Jazz je hudební žánr, který vznikl v afroamerických komunitách v New Orleans v Louisianě na konci 19. a na počátku 20. století a má kořeny v blues a ragtimu. Od 20. let 20. století, kdy probíhala éra jazzu, je považován za hlavní formu hudebního vyjádření v tradiční i populární hudbě. Jazz se vyznačuje swingem a blue notes, složitými akordy, vokály call and response, polyrytmy a improvizací. Jazz má kořeny v evropské harmonii a afrických rytmických rituálech. S tím, jak se jazz šířil po světě, čerpal z národních, regionálních a místních hudebních kultur, což vedlo ke vzniku různých stylů. New Orleanský jazz vznikl na počátku 10. let 20. století spojením dřívějších pochodů dechových kapel, francouzských čtverylek, biguine, ragtimu a bluesu s kolektivní polyfonní improvizací. Jazz však nezačal jako jednotná hudební tradice v New Orleans nebo jinde. Ve 30. letech 20. století byly prominentními styly aranžované swingové big bandy zaměřené na tanec, jazz z Kansas City (tvrdě swingující, bluesový, improvizační styl) a cikánský jazz (styl, který zdůrazňoval musette valčíky). V 40. letech 20. století vznikl bebop, který posunul jazz od taneční populární hudby směrem k náročnější "hudbě pro hudebníky", která se hrála v rychlejším tempu a používala více akordovou improvizaci. Cool jazz se vyvinul ke konci 40. let 20. století a přinesl klidnější, jemnější zvuky a dlouhé, lineární melodické linie. V polovině 50. let 20. století se objevil hard bop, který přinesl vlivy z rhythm and blues, gospelu a blues do malých skupin, zejména do saxofonu a klavíru. V pozdních 50. letech 20. století se vyvinul modální jazz, který jako základ hudební struktury a improvizace používal stupnici nebo hudební stupnici, stejně jako free jazz, který zkoumal hraní bez pravidelného metru, beatu a formálních struktur. Jazz-rocková fúze se objevila na konci 60. a na počátku 70. let 20. století a kombinovala jazzovou improvizaci s rytmy rockové hudby, elektrickými nástroji a vysoce zesíleným zvukovým jevištěm. Na počátku 80. let 20. století se komerční forma jazzové fúze nazývaná smooth jazz stala úspěšnou a získala významnou rozhlasovou sledovanost. V 21. století existuje mnoho dalších stylů a žánrů, jako je latinský a afrokubánský jazz.
Lidová hudba
Lidová hudba je hudební žánr, který zahrnuje tradiční lidovou hudbu a současný žánr, který se z ní vyvinul během lidového obrození 20. století. Některé typy lidové hudby mohou být označovány jako world music.
Tradiční lidová hudba byla definována několika způsoby: jako hudba předávaná ústně, hudba s neznámými skladateli, hudba hraná na tradiční nástroje, hudba o kulturní nebo národní identitě, hudba, která se mění mezi generacemi (lidový proces), hudba spojená s folklórem lidu nebo hudba hraná zvykem po dlouhou dobu. Byla kontrastována s komerčními a klasickými styly. Termín vznikl v 19. století, ale lidová hudba sahá až za něj.
Od poloviny 20. století se z tradiční lidové hudby vyvinula nová forma populární lidové hudby. Tento proces a období se nazývá (druhé) lidové obrození a dosáhlo svého vrcholu v 60. letech 20. století. Tato forma hudby se někdy nazývá současná lidová hudba nebo hudba lidového obrození, aby se odlišila od dřívějších lidových forem. [1] Menší, podobná obrození se vyskytla jinde ve světě v jiných dobách, ale termín lidová hudba se typicky nevztahuje na novou hudbu vytvořenou během těchto obrození. Tento typ lidové hudby zahrnuje také fusion žánry, jako je folk rock, folk metal a další. Zatímco současná lidová hudba je žánr obecně odlišný od tradiční lidové hudby, v americké angličtině sdílí stejný název a často sdílí stejné interprety a místa jako tradiční lidová hudba.
Tradice
Lidová hudba je hudební tradice, která se předává z generace na generaci. Často je spojena s určitým regionem nebo kulturou a odráží hodnoty a zkušenosti lidí, kteří ji vytvořili. Lidová hudba může být použita k vyprávění příběhů, sdělování zpráv nebo prostě k zábavě.
Existuje mnoho různých tradic lidové hudby po celém světě. Každá tradice má své vlastní jedinečné nástroje, styly a písně. Některé z nejznámějších tradic lidové hudby zahrnují:
Americká lidová hudba: Americká lidová hudba je směsicí mnoha různých kultur, včetně evropské, africké a domorodé americké. Mezi populární žánry americké lidové hudby patří country, bluegrass, folk rock a blues.
Britská lidová hudba: Britská lidová hudba je známá svými tradičními baladami a tanci. Mezi populární nástroje britské lidové hudby patří housle, flétna a akordeon.
Irská lidová hudba: Irská lidová hudba je známá svými rychlými tanci a melancholickými písněmi. Mezi populární nástroje irské lidové hudby patří housle, dudy a irská harfa.
Skotská lidová hudba: Skotská lidová hudba je známá svými tradičními píšťalami a bubny. Mezi populární nástroje skotské lidové hudby patří dudy, housle a akordeon.
Muzikanti
Lidoví hudebníci jsou lidé, kteří hrají a zpívají lidovou hudbu. Často jsou to samouci, kteří se naučili hrát na tradiční nástroje a zpívat tradiční písně. Někteří lidoví hudebníci jsou profesionálové, kteří cestují po světě a hrají svou hudbu, zatímco jiní jsou amatéři, kteří hrají hudbu pro zábavu.
Někteří z nejslavnějších lidových hudebníků zahrnují:
Woody Guthrie: Woody Guthrie byl americký folkový zpěvák, který se proslavil svými písněmi o pracujících lidech a sociální spravedlnosti.
Bob Dylan: Bob Dylan je americký folkový zpěvák, který je považován za jednu z nejvlivnějších postav v historii populární hudby.
Joan Baez: Joan Baez je americká folková zpěvačka, která je známá svými písněmi o míru a sociální spravedlnosti.
Pete Seeger: Pete Seeger byl americký folkový zpěvák, který byl známý svými písněmi o sociální spravedlnosti a ochraně životního prostředí.
Nástroje
Lidová hudba se hraje na širokou škálu nástrojů. Mezi nejběžnější nástroje patří:
Strunné nástroje: kytara, housle, banjo, mandolína
Dechové nástroje: flétna, píšťala, dudy
Bicí nástroje: buben, tamburína, kastaněty
Klávesové nástroje: akordeon, klavír
Jiná témata
Kořeny populární hudby: Lidová hudba měla velký vliv na vývoj populární hudby. Mnoho populárních hudebních žánrů, jako je rock, pop a country, má kořeny v lidové hudbě.
Obrození lidové hudby: V 60. letech 20. století došlo k velkému obrození lidové hudby. Toto obrození bylo vedeno mladými hudebníky, kteří se inspirovali tradiční lidovou hudbou a začali hrát svou vlastní verzi tohoto žánru.
Filková hudba: Filková hudba je žánr lidové hudby, který se vyvinul ve sci-fi a fantasy fandomu. Filková hudba je často humoristická a satirická a odráží zájmy fanoušků sci-fi a fantasy.
Akousmatická hudba
Akousmatická hudba je hudba, která je slyšena, aniž by byl viděn její původ. Slovo akousmatická, z francouzského acousmatique, je odvozeno od řeckého slova akousmatikoi (ἀκουσματικοί), které se vztahovalo na zkušební žáky filozofa Pythagora, kteří museli sedět v naprostém tichu, zatímco poslouchali, jak pronáší svou přednášku za závojem nebo obrazovkou, aby se lépe soustředili na jeho učení.
Termín acousmatique poprvé použil francouzský skladatel a průkopník musique concrète Pierre Schaeffer. V akusmatickém umění člověk slyší zvuk za „závojem“ reproduktorů, přičemž zdroj zvuku zůstává neviditelný. Obecněji lze jakýkoli zvuk, ať už je přirozený nebo manipulovaný, označit za akusmatický, pokud příčina zvuku zůstává neviditelná.
Termín použil také francouzský spisovatel a skladatel Michel Chion ve vztahu k použití zvuku mimo obrazovku ve filmu. V poslední době, v článku Space-form and the acousmatic image (2007), skladatel a akademik prof. Denis Smalley rozšířil některé Schaefferovy akusmatické koncepty. Od roku 2000 se termín akusmatický používá zejména v Severní Americe k označení kompozic a skladeb s pevnými médii.
Charakteristika akusmatické hudby
Akousmatická hudba se vyznačuje řadou charakteristik, které ji odlišují od jiných hudebních žánrů:
Neviditelný zdroj zvuku: Jak již bylo zmíněno, zvuk v akusmatické hudbě pochází z neviditelného zdroje. To vytváří pocit tajemství a napětí, protože posluchač nemůže vidět, co zvuk způsobuje.
Prostorové efekty: Akusmatická hudba často využívá prostorové efekty, jako je ozvěna, dozvuk a panorámování, aby vytvořila pocit prostoru a hloubky. To může posluchače vtáhnout do hudebního prostředí a vytvořit pocit přítomnosti.
Zvuková manipulace: Akusmatická hudba často využívá zvukovou manipulaci, jako je střih, smyčkování a zpracování, aby vytvořila nové a zajímavé zvuky. To může vést k vytvoření zvukových krajin, které jsou jedinečné a neobvyklé.
Abstrakce: Akusmatická hudba je často abstraktní, což znamená, že není založena na konkrétních melodiích nebo harmoniích. Místo toho se soustředí na vytváření zvukových textur a nálad. To může posluchačům umožnit interpretovat hudbu svým vlastním způsobem.
Využití akusmatické hudby
Akousmatická hudba se používá v různých kontextech, včetně:
Koncerty: Akusmatická hudba se často hraje na koncertech, kde je posluchači prezentována přes reproduktorový systém. To umožňuje posluchačům zažít hudbu v pohlcujícím prostředí.
Instalace: Akusmatická hudba se také používá v instalacích, kde je zvuková krajina integrována do fyzického prostoru. To může vytvořit multismyslový zážitek, který zapojuje posluchače na více úrovních.
Film a televize: Akusmatická hudba se často používá ve filmu a televizi k vytvoření nálady a atmosféry. Může být použita k vyvolání pocitů napětí, strachu nebo tajemství.
Terapie: Akusmatická hudba se někdy používá v terapii, protože její abstraktní a uklidňující povaha může pomoci snížit stres a úzkost.
Významní akusmatičtí skladatelé
Mezi významné akusmatické skladatele patří:
Pierre Schaeffer
François Bayle
Luc Ferrari
Bernard Parmegiani
Michel Chion
Denis Smalley
Éliane Radigue
Pauline Oliveros
Musique concrète (francouzsky: [myzik kɔ̃kʁɛt]; doslova „konkrétní hudba“) je druh hudební kompozice, která jako surovinu využívá nahrané zvuky. Zvuky jsou často upravovány pomocí zpracování audio signálu a technik páskové hudby a mohou být sestaveny do podoby zvukové koláže. Může obsahovat zvuky odvozené z nahrávek hudebních nástrojů, lidského hlasu a přírodního prostředí, stejně jako zvuky vytvořené pomocí zvukové syntézy a počítačového digitálního zpracování signálu. Kompozice v tomto idiomu nejsou omezeny běžnými hudebními pravidly melodie, harmonie, rytmu a metra. Tato technika využívá akusmatický zvuk, takže zvukové identity mohou být často záměrně zastřeny nebo se mohou zdát nesouvisející se svým zdrojem. Teoretický základ musique concrète jako kompoziční praxe byl vyvinut francouzským skladatelem Pierrem Schaefferem na počátku 40. let 20. století. Šlo z velké části o pokus odlišit hudbu založenou na abstraktním médiu notace od hudby vytvořené pomocí takzvaných zvukových objektů (l'objet sonore). Počátkem 50. let 20. století byla musique concrète stavěna do kontrastu s „čistou“ elektronickou hudbou, která se tehdy vyvíjela v západním Německu – založenou výhradně na použití elektronicky vytvářených zvuků místo nahraných zvuků – ale toto rozlišení se od té doby setřelo, takže termín „elektronická hudba“ zahrnuje oba významy. Schaefferův výzkum vedl k založení francouzského Groupe de Recherches de Musique Concrète (GRMC), který přilákal významné osobnosti, jako jsou Pierre Henry, Luc Ferrari, Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varèse a Iannis Xenakis. Od konce 60. let 20. století, zejména ve Francii, se termín akusmatická hudba (musique acousmatique) používal ve vztahu ke kompozicím pro pevná média, které využívaly jak techniky založené na musique concrète, tak živou zvukovou prostorovou lokalizaci.
Vícekanálové nahrávání (MTR), známé také jako vícekanálové nahrávání, je metoda zvukového nahrávání vyvinutá v roce 1955, která umožňuje samostatné nahrávání více zvukových zdrojů nebo zvukových zdrojů nahraných v různých časech za účelem vytvoření soudržného celku. Vícekanálové nahrávání se stalo možným v polovině 50. let 20. století, kdy byl vyvinut nápad simultánního nahrávání různých zvukových kanálů na samostatné diskrétní „stopy“ na stejném kotoučovém pásu. „Stopa“ byla jednoduše jiný kanál zaznamenaný do své vlastní diskrétní oblasti na pásku, čímž byla zachována jejich relativní posloupnost zaznamenaných událostí a přehrávání bylo simultánní nebo synchronizované. Vícekanálový záznamník umožňuje simultánní nahrávání jednoho nebo více zvukových zdrojů na různé stopy, které mohou být následně samostatně zpracovány a smíchány. Vezměte si například kapelu s vokály, kytarami, klávesami, basou a bicími, které mají být nahrány. Mikrofon zpěváka, výstup kytar a kláves a každý jednotlivý buben v sadě lze samostatně nahrát pomocí vícekanálového záznamníku. To umožňuje individuální doladění každé stopy, například zvýšení hlasu nebo snížení zvonění, před jejich spojením do finálního produktu. Před vývojem vícekanálového nahrávání vyžadoval proces nahrávání zvuku, aby všichni zpěváci, instrumentalisté kapely a/nebo doprovodní orchestry vystupovali současně ve stejném prostoru. Vícekanálové nahrávání bylo významným technickým zlepšením, protože umožnilo studiovým technikům nahrávat všechny nástroje a vokály pro hudební skladbu samostatně. Vícekanálové nahrávání umožnilo technikovi upravit úrovně a tón každé jednotlivé stopy a v případě potřeby předělat určité stopy nebo předabovat části stopy, aby se opravily chyby nebo získal lepší „záběr“. Stejně tak mohly být na konkrétní stopy, jako jsou hlavní vokály, aplikovány různé elektronické efekty, jako je dozvuk, aniž by byly aplikovány na jiné stopy, kde by tento efekt nebyl žádoucí (např. na elektrickou basu). Vícekanálové nahrávání bylo mnohem víc než jen technická inovace; umožnilo také hudebním producentům a umělcům vytvářet nové zvuky, které by bylo nemožné vytvořit mimo studio, jako je zpěvák přidávající mnoho harmonických vokálů svým vlastním hlasem ke své vlastní hlavní vokální části, hráč na elektrickou kytaru hrající mnoho harmonických partů spolu se svým vlastním kytarovým sólem nebo dokonce nahrávání bicích a přehrávání stopy pozpátku pro neobvyklý efekt. V 80. a 90. letech 20. století poskytovaly počítače prostředky, pomocí kterých bylo možné digitalizovat nahrávání i reprodukci zvuku, což znamenalo revoluci v nahrávání a distribuci zvuku. Ve 20. letech 21. století byl hardware a software pro vícekanálové nahrávání pro počítače dostatečně kvalitní, aby byl široce používán pro špičkové zvukové nahrávky jak profesionálními zvukovými techniky, tak kapelami nahrávajícími bez studia pomocí široce dostupných programů, které lze používat na špičkovém notebooku. Přestože magnetická páska nebyla nahrazena jako záznamové médium, výhody nelineární editace (NLE) a nahrávání vedly k tomu, že digitální systémy z velké části nahradily pásku. I ve 20. letech 21. století, kdy je digitální vícekanálové nahrávání dominantní technologií, původní slovo „stopa“ stále používají zvukoví technici.
Swing v jazzu
V hudbě má termín swing dva hlavní významy.
Běžně se používá k popisu hybné kvality nebo "feelu" rytmu, zejména když hudba vyvolává fyzickou reakci, jako je poklepávání nohou nebo kývání hlavou (viz puls). Tento pocit lze také nazvat "groove".
Termín swingový feeling, stejně jako swingové noty a swingový rytmus, se také používá konkrétněji k označení techniky (nejčastěji spojované s jazzem, ale používané i v jiných žánrech), která zahrnuje střídavé prodlužování a zkracování první a druhé po sobě jdoucí noty ve dvoudílných pulzacích v rámci jednoho beatu.
Rozdíl mezi rovným a swingovým rytmem
V rovné interpretaci jsou noty hrany přesně podle jejich notové hodnoty. V swingové interpretaci je první nota mírně prodloužena a druhá nota mírně zkrácena.
Existuje několik různých stupňů swingu, od měkkého swingu až po tvrdý swing. Měkký swing je nejlehčí forma swingu, zatímco tvrdý swing je nejvýraznější.
Jak hrát swing
Swing je technika, kterou se lze naučit cvičit. Zde je několik tipů, jak hrát swing:
Začněte tím, že budete hrát jednoduchý rytmus v rovné interpretaci.
Jakmile budete schopni hrát rytmus v rovné interpretaci, začněte experimentovat s prodlužováním první noty a zkracováním druhé noty.
Začněte s měkkým swingem a postupně zvyšujte intenzitu swingu.
Poslouchejte nahrávky jazzových hudebníků, kteří hrají swing, abyste získali představu o tom, jak zní swingový rytmus.
Výhody swingu
Swing je skvělá technika, kterou se můžete naučit hrát. Může vám pomoci zlepšit váš rytmus, timing a celkový hudební výraz. Swing je také skvělý způsob, jak dodat vaší hudbě více energie a pohybu.
Závěr
Swing je základní součástí jazzové hudby. Je to technika, kterou se lze naučit cvičit a může vám pomoci zlepšit váš rytmus, timing a celkový hudební výraz.
Synkopa
Synkopa je hudební technika, která spočívá ve hraní různých rytmů dohromady, což vytváří dojem, že část nebo celá skladba je mimo rytmus. Jednoduše řečeno, synkopa je „narušení nebo přerušení pravidelného toku rytmu“: „umístění rytmických důrazů nebo akcentů tam, kde by se normálně nevyskytovaly“. [1] Je to vzájemný vztah alespoň dvou sad časových intervalů. [2] Synkopa se používá v mnoha hudebních stylech, zejména v taneční hudbě. Podle hudebního producenta Ricka Snomana „všechna taneční hudba využívá synkopu a často je to klíčový prvek, který pomáhá spojit celou skladbu dohromady“. [3] Synkopa může také nastat, když je silná harmonie současně se slabým taktem, například když je 7. akord hrán na druhém taktu taktu 3/4 nebo když je dominantní akord hrán na čtvrtém taktu taktu 4/4. To druhé se často vyskytuje v tonálních kadencích v hudbě 18. a počátku 19. století a je obvyklým závěrem jakékoli sekce. Hemiola (ekvivalentní latinský výraz je sesquialtera) může být také považována za jeden rovný takt ve třech s jedním dlouhým akordem a jedním krátkým akordem a synkopu v taktu poté, s jedním krátkým akordem a jedním dlouhým akordem. Poslední akord v hemiole je obvykle (bi-)dominantní, a jako takový silná harmonie na slabém taktu, tedy synkopa.
Typy synkop
Existuje mnoho různých typů synkop, ale nejběžnější jsou:
Metrická synkopa: Dochází, když je akcent umístěn na slabý takt.
Rytmická synkopa: Dochází, když je rytmus přerušen nebo narušen.
Harmonic synkopa: Dochází, když je akord umístěn na slabý takt.
Použití synkopy
Synkopa se používá v mnoha různých hudebních stylech, včetně:
Taneční hudba: Synkopa je klíčovým prvkem taneční hudby, protože pomáhá vytvářet pocit pohybu a energie.
Jazz: Synkopa je běžná v jazzu, kde se používá k vytváření pocitu improvizace a spontaneity.
Rock: Synkopa se často používá v rockové hudbě, kde se používá k vytváření pocitu napětí a vzrušení.
Pop: Synkopa se běžně používá v popové hudbě, kde se používá k vytváření pocitu chytlavosti a tance.
Synkopa je mocný hudební nástroj, který lze použít k vytváření různých nálad a pocitů. Je to základní prvek mnoha různých hudebních stylů a může být použit k přidání zájmu a vzrušení do jakékoli skladby.
Africká hudba Africký kontinent je rozlehlý, a tak je i jeho hudba rozmanitá, přičemž jednotlivé regiony a národy mají své vlastní hudební tradice. Africká hudba zahrnuje žánry jako amapiano, jùjú, fuji, afrobeat, highlife, konžská rumba, soukous, ndombolo, makossa, kizomba a další. Africká hudba také využívá širokou škálu nástrojů po celém kontinentu. Hudba a tanec africké diaspory, která vznikla v různé míře na základě afrických hudebních tradic, zahrnuje americkou hudbu jako dixielandský jazz, blues, jazz a mnoho karibských žánrů, jako je calypso (viz kaiso) a soca. Latinskoamerické hudební žánry jako cumbia, salsa, son cubano, rumba, conga, bomba, samba a zouk byly založeny na hudbě zotročených Afričanů a naopak ovlivnily africkou populární hudbu. Stejně jako hudba Asie, Indie a Středního východu je i africká hudba vysoce rytmická. Komplexní rytmické vzory často zahrnují jeden rytmus hraný proti druhému, čímž vzniká polyrytmus. Nejběžnější polyrytmus hraje tři doby proti dvěma, jako triola hraná proti rovným notám. Tradice subsaharské africké hudby často využívají bicí nástroje různých druhů, včetně xylofonů, djembe, bubnů a nástrojů vydávajících tóny, jako je mbira nebo "palcový klavír". Dalším výrazným rysem africké hudby je její povaha výzvy a odpovědi: jeden hlas nebo nástroj hraje krátkou melodickou frázi a tuto frázi opakuje jiný hlas nebo nástroj. Povaha výzvy a odpovědi se rozšiřuje i na rytmus, kde jeden buben hraje rytmický vzor, který opakuje jiný buben hrající stejný vzor. Africká hudba je také vysoce improvizována. Obvykle se hraje základní rytmický vzor, přičemž bubeníci pak improvizují nové vzory na základě statických původních vzorů. Tradiční hudba ve většině kontinentu se předává ústně (nebo sluchově) a není zapsána. Existují jemné rozdíly ve výšce tónu a intonaci, které se do západního notačního zápisu snadno nepřekládají. Africká hudba se nejvíce přibližuje západním tetratonickým (čtyřtónovým), pentatonickým (pětitónovým), hexatonickým (šestitónovým) a heptatonickým (sedmitónovým) stupnicím. Harmonizace melodie se provádí zpěvem v paralelních terciích, kvartách nebo kvintách (viz Tradiční subsaharská africká harmonie). Hudba je v Africe důležitá pro náboženství, kde rituály a náboženské obřady využívají hudbu k předávání příběhů z generace na generaci, stejně jako ke zpěvu a tanci. Hudba je navíc důležitá pro celou kulturu, nejen jako forma náboženského a sebevyjádření, ale také jako forma sdělování informací o důležitých demografických otázkách, politice a morálce. Mnoho dalších kultur studovalo africkou hudbu v průběhu času, proto měla tak velký vliv na jiné. Například v prosinci 2002 uspořádala Švýcarská společnost pro etnomuzikologii několik konferencí ve snaze studovat hudbu Ghany. Etnohudebníci, kteří se studie zúčastnili, se snažili pochopit aspekty historie prostřednictvím hudby spolu s jejími tradicemi. Kromě toho se někteří etnomuzikologové, jako je John Collins, snažili studovat konkrétnější aspekty hudby z Ghany, jako je přítomnost křesťanství v populární hudbě. Africká hudba má hluboký vztah ke komunitě. Africká hudba je určena jak pro veřejné potěšení, tak pro veřejnou účast, což znamená, že africká hudba spadá do kategorie komunitní hudby, kde je podporována aktivní účast komunity a veřejnosti na tvorbě hudby. Právě tento význam komunity zakládá Christopher Smallův koncept společného štěstí a hudby, který je v této kultuře nesmírně důležitý.
Analogový syntezátor (anglicky: analogue synthesiser) je syntezátor, který využívá analogové obvody a analogové signály k elektronickému vytváření zvuku. První analogové syntezátory vznikly ve 20. a 30. letech 20. století, například Trautonium, a byly sestaveny z různých technologií, jako jsou elektronky (termionické ventily) a elektromechanické prvky. Po 60. letech 20. století se analogové syntezátory začaly vyrábět pomocí integrovaných obvodů operačních zesilovačů (OP-AMP) a k nastavení zvukových parametrů se používaly potenciometry (kotoučové nebo proměnné rezistory). Analogové syntezátory také využívají dolnoprůchodové a hornopropustové filtry k úpravě zvuku. Zatímco analogové syntezátory 60. let 20. století, jako například Moog, používaly řadu nezávislých elektronických modulů propojených pomocí propojek, pozdější analogové syntezátory, jako například Minimoog, je integrovaly do jediných jednotek a nahradily propojky integrovanými systémy směrování signálu.
Beat (hudba) V hudbě a hudební teorii je beat základní jednotkou času, puls (pravidelně se opakující událost) mensurální úrovně (nebo úrovně beatu). Beat je často definován jako rytmus, do kterého by posluchači poklepávali nohou při poslechu hudební skladby, nebo čísla, která hudebník počítá při vystupování, i když v praxi to může být technicky nesprávné (často první vícenásobná úroveň). V běžném použití se beat může vztahovat na řadu souvisejících pojmů, včetně pulsu, tempa, metru, specifických rytmů a groovu. Rytmus v hudbě je charakterizován opakující se sekvencí zdůrazněných a nezdůrazněných beatů (často nazývaných „silné“ a „slabé“) a rozdělen do taktů organizovaných podle taktu a tempových označení. Beaty souvisejí a liší se od pulsu, rytmu (skupinování) a metru: Metr je měření počtu pulsů mezi více či méně pravidelně se opakujícími přízvuky. Aby tedy metr existoval, musí být některé pulsy v řadě zdůrazněny – označeny pro vědomí – ve vztahu k jiným. Když jsou pulsy takto počítány v metrickém kontextu, označují se jako beaty. — Leonard B. Meyer a Cooper (1960) Metrické úrovně rychlejší než úroveň beatu jsou úrovně dělení a pomalejší úrovně jsou úrovně vícenásobné. Beat byl vždy důležitou součástí hudby. Některé hudební žánry, jako je funk, budou obecně beat de-zdůrazňovat, zatímco jiné, jako je disco, beat zdůrazňují, aby doprovázely tanec.