho šestým dílem v tomto žánru. Přestože jeho struktura připomíná operu, nemá dramatickou formu; neexistují žádné zosobnění postav a žádná přímá řeč. Místo toho je Jennensův text rozšířenou úvahou o Ježíši jako o Mesiáši zvaném Kristus. Text začíná v části I proroctvími Izaiáše a dalších a přechází ke zvěstování pastýřům, jediné „scéně“ převzaté z evangelií. Ve II. části se Händel soustředí na Ježíšovo umučení a končí halelujovým sborem. Ve III. části se zabývá Pavlovým učením o vzkříšení mrtvých a Kristově oslavě v nebi. Händel napsal Mesiáše pro skromné vokální a instrumentální síly s volitelnými nastaveními pro mnoho jednotlivých čísel. V letech po jeho smrti bylo dílo adaptováno pro provedení ve mnohem větším měřítku s obřími orchestry a sbory. V dalších snahách o jeho aktualizaci byla jeho instrumentace revidována a rozšířena, například Mozartův Der Messias. Koncem 20. a počátkem 21. století byl trendem reprodukce větší věrnosti Händelovým původním záměrům, ačkoli „velké“ produkce Mesiáše pokračují. V roce 1928 byla na 78otáčkových deskách vydána téměř úplná verze; od té doby bylo dílo mnohokrát nahráno. Autografní rukopis oratoria je uložen v Britské knihovně.
Georg Philipp Telemann Georg Philipp Telemann byl německý barokní skladatel a multiinstrumentalista. Je jedním z nejplodnějších skladatelů v historii, alespoň co se týče dochovaného díla. Současníci ho považovali za jednoho z předních německých skladatelů té doby a byl srovnáván se svým přítelem Johannem Sebastianem Bachem, který udělal Telemanna kmotrem a jmenovcem svého syna Carla Philippa Emanuela, a s Georgem Friedrichem Händelem, kterého Telemann také osobně znal. Telemann byl téměř zcela samouk v hudbě a stal se skladatelem proti přání své rodiny. Po studiích v Magdeburgu, Zellerfeldu a Hildesheimu nastoupil Telemann na univerzitu v Lipsku, aby studoval práva, ale nakonec se usadil na kariéře v hudbě. Zastával důležité pozice v Lipsku, Sorau, Eisenachu a Frankfurtu, než se v roce 1721 usadil v Hamburku, kde se stal hudebním ředitelem pěti hlavních kostelů ve městě. Zatímco Telemannova kariéra vzkvétala, jeho osobní život byl vždy problémový: jeho první manželka zemřela méně než dva roky po jejich svatbě a jeho druhá manželka měla mimomanželské poměry a nashromáždila velký dluh v hazardu, než ho opustila. Jako součást svých povinností napsal značné množství hudby pro vzdělávání varhaníků pod jeho vedením. To zahrnuje 48 chorálových preludií a 20 malých fug (modálních fug), které doprovázejí jeho chorálové harmonizace pro 500 hymnů. Jeho hudba obsahuje francouzské, italské a německé národní styly a byl občas ovlivněn i polskou populární hudbou. Zůstal v popředí všech nových hudebních tendencí a jeho hudba představuje důležité spojení mezi pozdně barokními a raně klasicistními styly. Telemannovo muzeum v Hamburku je mu věnováno.
Georg Friedrich Händel Georg Friedrich Händel, původním jménem Georg Fried(e)rich Händel, se narodil 23. února 1685 v německém Halle. Jeho otec, který byl holičem a ranhojičem, měl původně v úmyslu, aby se jeho syn stal právníkem. Händel však projevoval velký talent pro hudbu již od útlého věku a jeho otec mu nakonec povolil, aby se hudbě věnoval. Händel studoval hudbu v Halle a později v Hamburku, kde se stal operním skladatelem. V roce 1706 odcestoval do Itálie, kde studoval u významných hudebníků té doby a složil několik oper, které měly velký úspěch. V roce 1712 se Händel přestěhoval do Londýna, kde strávil většinu svého života. Zde se stal ředitelem Královské akademie hudby a složil některá ze svých nejznámějších děl, včetně oratoria "Mesiáš" a "Hudby pro královský ohňostroj". Händel byl plodný skladatel a napsal více než 40 oper, 20 oratorií a mnoho dalších skladeb, včetně koncertů, sonát a kantát. Jeho hudba je známá svou melodickou krásou, harmonickou bohatostí a dramatickou silou. Händel byl také vynikající varhaník a často hrával na varhany v kostelech a na soukromých akcích. Jeho varhanní skladby patří k nejvýznamnějším příkladům tohoto žánru. Händel zemřel v Londýně 14. dubna 1759 a byl pohřben ve Westminsterském opatství. Jeho hudba je dodnes obdivována a uváděna po celém světě. Händelův hudební styl Händelův hudební styl byl ovlivněn různými hudebními tradicemi, včetně německé polyfonie, italské opery a anglické církevní hudby. Jeho hudba je charakteristická svým melodickým bohatstvím, harmonickou komplexností a dramatickou silou. Händel byl mistrem kontrapunktu a často používal složité polyfonní struktury ve svých skladbách. Jeho hudba je také známá svým použitím chromatiky a disonance, což jí dodává emocionální intenzitu. Händel byl také vynikající orchestrátor a jeho hudba je často bohatě instrumentovaná. Používal širokou škálu nástrojů, včetně smyčců, dechových nástrojů, bicích a klávesových nástrojů. Händelův odkaz Händel je považován za jednoho z největších skladatelů barokního období. Jeho hudba měla velký vliv na vývoj západní hudby a je dodnes obdivována a uváděna po celém světě. Händel byl také významnou osobností v britské kulturní historii. Jeho hudba byla používána při mnoha oficiálních příležitostech a jeho díla jsou dodnes součástí britského kulturního dědictví.
Homofonie Homofonie je hudební struktura, ve které je hlavní melodie doprovázena jedním nebo více dalšími hlasy, které tvoří harmonii. Jedna melodie dominuje, zatímco ostatní hlasy hrají buď jednotlivé tóny, nebo propracovaný doprovod. Toto rozlišení rolí kontrastuje s polyfonií s rovnými hlasy (ve které se podobné hlasy pohybují s rytmickou a melodickou nezávislostí a tvoří rovnoměrnou strukturu) a monofonií (ve které se všechny hlasy pohybují v unisonu nebo oktávách). Historicky se homofonie a její diferencované role pro jednotlivé hlasy objevily společně s tonalitou, která dala jasné harmonické funkce sopránu, basu a vnitřním hlasům. Homofonní struktura může být homorytmická, což znamená, že všechny hlasy mají stejný rytmus. Chorální textura je další variantou homofonie. Nejčastějším typem homofonie je melodicky dominovaná homofonie, ve které jeden hlas, často nejvyšší, hraje výraznou melodii a doprovodné hlasy společně artikulují podkladovou harmonii. Zpočátku, ve starověkém Řecku, homofonie označovala hudbu, ve které je jedna melodie provedena dvěma nebo více hlasy v unisonu nebo oktávách, tj. monofonie s více hlasy. Homofonie jako termín se v angličtině poprvé objevila s Charlesem Burneym v roce 1776 a zdůrazňovala soulad harmonizované melodie.
Antonio Vivaldi Antonio Lucio Vivaldi (4. března 1678 – 28. července 1741) byl italský hudební skladatel, virtuózní houslista a impresário barokní hudby. Spolu s Johannem Sebastianem Bachem a Georgem Friedrichem Händelem patří Vivaldi mezi největší barokní skladatele a jeho vliv byl během jeho života rozšířen po celé Evropě, což dalo vzniknout mnoha napodobitelům a obdivovatelům. Byl průkopníkem mnoha vývojů v orchestraci, houslové technice a programové hudbě. Upevnil vznikající formu koncertu do široce přijímaného a následovaného jazyka. Vivaldi složil mnoho instrumentálních koncertů pro housle a řadu dalších hudebních nástrojů, stejně jako sakrální sborová díla a více než padesát oper. Jeho nejznámějším dílem je série houslových koncertů známých jako Čtvero ročních období. Mnoho z jeho skladeb bylo napsáno pro čistě ženský hudební soubor Ospedale della Pietà, domov pro opuštěné děti. Vivaldi začal studovat kněžství ve věku 15 let a byl vysvěcen v 25 letech, ale kvůli zdravotním problémům dostal dispens, aby již nemusel sloužit veřejné mše. Vivaldi měl také úspěch s nákladným inscenováním svých oper v Benátkách, Mantově a Vídni. Po setkání s císařem Karlem VI. se Vivaldi přestěhoval do Vídně v naději na královskou podporu. Císař však zemřel krátce po Vivaldiho příjezdu a sám Vivaldi zemřel v chudobě o necelý rok později. Po téměř dvou stoletích úpadku doznala Vivaldiho hudební pověst oživení na počátku 20. století, kdy byla jeho dílu věnována velká vědecká pozornost. Mnoho Vivaldiho skladeb, které byly kdysi považovány za ztracené, bylo znovuobjeveno – některé ještě v roce 2015. Jeho hudba zůstává dodnes široce populární a pravidelně se hraje po celém světě.
Doprovod Doprovod je hudební část, která poskytuje rytmickou nebo harmonickou podporu pro melodii nebo hlavní témata písně nebo instrumentálního kusu. V různých hudebních žánrech a stylech existuje mnoho různých stylů a typů doprovodů. V homofonní hudbě, což je hlavní doprovodný přístup používaný v populární hudbě, je jasná vokální melodie podporována podřízenými akordy. V populární a tradiční hudbě obvykle doprovodné party poskytují "beat" pro hudbu a nastíňují sled akordů písně nebo instrumentálního kusu. Doprovod pro vokální melodii nebo instrumentální sólo může hrát jediný hudebník hrající na nástroj jako je klavír, varhany nebo kytara. Zatímco v teorii lze jako doprovodný nástroj použít jakýkoli nástroj, klávesové a kytarové nástroje bývají používány, pokud existuje pouze jeden nástroj, protože tyto nástroje mohou hrát akordy a basové linky současně (akordy a basová linka se snadněji hrají současně na klávesových nástrojích, ale kytarista s prsty může hrát akordy a basovou linku současně na kytaře). Sólový zpěvák se může doprovázet hrou na kytaru nebo klavír, zatímco zpívá, a v některých vzácných případech se sólový zpěvák může dokonce doprovázet pouze pomocí svého hlasu a těla (např. Bobby McFerrin). Alternativně může být doprovod k vokální melodii nebo instrumentálnímu sólu poskytnut hudebním souborem, jehož velikost se pohybuje od dua (např. violoncello a klavír; kytara a kontrabas; syntezátor a perkuse); trio (např. rockové power trio elektrické kytary, elektrické baskytary a bicí soupravy; varhanní trio); kvartet (např. smyčcový kvartet v klasické hudbě může doprovázet sólového zpěváka; rocková kapela nebo rytmická sekce v rocku a popu; jazzový kvartet v jazzu); až po větší soubory, jako jsou koncertní kapely, big bandy (v jazzu), orchestry v hudebním divadle; a orchestry, které kromě hraní symfonií mohou také poskytovat doprovod koncertnímu sólovému instrumentalistovi nebo sólovým zpěvákům v opeře. U sborové hudby může být doprovod k vokálnímu sólu poskytnut dalšími zpěváky ve sboru, kteří zpívají harmonické party nebo kontramelodie. Doprovodné party se pohybují od tak jednoduchých, že je může hrát začátečník (např. jednoduché trojhlasé akordy v tradiční lidové písni), až po tak složité, že je může provést pouze pokročilý hráč nebo zpěvák (např. klavírní party v Schubertových písních Lieder z 19. století nebo vokální party z motetu renesanční hudby).
Smíšený kvartet je termín, který může odkazovat buď na typ hudební skladby, nebo na skupinu čtyř lidí, kteří ji hrají. Mnoho skladatelů od poloviny 18. století psalo smyčcové kvartety. Související hudební soubor se skládá ze dvou houslistů, violisty a violoncellisty. Smyčcový kvartet byl vyvinut do současné podoby rakouským skladatelem Josephem Haydnem, jehož díla v 50. letech 18. století ustanovila soubor jako skupinu čtyř víceméně rovnocenných partnerů. Od té doby je smyčcový kvartet považován za prestižní formu; psaní pro čtyři nástroje s široce podobnými vlastnostmi skladatele omezuje i zkouší. Kompozice smyčcových kvartetů vzkvétala v klasické éře a Mozart, Beethoven a Schubert napsali několik z nich. Mnoho romantických a skladatelů počátku 20. století skládalo smyčcové kvartety, včetně Mendelssohna, Schumanna, Brahmse, Dvořáka, Janáčka a Debussyho. Později v 19. století nastal mírný útlum ve skládání smyčcových kvartetů, ale ve 20. století se dočkalo obnovy, kdy Druhá vídeňská škola, Bartók, Šostakovič, Babbitt a Carter produkovali vysoce ceněné příklady tohoto žánru a zůstává důležitou a rafinovanou hudební formou. Standardní struktura smyčcového kvartetu, jak byla stanovena v klasické éře, jsou čtyři věty, přičemž první věta je v sonátové formě, allegro, v tonické tónině; následuje pomalá věta v příbuzné tónině a menuet a trio; a čtvrtá věta je často ve formě ronda nebo sonátové rondo formě, v tonické tónině. Některé soubory smyčcových kvartet hrají společně mnoho let a etablují se a propagují se jako jednotka podobně jako instrumentální sólista nebo orchestr.
Trio je hudební pojem označující skladbu pro tři hráče nebo tři hudební party ve větších dílech, střední část ternární formy (nazývaná tak kvůli zvyku z 17. století zapisovat druhý nebo střední tanec, který se objevuje mezi dvěma vyjádřeními hlavního tance, pro tři nástroje), soubor tří nástrojů nebo hlasů, které hrají nebo zpívají trio skladby.
Historie
Trio se vyvinulo z raných forem vokální hudby, kde se používalo k označení skladby pro tři hlasy. V období renesance se trio stalo běžnou formou instrumentální hudby, zejména v podobě tříhlasých tanců. V barokní době se trio stalo důležitou součástí sonáty a dalších instrumentálních forem.
Forma
Trio může mít různé formy, ale nejběžnější je ternární forma, která se skládá ze tří částí:
A - hlavní část
B - střední část
A - repríza hlavní části
Střední část (B) je často kontrastní k hlavní části (A), a to jak v tónině, tak v melodii a rytmu.
Instrumentace
Trio může být napsáno pro různé kombinace nástrojů nebo hlasů. Některé z nejběžnějších kombinací jsou:
Klavírní trio: klavír, housle a violoncello
Smyčcové trio: housle, viola a violoncello
Dechové trio: flétna, hoboj a fagot
Vokální trio: soprán, alt a bas
Význam
Trio je důležitou součástí hudební literatury. Je to všestranná forma, která lze použít k vyjádření široké škály emocí a nálad. Trio bylo také použito jako základ pro mnoho populárních písní a instrumentálních skladeb.
Příklady
Některé z nejznámějších trio skladeb zahrnují:
Beethoven: Klavírní trio č. 7 "Archduke"
Brahms: Klavírní trio č. 1 v B dur
Čajkovskij: Klavírní trio "Památce velkého umělce"
Dvořák: Klavírní trio č. 4 "Dumky"
Mozart: Klavírní trio č. 5 "Kegelstatt"
Trio je nadále populární formou hudební kompozice a je často používáno v různých hudebních žánrech, od klasiky po jazz a pop.
Serenáda
Serenáda je hudební skladba nebo vystoupení, které je věnováno někomu nebo něčemu na počest. Serenády jsou obvykle klidné, lehké hudební skladby. Termín pochází z italského slova serenata, které je odvozeno z latinského serenus. Smysl je ovlivněn italským sera "večer", z latinského sera, fem. serus "pozdní".
Serenády se často hrají pod okny milované osoby, aby jí vyjádřily náklonnost nebo lásku. Mohou být také hrány na oslavu narozenin, výročí nebo jiných zvláštních příležitostí. Serenády se často hrají na strunné nástroje, jako jsou housle, kytara nebo mandolína, ale mohou být také hrány na jiné nástroje, jako je klavír nebo flétna.
Serenády mají dlouhou historii a byly populární v mnoha kulturách po celém světě. V Evropě se serenády staly populární v období renesance a baroka. Během tohoto období byly serenády často psány pro sólový hlas s doprovodem nástrojů. V 19. století se serenády staly populární jako orchestrální skladby.
Dnes se serenády stále hrají a těší se oblibě po celém světě. Často se hrají na svatbách, výročích a dalších zvláštních příležitostech. Serenády mohou být také použity k vyjádření lásky, náklonnosti nebo vděčnosti.
Zde jsou některé z nejznámějších serenád:
"Clair de Lune" od Claude Debussyho
"Ave Maria" od Franze Schuberta
"O sole mio" od Eduarda di Capuy
"La donna è mobile" od Giuseppe Verdiho
"Serenade" od Franze Josepha Haydna
Serenády jsou krásnou a romantickou formou hudby, která se těší oblibě po celém světě. Ať už se hrají na oslavu zvláštní příležitosti nebo k vyjádření lásky a náklonnosti, serenády jsou vždy vítaným dárkem.
Christoph Willibald Gluck Christoph Willibald (Ritter von) Gluck (německy: [ˈkʁɪstɔf ˈvɪlɪbalt ˈɡlʊk]; 2. července 1714 – 15. listopadu 1787) byl skladatel italské a francouzské opery v raném klasicismu. Narodil se v Horní Falci a vyrůstal v Čechách, [1] obojí bylo součástí Svaté říše římské. Stal se významným u habsburského dvora ve Vídni. Tam provedl praktickou reformu operních dramaturgických postupů, o kterou usilovalo mnoho intelektuálů. Sérií radikálních nových děl v 60. letech 18. století, mezi nimi Orfeo ed Euridice a Alceste, prolomil sevření, které opera seria Metastasia požívala po většinu století. Gluck přinesl více dramatu pomocí orchestrálního recitativu a zkrácením obvykle dlouhé árie da capo. Jeho pozdější opery mají poloviční délku než typická barokní opera. Pozdější skladatelé jako Mozart, Schubert, Berlioz a Wagner Glucka uctívali. Silný vliv francouzské opery přiměl Glucka, aby se v listopadu 1773 přestěhoval do Paříže. Spojením tradic italské opery a francouzské (s bohatým sborem) do jedinečné syntézy napsal Gluck pro pařížskou scénu osm oper. Iphigénie en Tauride (1779) měla velký úspěch a je často považována za jeho nejlepší dílo. Přestože byl nesmírně populární a široce uznávaný jako ten, kdo přinesl revoluci ve francouzské opeře, Glukova vláda na pařížské operní scéně nikdy nebyla absolutní a po špatném přijetí jeho Echo et Narcisse (1779) Paříž znechuceně opustil a vrátil se do Vídně, kde dožil zbytek svého života.