Rytmická sekce je skupina hudebníků v hudebním souboru nebo kapele, která poskytuje základní rytmus, harmonii a pulz doprovodu a poskytuje rytmickou a harmonickou referenci a "beat" pro zbytek kapely. Rytmická sekce je často kontrastována s rolemi ostatních hudebníků v kapele, jako je hlavní kytarista nebo hlavní zpěvák, jejichž primárním úkolem je nést melodii. Základními prvky rytmické sekce jsou obvykle bicí souprava a baskytara. Bicí a baskytara poskytují základní puls a groove skladby. Sekce je doplněna dalšími nástroji, jako jsou klávesové nástroje a kytary, které se používají ke hraní akordové posloupnosti, na které je skladba založena. Basový nástroj (buď kontrabas nebo elektrická baskytara nebo jiný nástroj s nízkým rejstříkem, jako je syntetický bas, v závislosti na skupině a jejím hudebním stylu) hraje basovou linku s nízkým tónem. Basová linka je hudební část, která podporuje akordovou posloupnost, obvykle hraním hudebně zajímavé basové linky, která načrtává důležité noty harmonie, často zdůrazňováním základního tónu, kvinty a tercie každého akordu. Tento pojem je běžný v moderních malých hudebních souborech, jako jsou kapely, které hrají jazz, country, blues a rock. Orchestry, které hrají populární hudbu, filmové soundtracky (často nazývané „popový orchestr“) nebo orchestry hudebního divadla, mohou také mít rytmickou sekci (minimálně bicí soupravu a elektrickou baskytaru/zesílený kontrabas, ale možná včetně kláves a kytary), která vystupuje s větším souborem. Rytmická sekce poskytuje rockový nebo popový pocit a zvuky, které by bylo obtížné znovu vytvořit orchestrálními nástroji.
Roland TB-303 Bass Line (také známý jako 303) je basový syntezátor vydaný společností Roland Corporation v roce 1981. Byl navržen pro hraní basových linek v kapele, ale kvůli svým zvukovým možnostem se stal oblíbeným u elektronické hudebních interpretů.
Technická specifikace:
Typ: Analogový subtraktivní syntezátor
Klaviatura: Žádná
Oscilace: Pilovitý a čtvercový průběh
LFO: Žádné
Filtr: 24 dB/oktáva dolnopropustný resonanční filtr
Aftertouch: Ne
Velocity: Ne
Paměť: 64 patternů, 7 skladeb, 1 stopa
Efekty: Žádné interní efekty
Historie:
TB-303 byl původně navržen pro simulování basových linek, ale nebyl komerčně příliš successful. Byl stažen z prodeje v roce 1984. Nicméně, levné použitée kusy byly adoptovány elektronickými hudebními interprety a jeho "skřípající" nebo "cvrlikající" zvuk se stal základem žánrům elektronické taneční hudby, jako je acid house, Chicago house a tekno. Inspiroval také nespočet dalších syntezátorů.
Funkce:
TB-303 má jednoduché rozhrani s několika ovladači pro ovládání výšky tónu, resonance filtru a obálky. Jeho charakteristický zvuk je vytvářen kombinací jeho analogových oscilací, resonanční filtru a obálky. TB-303 také umožňuje vytváření patternů a sekvencí, které lze ukládat do interní paměti.
Vliv:
TB-303 měl zásadní vliv na vývoj elektronické taneční hudby. Jeho charakteristický zvuk se stal synonymem pro acid house a další žánry. TB-303 byl také použit v mnoha dalších hudebních stylech, včetně hip-hopu, techna a drum and bassu.
Odkaz:
TB-303 je dodnes ikonickým syntezátorem a jeho zvuk se stále používá v elektronické hudbě. Jeho jednoduché rozhrani a charakteristický zvuk z něho dělají oblíbený nástroj pro hudební produkci i dnes.
Yamaha DX7
Výrobce: Yamaha Corporation
Datum výroby: Květen 1983 – 1989
Cena: 1 995 USD, 1 495 GBP, 248 000 JPY
Technické specifikace:
Polyfonie: 16 hlasů
Timbralita: Monotimbrální, bitimbrální (DX7 II)
Oscilace: 6 digitálních sinusových vln na hlas, 32 algoritmů patchování
Typ syntézy: Digitální lineární frekvenční modulace / Aditivní syntéza (alg. č. 32)
Filtr: Žádný
Atenuátor: 1 obálka výšky tónu a 6 amplitudových generátorů na hlas
Aftertouch: Ano (kanál)
Veloctivní expresivita: Ano
Paměť: 32 patchů v RAM (zálohováno baterií), port pro ROM/RAM kazetu na předním panelu
Efekty: Žádné
Hardware:
Čip operátoru YM21280 (OPS)
Čip generátoru obálek YM21290 (EGS)
Vstupy/výstupy:
Klávesnice: 61 kláves s veloctivní a aftertouch citlivostí
Levá ruka: Pitch-bend a modulační kolečka
Externí ovládání: MIDI vstup/výstup/průchod, vstup pro nožní ovladač x2, vstup pro nožní přepínač x2, vstup pro volitelný dechový ovladač
Yamaha DX7 je syntezátor vyráběný společností Yamaha Corporation od roku 1983 do roku 1989. Byl to první úspěšný digitální syntezátor a je jedním z nejprodávanějších syntezátorů v historii s více než 200 000 prodanými kusy.
Na začátku 80. let byl trh se syntezátory ovládán analogovými syntezátory. Frekvenční modulace (FM), způsob generování zvuků prostřednictvím frekvenční modulace, vyvinul John Chowning na Stanfordské univerzitě v Kalifornii. FM syntéza vytvářela jasnější, skleněnější zvuky a mohla lépe napodobovat akustické zvuky, jako jsou žestě a zvony. Společnost Yamaha licencovala tuto technologii k vytvoření DX7 a zkombinovala ji s čipy velmi velké integrace (VLSI), aby snížila výrobní náklady.
Díky svým složitým nabídkám a nedostatku konvenčních ovládacích prvků se jen málokdo naučil DX7 hlouběji programovat. Jeho přednastavené zvuky se však staly základem popové hudby 80. let; v roce 1986 byl použit ve 40 % singlů číslo jedna v žebříčku US Billboard Hot 100. Jeho zvuk elektrického piana byl obzvláště široce používán, zejména v silných baladách. Anglický producent Brian Eno byl zdatný v programování vlastních zvuků a tento nástroj byl zásadní pro jeho tvorbu ambientní hudby. Čipy založené na zvukovém čipu DX7, jako je YM2612, byly použity v technologiích, jako je herní konzole Sega Genesis.
DX7 byl následován FM syntezátory včetně DX1, DX21, DX27 a DX100. V pozdějších letech byly zvuky DX7 považovány za zastaralé nebo klišovité a jejich použití upadalo.
Domácí hudební producent je amatérský hudebník, který vytváří, interpretuje a nahrává svou hudbu nezávisle pomocí domácího studia. Často je považován za koníčkáře na rozdíl od profesionálního hudebního producenta v nahrávacím průmyslu, který pracuje v tradičním studiu s klienty. Domácí producenti obvykle používají dostupnou digitální technologii, která stojí méně než vybavení v profesionálním studiu, jako jsou nástroje založené na ovladači a virtuální studiová technologie (softwarově syntetizované nástroje a digitální efekty), k vytváření hudby, která je následně vydána do světa. Zatímco profesionální hudební producent dohlíží na nahrávací proces a řídí jej, často spolupracuje s více lidmi, jako jsou studioví hudebníci, zpěváci, technici, mixéři, skladatelé, aranžéři a producenti, domácí producent dělá vše nezávisle: vytváří nápady, nahrává je a zpracovává je pro vydání. Domácí producenti se často učí sami, studují zvukový design, mixáž a hudební teorii čtením blogů o hudební produkci a sledováním tutoriálů na internetu. Vzhledem k tomu, že domácí producenti závisí na dostupnosti hudební technologie, stala se domácí produkce díky pokroku v oblasti výkonu domácích počítačů a digitálních audio pracovních stanic (DAW) snazší.
DJ (disc jockey)
DJ (disc jockey) je osoba, která přehrává nahranou hudbu pro publikum.
Typy DJů
Existují různé typy DJů, včetně:
Rádio DJové: Moderují pořady na hudebních rozhlasových stanicích.
Kluboví DJové: Pracují v nočních klubech nebo na hudebních festivalech.
Mobilní DJové: Jsou najímáni na veřejné i soukromé akce, jako jsou svatby, večírky nebo festivaly.
Turntablisté: Používají gramofony, obvykle gramofony, k manipulaci se zvuky na gramofonových deskách.
Název DJ
DJové mohou používat titul "DJ" před svým skutečným jménem, přijatým pseudonymem nebo uměleckým jménem.
Technika DJů
DJové běžně používají zvukové vybavení, které dokáže přehrávat současně alespoň dva zdroje nahrané hudby. To jim umožňuje smíchat skladby dohromady a vytvořit tak přechody mezi nahrávkami a vytvořit jedinečné mixy skladeb. To může zahrnovat sladění rytmů hudebních zdrojů tak, aby jejich rytmy a tempa nekolidovaly, když se hrají společně, a umožňují plynulý přechod z jedné skladby do druhé.
Vybavení DJů
DJové často používají specializované DJské mixéry, malé zvukové mixéry s crossfaderem a cue funkcemi pro smíchání nebo přechod z jedné skladby do druhé. Mixéry se také používají k předposlechu zdrojů nahrané hudby ve sluchátkách a úpravě následujících skladeb tak, aby se daly smíchat s aktuálně přehrávanou hudbou. DJský software lze použít s DJským ovládacím zařízením ke smíchání zvukových souborů v počítači místo mixážního pultu.
DJové mohou také používat mikrofon k mluvení k publiku, efektové jednotky, jako je reverb, k vytváření zvukových efektů, a elektronické hudební nástroje, jako jsou bicí automaty a syntezátory.
Orchestrace Orchestrace je studium nebo praxe psaní hudby pro orchestr (nebo volněji pro jakýkoli hudební soubor, jako je například koncertní kapela) nebo adaptace hudby složené pro jiné médium pro orchestr. Orchestrace, také nazývaná "instrumentace", je přiřazení různých nástrojů k hraní různých částí (např. melodie, basová linka atd.) hudebního díla. Například dílo pro klavír sólo by mohlo být adaptováno a zinstrumentováno tak, aby skladbu mohl provést orchestr, nebo by dílo koncertní kapely mohlo být zinstrumentováno pro symfonický orchestr. V klasické hudbě skladatelé historicky instrumentovali svou vlastní hudbu. Teprve postupně v průběhu hudební historie se orchestrace začala považovat za samostatné kompoziční umění a povolání samo o sobě. V moderní klasické hudbě skladatelé téměř vždy instrumentují své vlastní dílo. Dvěma pozoruhodnými výjimkami z tohoto pravidla jsou Ravelova orchestrace Musorgského sólového klavírního díla Obrazky z výstavy [1] a Malcolmova Arnoldova orchestrace William Waltonova Smyčcového kvarteta v a moll, která vytvořila jeho Sonátu pro smyčce. [2] Nicméně v muzikálu, filmové hudbě a dalších komerčních médiích je zvykem používat orchestrátory a aranžéry v různé míře, protože časová omezení a/nebo úroveň vzdělání skladatelů jim mohou bránit v instrumentaci hudby samotné. Přesná role orchestrátora ve filmové hudbě je velmi proměnlivá a do značné míry závisí na potřebách a dovednostech konkrétního skladatele. V muzikálu skladatel obvykle napíše klavírní/vokální skóre a poté si najme aranžéra nebo orchestrátora, aby vytvořil instrumentální skóre, které bude hrát orchestr v orchestřišti. Ve jazzových big bandech může skladatel nebo skladatel písní napsat hlavní notový záznam, který obsahuje melodii a akordy, a poté jeden nebo více orchestrátorů nebo aranžérů může "vyplnit" tyto základní hudební nápady vytvořením partů pro saxofony, trubky, trombóny a rytmickou sekci (basa, klavír/jazzová kytara/Hammondovy varhany, bicí). Ale poměrně často skladatelé big bandů dělali své vlastní aranžmá, stejně jako jejich klasičtí protějšky.
Posloupnost akordů Posloupnost akordů (také známá jako harmonická posloupnost nebo neformálně změny akordů) je v hudební kompozici řada akordů, která tvoří základ harmonie v západní hudební tradici od období klasické hudby po 21. století. Posloupnosti akordů jsou také základem populárních hudebních stylů (např. pop, rock), tradiční hudby a žánrů jako blues a jazz. V těchto žánrech jsou posloupnosti akordů určujícím prvkem, na kterém jsou postaveny melodie a rytmus. V hudbě mají posloupnosti akordů funkci buď ustanovit, nebo naopak popřít tóninu, což je technický název pro to, co se běžně chápe jako "tónina" skladby nebo písně. Posloupnosti akordů, jako je například extrémně běžná posloupnost I-V-vi-IV, jsou v teorii klasické hudby obvykle vyjadřovány římskými číslicemi. V mnoha stylech populární a tradiční hudby jsou posloupnosti akordů vyjadřovány pomocí názvu a "kvality" akordů. Například výše zmíněná posloupnost akordů v tónině Es dur by byla v notovém zápisu nebo zpěvníku zapsána jako Es dur–B dur–c moll–As dur. V prvním akordu, Es dur, "Es" znamená, že akord je postaven na základním tónu "Es" a slovo "dur" znamená, že na tomto tónu "Es" je postaven durový akord. V rocku a blues se hudebníci také často odkazují na posloupnosti akordů pomocí římských číslic, protože to umožňuje transponovat skladbu do nové tóniny. Například rockoví a bluesoví hudebníci často uvažují o dvanáctitaktovém bluesu jako o posloupnosti akordů I, IV a V. Takže jednoduchá verze dvanáctitaktového bluesu by mohla být vyjádřena jako I–I–I–I, IV–IV–I–I, V–IV–I–I. Díky uvažování o této bluesové posloupnosti pomocí římských číslic by vedoucí kapely mohl instruovat doprovodnou kapelu nebo rytmickou sekci, aby hrála posloupnost akordů v jakékoli tónině. Například pokud by vedoucí kapely požádal kapelu, aby hrála tuto posloupnost akordů v tónině B dur, akordy by byly B–B–B–B, Es–Es–B–B, F–Es–B–B. Složitost posloupnosti akordů se liší v závislosti na žánru a v různých historických obdobích. Některé popové a rockové písně z 80. let do 20. let mají poměrně jednoduché posloupnosti akordů. Funk klade důraz na groove a rytmus jako na klíčový prvek, takže celé funkové skladby mohou být založeny na jednom akordu. Některé jazz-funkové skladby jsou založeny na dvou-, tří- nebo čtyřakordovém vampu. Některé punkové a post-punkové skladby používají pouze několik akordů. Na druhou stranu mohou bebopové jazzové skladby mít 32taktové formy skladeb s jednou nebo dvěma změnami akordů v každém taktu.
Texty písní
Texty písní jsou slova, která tvoří píseň a obvykle se skládají ze slok a refrénů. Autor textů písní se nazývá textař. Slova rozsáhlejší hudební skladby, jako je opera, se však obvykle nazývají „libreto“ a jejich autor „libretista“.
Význam textů písní může být buď explicitní, nebo implicitní. Některé texty jsou abstraktní, téměř nesrozumitelné, a v takových případech se jejich výklad zaměřuje na formu, artikulaci, metrum a symetrii vyjádření. Rapeři mohou také vytvářet texty (často s variací rýmujících se slov), které jsou určeny spíše k rytmickému mluvení než ke zpěvu.
Sloky a refrény
Sloky jsou verše, které tvoří tělo písně. Obvykle mají podobnou strukturu a vyprávějí příběh nebo vyjadřují myšlenku.
Refrény jsou části písně, které se opakují po každé sloce. Často obsahují hlavní téma nebo poselství písně.
Význam textů písní
Texty písní mohou mít mnoho různých účelů. Mohou vyprávět příběh, vyjadřovat emoce, sdělovat myšlenky nebo jednoduše poskytnout doprovod k hudbě. Dobře napsané texty písní mohou posílit emoce písně a učinit ji zapamatovatelnější.
Psaní textů písní
Psaní textů písní je dovednost, kterou se lze naučit. Existuje mnoho různých přístupů k psaní textů, ale některé obecné tipy zahrnují:
Začněte s nápadem. O čem chcete psát? Jaký je hlavní příběh nebo poselství vaší písně?
Napište volně. Nedělejte si starosti s dokonalostí, prostě začněte psát, co vás napadne.
Experimentujte s různými formami a strukturami. Zkuste různé typy slok, refrénů a rýmů.
Získejte zpětnou vazbu. Ukažte své texty ostatním a požádejte je o zpětnou vazbu. To vám může pomoci identifikovat oblasti, které je třeba zlepšit.
Závěr
Texty písní jsou nedílnou součástí mnoha hudebních žánrů. Mohou mít mnoho různých účelů a mohou posílit emoce písně a učinit ji zapamatovatelnější. Psaní textů písní je dovednost, kterou se lze naučit, a s trochou cviku můžete vytvářet své vlastní působivé texty.
Frázování v hudbě Frázování je způsob, jakým hudebník utváří sled not v hudební pasáži, aby umožnil vyjádření, podobně jako když se v angličtině věta může psát stejně, ale může se vyslovovat odlišně, a je pojmenována podle interpretace malých časových jednotek známých jako fráze (polovina periody). Hudebník toho dosáhne interpretací hudby – z paměti nebo z notového zápisu – změnou tónu, tempa, dynamiky, artikulace, inflexe a dalších charakteristik. Frázování může zdůraznit koncept v hudbě nebo sdělení v textu, nebo se může odchýlit od záměru skladatele, jehož aspekty jsou běžně označeny v hudebním zápisu nazývaném frázovací znaménka nebo frázovací značky. Například zrychlení tempa nebo prodloužení noty může přidat napětí. Fráze je podstatná hudební myšlenka, která končí hudebním interpunkčním znaménkem zvaným kadence. Fráze se v hudbě vytvářejí prostřednictvím interakce melodie, harmonie a rytmu. Giuseppe Cambini – skladatel, houslista a hudební učitel klasického období – řekl o smyčcových nástrojích, konkrétně o houslích, frázování: Smyčec může vyjadřovat city duše: ale kromě toho, že neexistují žádné znaky, které by je označovaly, takové znaky, i kdyby je někdo vymyslel, by se staly tak početnými, že hudba, která je již příliš plná označení, by se stala beztvarou masou pro oči, téměř nemožnou k rozluštění. Považoval bych se za šťastného, kdybych mohl studenta přimět, aby slyšel, prostřednictvím malého počtu příkladů, rozdíl mezi špatným a průměrným, průměrným a dobrým a dobrým a vynikajícím, v rozmanitosti výrazů, které lze dát stejné pasáži. – „Nouvelle Méthode théorique et pratique pour le violon“. Paříž, Naderman (kolem 1803)
Morton Feldman
Morton Feldman (12. ledna 1926 – 3. září 1987) byl americký skladatel. Byl významnou postavou 20. století v oblasti klasické hudby a průkopníkem indeterministické hudby, což je vývoj spojený s experimentální newyorskou skladatelskou školou, do níž patřili také John Cage, Christian Wolff a Earle Brown.
Feldmanova díla se vyznačují notačními inovacemi, které vytvořil za účelem vytvoření svého charakteristického zvuku: rytmy, které se zdají být volné a plynulé, jemně rozostřené tóny, obecně tichá a pomalu se vyvíjející hudba a opakující se asymetrické vzory. Jeho pozdější díla po roce 1977 také zkoumají extrémy trvání.
Feldman se narodil v Queensu v New Yorku a studoval na Juilliard School u Stefana Wolpeho. Svou skladatelskou kariéru zahájil v 50. letech 20. století a rychle se stal známým svými experimentálními díly. Jeho hudba byla často prováděna na avantgardních festivalech a stal se vlivným skladatelem pro mladší generaci.
V 60. a 70. letech 20. století se Feldmanova hudba stala ještě více experimentální. Začal používat notaci, která umožňovala interpretům větší svobodu při interpretaci jeho hudby. Jeho díla se také stala delšími a tiššími, přičemž některá trvala několik hodin.
Feldman zemřel v Buffalu v New Yorku ve věku 61 let. Jeho hudba je stále široce uváděna a nahrávána a je považován za jednoho z nejdůležitějších skladatelů 20. století.
Hlavní díla
Projection 1 (1950)
Structures (1951)
Intersections (1951)
Rothko Chapel (1971)
Piano and String Quartet (1975)
String Quartet No. 2 (1983)
For Samuel Beckett (1987)
Styl
Feldmanova hudba je často charakterizována jako "tichá" nebo "meditativní". Je známá svým pomalým tempem, jemnými melodiemi a řídkou texturou. Feldman používal notaci, která umožňovala interpretům větší svobodu při interpretaci jeho hudby, a často experimentoval s indeterminismem.
Vliv
Feldmanova hudba měla významný vliv na mnoho skladatelů, včetně La Monte Younga, Terryho Rileyho a Philipa Glasse. Jeho díla byla také široce uváděna a nahrávána a zůstávají oblíbená u posluchačů i kritiků.
Ocenění
Feldman získal řadu ocenění, včetně Guggenheimova stipendia, Pulitzerovy ceny a Grawemeyerovy ceny. Byl také zvolen členem Americké akademie umění a věd.