Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven byl německý skladatel a klavírista, pokřtěný 17. prosince 1770 v Bonnu, zemřel 26. března 1827 ve Vídni.
Život a dílo
Beethoven se narodil do hudební rodiny a již od dětství projevoval mimořádný talent. Prvním učitelem mu byl jeho otec Johann van Beethoven, později Christian Gottlob Neefe. Pod Neefovým vedením vydal v roce 1783 své první dílo, Variationen über das Klavierstück "Ich denke Dein".
V roce 1792 se Beethoven přestěhoval do Vídně, kde studoval kompozici u Josepha Haydna. Zde si získal pověst virtuózního klavíristy a jeho skladby si získaly pozornost mecenášů.
Beethovenova tvorba se dělí na tři období: rané, střední a pozdní. Rané období, kdy Beethoven rozvíjel svůj styl, trvalo přibližně do roku 1802. Střední období, od roku 1802 do roku 1812, bylo charakterizováno jeho osobitým vývojem a inspirací styly Josepha Haydna a Wolfganga Amadea Mozarta. V této době se také začaly projevovat první příznaky Beethovenovy hluchoty.
V pozdním období, od roku 1812 do roku 1827, Beethoven rozvíjel své hudební inovace a výrazové prostředky. Jeho díla se stala ještě složitějšími a náročnějšími.
Beethovenovo dílo zahrnuje symfonie, klavírní sonáty, smyčcové kvartety, opery a další hudební formy. Jeho nejznámější díla patří k vrcholům klasické hudby, například:
Symfonie č. 5, "Osudová"
Symfonie č. 9, "Sborová"
Klavírní sonáta č. 14, "Měsíční"
Smyčcový kvartet č. 16, "Grosse Fuge"
Beethoven byl nejen výjimečným skladatelem, ale také osobností s tragickým osudem. Postupně ztrácel sluch a jeho osobní život byl poznamenán osamělostí a nenaplněnými láskami.
Beethoven zemřel ve Vídni 26. března 1827 ve věku 56 let. Zanechal po sobě odkaz, který ovlivnil generace hudebníků a dodnes jeho díla patří k nejhranějším v klasické hudbě.
Akord V hudbě je akord harmonickou sadou tónů, která se skládá z několika současně znějících not (také nazývaných „tóny“). Pro mnoho praktických a teoretických účelů lze za akordy považovat také arpeggia a jiné typy rozložených akordů (ve kterých tóny akordu neznějí současně), pokud se nacházejí ve správném hudebním kontextu. V tonální západní klasické hudbě (hudbě s tonikou nebo „hlavní tóninou“) jsou nejčastěji používanými akordy triády, takzvané proto, že se skládají ze tří odlišných not: základní noty a intervalů tercie a kvinty nad základní notou. Akordy s více než třemi notami zahrnují akordy s přidanými tóny, rozšířené akordy a tóny shluky, které se používají v soudobé klasické hudbě, jazzu a téměř v každém jiném žánru. Sérii akordů nazýváme akordová posloupnost. Jedním příkladem široce používané akordové posloupnosti v západní tradiční hudbě a bluesu je 12taktová bluesová posloupnost. Přestože jakýkoli akord může v zásadě následovat jakýkoli jiný akord, určité modely akordů jsou v západní hudbě běžnější a některé modely byly přijaty jako stanovení tóniny (toniky) v běžné harmonii – zejména rozlišení dominantního akordu na tonický akord. Abychom to popsali, vyvinula západní hudební teorie praxi číslování akordů pomocí římských číslic, které představují počet diatonických stupňů od toniky stupnice. Běžné způsoby zápisu nebo znázornění akordů v západní hudbě (kromě běžného notového zápisu) zahrnují římské číslice, Nashville Number System, generální bas, akordové značky (někdy používané v moderní muzikologii) a akordové diagramy.
Pjotr Iljič Čajkovskij Pjotr Iljič Čajkovskij (7. května 1840 – 6. listopadu 1893) byl ruský hudební skladatel romantického období. Byl prvním ruským skladatelem, jehož hudba udělala trvalý dojem na mezinárodní úrovni. Čajkovskij napsal některé z nejoblíbenějších koncertních a divadelních skladeb v současném klasickém repertoáru, včetně baletů Labutí jezero a Louskáček, předehry 1812, svého Prvního klavírního koncertu, Houslového koncertu, předehry Romeo a Julie-Fantasie, několika symfonií a opery Evžen Oněgin. Přestože byl hudebně nadaný, Čajkovskij byl vzděláván pro kariéru státního úředníka, protože v té době v Rusku bylo jen málo příležitostí pro hudební kariéru a neexistoval žádný systém veřejného hudebního vzdělávání. Když se naskytla příležitost k takovému vzdělání, vstoupil do rodící se Petrohradské konzervatoře, kterou absolvoval v roce 1865. Formální výuka západního stylu, kterou tam Čajkovskij obdržel, ho odlišila od skladatelů současného nacionalistického hnutí, které ztělesňovali ruští skladatelé Mocné hrstky, s nimiž byl jeho profesní vztah smíšený. Čajkovského výcvik ho přivedl na cestu ke smíření toho, co se naučil, s rodnými hudebními praktikami, kterým byl vystaven od dětství. Z tohoto smíření vytvořil osobní, ale nezaměnitelně ruský styl. Principy, které ovládaly melodii, harmonii a další základy ruské hudby, se lišily od těch, které ovládaly západoevropskou hudbu, což zdánlivě porazilo potenciál pro použití ruské hudby ve velkých západních skladbách nebo pro vytvoření kompozitního stylu a způsobilo osobní antipatie, které poškodily Čajkovského sebevědomí. Ruská kultura vykazovala rozdvojenou osobnost, jejíž rodné a adoptované prvky se od dob Petra Velikého stále více rozcházely. To vedlo k nejistotě mezi inteligencí ohledně národní identity země, což se odrazilo v Čajkovského kariéře. Navzdory mnoha populárním úspěchům byl Čajkovského život poznamenán osobními krizemi a depresemi. Mezi přispívající faktory patřilo jeho brzké odloučení od matky kvůli internátní škole následované předčasnou smrtí jeho matky, smrt jeho blízkého přítele a kolegy Nikolaje Rubinsteina, jeho neúspěšné manželství s Antonínou Miljukovou a zhroucení jeho 13letého vztahu s bohatou patronkou Naděždou von Meck. Čajkovského homosexualita, kterou si nechal pro sebe, byla tradičně považována také za hlavní faktor, i když někteří vědci její význam zlehčovali. Jeho věnování Šesté symfonie jeho synovci Vladimírovi "Bobovi" Davydovovi a jeho city vyjádřené o Davydovovi v dopisech druhým, zejména po Davydovově sebevraždě, byly citovány jako důkaz romantické lásky mezi oběma. Čajkovského náhlá smrt ve věku 53 let je obecně připisována choleře, ale probíhá debata o tom, zda cholera byla skutečně příčinou a zda smrt byla neúmyslná nebo úmyslná. Zatímco jeho hudba zůstala mezi publikem populární, kritické názory byly zpočátku smíšené. Někteří Rusové neměli pocit, že dostatečně reprezentuje domácí hudební hodnoty, a vyjadřovali podezření, že Evropané hudbu přijímají kvůli jejím západním prvkům. V zjevné podpoře tohoto posledního tvrzení někteří Evropané chválili Čajkovského za to, že nabízí hudbu podstatnější než exotiku, a řekli, že překonal stereotypy ruské klasické hudby. Jiní odmítli Čajkovského hudbu jako nedostatečnou, protože se striktně nedržela západních principů.
Gustav Mahler (7. července 1860 – 18. května 1911) byl rakousko-český hudební skladatel období romantismu a jeden z předních dirigentů své generace. Jako skladatel působil jako most mezi tradicí rakousko-německé hudby 19. století a modernismem počátku 20. století. Zatímco za jeho života byl jeho status jako dirigenta nesporný, jeho vlastní hudba získala širokou popularitu až po obdobích relativního zanedbávání, včetně zákazu jejího uvádění ve velké části Evropy během nacistické éry. Po roce 1945 byly jeho skladby znovuobjeveny novou generací posluchačů; Mahler se poté stal jedním z nejčastěji uváděných a nahrávaných skladatelů všech dob, což si udržel i do 21. století. Narodil se v Čechách (tehdy součást Rakouského císařství) židovským rodičům skromného původu. Mahler, hovořící německy, projevil své hudební nadání již v raném věku. Po absolvování Vídeňské konzervatoře v roce 1878 zastával řadu dirigentských postů rostoucího významu v operních domech Evropy, což vyvrcholilo jeho jmenováním v roce 1897 ředitelem Vídeňské dvorní opery (Hofoper). Během deseti let ve Vídni Mahler – který konvertoval ke katolicismu, aby si zajistil post – zažil pravidelný odpor a nepřátelství ze strany antisemitského tisku. Jeho inovativní produkce a trvání na nejvyšších výkonnostních standardech však zajistily jeho pověst jednoho z největších operních dirigentů, zejména jako interpret jevištních děl Wagnera, Mozarta a Čajkovského. Ke konci svého života byl krátce ředitelem Metropolitní opery v New Yorku a Newyorské filharmonie. Mahlerovo dílo je relativně omezené; po většinu svého života bylo skládání nutně částečnou aktivitou, zatímco si vydělával na živobytí jako dirigent. Kromě raných děl, jako je věta z klavírního kvartetu, kterou složil jako student ve Vídni, jsou Mahlerova díla obecně určena pro velké orchestrální síly, symfonické sbory a operní sólisty. Tato díla byla při prvním uvedení často kontroverzní a některá se dočkala kritického a populárního uznání jen pomalu; výjimkou byla jeho Druhá symfonie a triumfální premiéra jeho Osmé symfonie v roce 1910. Mezi Mahlerovy bezprostřední hudební následovníky patřili skladatelé Druhé vídeňské školy, zejména Arnold Schoenberg, Alban Berg a Anton Webern. Dmitri Šostakovič a Benjamin Britten patří k pozdějším skladatelům 20. století, kteří Mahlera obdivovali a byli jím ovlivněni. Mezinárodní společnost Gustava Mahlera byla založena v roce 1955, aby vzdala hold skladatelovu životu a úspěchům.
Rozšířené akordy Rozšířené akordy jsou akordy, které mají více než sedm tónů. Jsou vytvořeny přidáním dalších tónů k základním akordům, které mají tři nebo čtyři tóny. Nejčastějšími rozšířenými akordy jsou akordy s devátým, jedenáctým a třináctým tónem. Třináctý tón je nejvyšší tón, který lze přidat k akordu, protože v tomto bodě jsou v akordu zastoupeny všechny sedm tónů stupnice. Další tón, patnáctý, je stejný jako základní tón akordu. V praxi se však rozšířené akordy obvykle nepoužívají všechny tóny. Když akord není alterovaný, často se vynechává kvinta a také tóny mezi sedmým a nejvyšším tónem (tj. v akordu s jedenáctým tónem se často vynechává devátý tón; v akordu s třináctým tónem se obvykle vynechává devátý a jedenáctý tón), pokud nejsou alterovány tak, aby vytvořily zvláštní texturu. Akordy rozšířené o více než sedm tónů se v barokní éře objevují jen zřídka a častěji se používají v klasické éře. V romantické éře došlo k výrazně zvýšenému používání rozšířené harmonie. Rozšířená harmonie před 20. stoletím má obvykle dominantní funkci – jako V9, V11 a V13 nebo V9/V, V13/ii atd. Příklady rozšířených akordů používaných jako tonické harmonie zahrnují píseň "Play That Funky Music" od Wild Cherry (buď dominantní devítka nebo dominantní třináctka).
Chromatická stupnice (nebo dvanáctitónová stupnice) je sada dvanácti tónů (přesněji řečeno tříd tónů), používaná v tonální hudbě, s notami oddělenými intervalem půltónu. Chromatické nástroje, jako je klavír, jsou konstruovány tak, aby produkovaly chromatickou stupnici, zatímco jiné nástroje schopné plynule měnit výšku tónu, jako je trombon a housle, mohou produkovat také mikrotóny nebo noty mezi těmi, které jsou k dispozici na klavíru. Většina hudby používá podmnožiny chromatické stupnice, jako jsou diatonické stupnice. Zatímco chromatická stupnice je základním kamenem západní hudební teorie, v hudebních skladbách nebo improvizacích se jen zřídka používá přímo v celé své šíři.
Chromatická stupnice je uspořádána v půltónových krocích, což znamená, že mezi každou notou je interval půltónu. Existuje několik způsobů, jak chromatickou stupnici zapsat:
C-C# (nebo Db)-D-D# (nebo Eb)-E-F-F# (nebo Gb)-G-G# (nebo Ab)-A-A# (nebo Bb)-B
C-Db-D-Eb-E-F-Gb-G-Ab-A-Bb-B
Při zápisu chromatické stupnice pomocí ostrých (#) nebo plochých (b) znamének je důležité být konzistentní. V prvním příkladu jsou použity ostré znaménka, zatímco ve druhém příkladu jsou použity plochá znaménka.
Chromatická stupnice se používá v celé řadě hudebních stylů, od klasické hudby až po jazz a rock. Může být použita k vytváření melodií, harmonií a basových linek. Chromatická stupnice může být také použita k přidání napětí nebo disonance do skladby.
Zde je několik příkladů použití chromatické stupnice v hudbě:
Klasická hudba: Chromatická stupnice se často používá v klasické hudbě k vytváření melodií a harmonií. Například v první větě Beethovenovy "Pátá symfonie" se chromatická stupnice používá k vytvoření napětí a vzrušení.
Jazz: Chromatická stupnice se v jazzu často používá k vytváření improvizací. Například jazzový saxofonista Charlie Parker byl známý svým používáním chromatické stupnice ve svých sólech.
Rock: Chromatická stupnice se v rocku často používá k vytváření riffů a sól. Například kytarista Jimi Hendrix byl známý svým používáním chromatické stupnice ve svých sólech.
Chromatická stupnice je všestranný hudební nástroj, který lze použít v celé řadě stylů. Je to základní kámen západní hudební teorie a její znalost je nezbytná pro každého hudebníka.
Opereta je divadelní forma a žánr lehké opery. Obsahuje mluvené dialogy, písně a tance. Je lehčí než opera, co se týče hudby, velikosti orchestru, délky díla a na první pohled i námětu. Kromě kratší délky má opereta obvykle lehký a zábavný charakter. Někdy také obsahuje satirické komentáře. "Opereta" je italské zdrobnělé slovo od "opery" a původně se používalo k označení kratšího, možná méně ambiciózního díla než opera. Opereta poskytuje alternativu k operním představením v přístupné formě cílené na jiné publikum. Opereta se stala rozpoznatelnou formou v polovině 19. století ve Francii a její popularita vedla k rozvoji mnoha národních stylů operety. Charakteristické styly se objevily v zemích jako Rakousko-Uhersko, Německo, Anglie, Španělsko, Filipíny, Mexiko, Kuba a Spojené státy. Prostřednictvím přenosu operety mezi různými zeměmi vznikl v minulém století kulturní kosmopolitismus. Opereta jako žánr ztratila oblibu ve 30. letech 20. století a ustoupila modernímu muzikálu. Mezi významné skladatele operet patří Johann Strauss, Jacques Offenbach, Franz Lehár a Francisco Alonso.
Divadelní hudba zahrnuje širokou škálu hudby složené nebo upravené pro představení v divadlech. Mezi žánry divadelní hudby patří opera, balet a několik forem hudebního divadla, od pantomimy po operetu a moderní jevištní muzikály a revue. Další formou divadelní hudby je scénická hudba, která se stejně jako v rozhlase, filmu a televizi používá k doprovodu děje nebo k oddělení scén hry. Hmotným ztělesněním hudby je partitura, která obsahuje hudbu a pokud existují texty, obsahuje také texty.
Opera
Opera je hudební drama, ve kterém zpěváci hrají své role za doprovodu orchestru. Příběh opery je vyprávěn prostřednictvím zpěvu, recitativu a sborových částí. Opery mohou být komické, tragické nebo historické a často se v nich objevují mytologické nebo literární postavy.
Balet
Balet je taneční představení, které vypráví příběh nebo vyjadřuje emoce prostřednictvím pohybu. Balety jsou často doprovázeny orchestrální hudbou a mohou být abstraktní nebo vyprávěcí.
Hudební divadlo
Hudební divadlo je forma divadla, která kombinuje hudbu, zpěv, tanec a mluvený dialog. Mezi žánry hudebního divadla patří muzikály, operety a revue.
Muzikály jsou plnohodnotné divadelní produkce s propracovanými příběhy, postavami a hudebními čísly. Muzikály mohou být komediální, dramatické nebo historické.
Operety jsou lehčí formou hudebního divadla, která se často zaměřuje na romantiku a humor. Operety obvykle obsahují mluvený dialog a jejich hudební čísla jsou často chytlavá a taneční.
Revue jsou divadelní produkce, které se skládají z řady nesouvisejících scén, písní a tanců. Revue jsou často satirické nebo komediální a často v nich účinkují komici, zpěváci a tanečníci.
Scénická hudba
Scénická hudba je hudba, která se používá k doprovodu divadelního představení. Scénická hudba může být originální nebo upravená a může být použita k vytvoření nálady, k podtržení děje nebo k oddělení scén.
Partitura
Partitura je hudební záznam divadelní hudby. Partitura obsahuje noty, tempové značky a další instrukce pro hudebníky. Pokud existují texty, partitura je obvykle obsahuje.
Divadelní hudba hraje důležitou roli v divadle a může přispět k atmosféře, vyprávění příběhu a celkovému zážitku diváka.
Big band neboli jazzový orchestr je typ hudebního tělesa, které se obvykle skládá z deseti nebo více hudebníků ve čtyřech sekcích: saxofony, trubky, pozouny a rytmická sekce. Big bandy vznikly počátkem 10. let 20. století a dominovaly jazzu v počátcích 40. let, kdy byl nejpopulárnější swing. Termín "big band" se používá také k označení hudebního žánru, ačkoli to nebyl jediný styl hudby, který big bandy hrály. Big bandy vznikly jako doprovod pro tanec Lindy Hop. Na rozdíl od typického jazzového důrazu na improvizaci se big bandy spoléhaly na psané skladby a aranžmá. Dávaly větší roli kapelníkům, aranžérům a sekcím nástrojů než sólistům.
Arnold Schönberg Arnold Schönberg, nebo také Berg (13. září 1874 – 13. července 1951), narozený v Rakousku, později naturalizovaný Američan, hudební teoretik, učitel, spisovatel a skladatel. Je všeobecně považován za jednoho z nejdůležitějích skladatelů 20. století. Byl spojovaný s expresionistickým hnutím v německé poezii a umení a vůdcem druhé vídeňské školy. Jako židovského skladatele ho nacistická strana označila za skladatele zvrhlé muziky a zakázala publikování jeho děl. V roce 1933 proto Schönberg, v obavách o svůj osud, i osud své rodiny, z Výmarské republiky, jejíž občanem se stal v roce 1925,emigroval do Spojených států, kam se za ním brzy přestěhoval i jeho syn Georg, avšak rodina zůstala v Evropě a jeho žena Gertrud byla v roce 1942 v koncentračním táboře Terezín nacisty usmrcena. Americkým občanem se Schönberg stal v roce 1941. Schönbergův přístup, a to jak v harmonii, tak i v rozvoji, utvářel podstatnou část hudební teorie 20. století. Mnoho skladatelů z nejméně tří generaci vědomě rozšiřovalo jeho myšlení, zatímco jiní vášnivě vystupovali proti němu. Schönberg se v počátcích své skladatelské dráhy proslavil současně rozvíjením tradičně odlišných německých romantických slohů Brahmse a Wagnera. Později se jeho jméno stalo synonymem pro atonalitu (termín, kterému sám Schönberg odporoval), která se stala nejvíce kontroverzní charakteristikou klasicistní tvorby 20. století. Ve dvacátých letech 20. století Schönberg vyvinul dvanáctitónovou techniku, zcela nový kompoziční postup, manipulující s uspořádanou řadou dvanácti tónů chromatického rozsahu. Také vytvořil pojem rozvíjejících variaci a stal se prvním moderním skladatelem, jenž systematicky uplatňoval metody rozvíjení motivů bez použití dominantní tematicky melodicky hudební myšlenky. Schönberg se stal také významný učitel skladby, mezi jeho žáky patřili Alban Berg, Anton Webern, HannsEisler, Egon Wellesz, Nikos Skalkottas a později John Cage, Lou Harrison, Earl Kim, Robert Gerhard, Leon Kirchner, Dika Newlin, Oscar Levant a další významní skladatelé. Mnohé ze Schönbergových postupů, včetně formalizace kompozičních metod a jeho zvyku nutit skladatele myslet analyticky, jsou i nadale uplatňovány v avantgardním hudebním myšlení 20. století. Jeho často kontroverzní pohledy na hudební historii a estetiku měly zásadní vliv na mnoho významných muzikologů a skladatelů 20. století, včetně Theodora W. Adorna, Charlese Rosena a Carla Dahlhause, stejně jako na klavíristy Artura Schnabela, Rudolfa Serкина, Eduarda Steinmanna a Glenn Goulda. Avantgardní korejsky video umělec Nam June Paik na Tokijské univerzitě napsal diplomovou práci o Schönbergovi. Schönbergova archivní pozůstalost je shromážděna v Centru Arnolda Schönberga ve Vínni.