Witold Lutosławski (25. ledna 1913 – 7. února 1994) byl polský skladatel a dirigent. Mezi hlavní skladatele vážné hudby 20. století patří „obecně považován za nejvýznamnějšího polského skladatele od Szymanowského a možná za největšího polského skladatele od Chopina“. Jeho skladby – z nichž byl pozoruhodným dirigentem – zahrnují zástupce většiny tradičních žánrů kromě opery: symfonie, koncerty, orchestrální písňové cykly, další orchestrální díla a komorní skladby. Mezi jeho nejznámější díla patří čtyři symfonie, Variace na téma Paganiniho (1941), Koncert pro orchestr (1954) a jeho violoncellový koncert (1970). V mládí studoval Lutosławski ve Varšavě klavír a skladbu. Jeho rané práce byly ovlivněny polskou lidovou hudbou a vykazovaly širokou škálu bohatých atmosférických textur. Mezi jeho folklórně inspirovanou hudbu patří Koncert pro orchestr (1954) – který mu přinesl první mezinárodní uznání – a Taneční preludia (1955), která označil za „rozloučení s folklorem“. Od konce 50. let začal rozvíjet nové, charakteristické kompoziční techniky. Zavedl omezené aleatorické prvky, přičemž si zachoval přísnou kontrolu nad materiálem, architekturou a provedením své hudby. Také rozvíjel svou praxi budování harmonií z malých skupin hudebních intervalů. Během druhé světové války, poté, co jen těsně unikl zajetí Němci, si Lutosławski vydělával na živobyt hraním na klavír ve varšavských barech. Po válce stalinistické úřady zakázaly jeho První symfonii pro „formalismus“: přístupnou pouze elitě. Lutosławski odmítl antiformalismus jako neoprávněný retrográdní krok a odhodlaně se snažil udržet si svou uměleckou integritu a poskytoval uměleckou podporu hnutí Solidarita v 80. letech. Získal řadu ocenění a vyznamenání, včetně ceny Grawemeyer a Zlaté medaile Královské filharmonické společnosti. V roce 1994 byl Lutosławski oceněn nejvyšším polským vyznamenáním, Řádem bílého orla.
Hudební improvizace Hudební improvizace (také známá jako hudební extemporace) je kreativní činností okamžité („v daný okamžik“) hudební skladby, která kombinuje výkon s komunikací emocí a instrumentální technikou, stejně jako spontánní reakcí na ostatní hudebníky. Někdy jsou hudební nápady v improvizaci spontánní, ale mohou být založeny na změnách akordů v klasické hudbě a mnoha dalších druzích hudby. Jedna definice je „představení dané ex tempore bez plánování nebo přípravy“. Další definicí je „hrát nebo zpívat (hudbu) ex tempore, vynalézáním variací na melodii nebo vytvářením nových melodií, rytmů a harmonií“. Encyklopedie Britannica to definuje jako „extemporální kompozici nebo volné provedení hudební pasáže, obvykle způsobem odpovídajícím určitým stylistickým normám, ale neomezeným předpisovými rysy konkrétního hudebního textu.“ Improvizace se často provádí v rámci (nebo na základě) předem existujícího harmonického rámce nebo akordové progrese. Improvizace je hlavní součástí některých typů hudby 20. století, jako je blues, rocková hudba, jazz a jazzová fúze, ve kterých instrumentální interpreti improvizují sóla, melodické linky a doprovodné party. V průběhu epoch tradice západní umělecké hudby, včetně středověku, renesance, baroka, klasicismu a romantismu, byla improvizace ceněnou dovedností. J. S. Bach, Händel, Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt a mnoho dalších slavných skladatelů a hudebníků byli známí zejména svými improvizátorskými dovednostmi. Improvizace mohla hrát důležitou roli v monofonním období. Nejstarší pojednání o polyfonii, jako je Musica enchiriadis (9. století), naznačují, že přidané části byly improvizovány po staletí před prvními notovanými příklady. Až v 15. století však teoretici začali tvrdě rozlišovat mezi improvizací a psanou hudbou. Některé formy klasické hudby obsahovaly části pro improvizaci, jako je kadence v sólových koncertech nebo preludia k některým klávesovým suitám Bacha a Händela, které sestávají z rozpracování posloupnosti akordů, které mají interpreti použít jako základ pro svou improvizaci. Händel a Bach často improvizovali na cembalu nebo varhanách. V barokní éře interpreti improvizovali ozdoby a hráči na basso continuo klávesnice improvizovali akordové voicings na základě notové notace. V 20. a počátkem 21. století však, když se interpretace běžné západní umělecké hudby institucionalizovala v symfonických orchestrech, operních domech a baletech, hrála improvizace menší roli. Současně někteří současní skladatelé z 20. a 21. století stále více zahrnují improvizaci do své tvůrčí práce. V indické klasické hudbě je improvizace základní součástí a nezbytným kritériem představení. V indické, afghánské, pákistánské a bangladéšské klasické hudbě je raga „tonálním rámcem pro kompozici a improvizaci“. Encyklopedie Britannica definuje ragu jako „melodický rámec pro improvizaci a kompozici“.
Hlas (hudba)
Hlas v hudbě se vztahuje ke složce hudební skladby. Protože existuje mnoho způsobů, jak tyto složky rozdělit, existuje několik protichůdných významů, ve kterých se slovo „hlas“ používá:
Hudební instrukce pro jakýkoli jednotlivý nástroj nebo hlas (často poskytované jako ručně psaný, tištěný nebo digitalizovaný dokument) notového zápisu (na rozdíl od úplné partitury, která zobrazuje všechny hlasy souboru ve stejném dokumentu). [1] Hlas hudebníka obvykle neobsahuje instrukce pro ostatní hráče v souboru, pouze instrukce pro toho jednotlivce.
Hudba hraná jakoukoli skupinou hudebníků, kteří všichni hrají společně pro danou skladbu; v symfonickém orchestru může tucet nebo více hráčů na violoncello hrát „stejný hlas“, i když každý z nich má svou vlastní fyzickou kopii hudby. [1] Tento hlas může být unisono nebo může být harmonizován a někdy může dokonce obsahovat kontramelodie. Hlas bicích může někdy obsahovat pouze rytmus. Tento smysl „hlasu“ nevyžaduje písemnou kopii hudby; basista v rockové kapele „hraje basový hlas“, i když neexistuje žádná písemná verze skladby.
Jakákoli samostatná melodie (nebo hlas), která může být abstrahována jako nepřetržitá a nezávislá na dalších notách hraných současně v polyfonii. V hudbě hrané jediným pianistou lze často identifikovat vnější hlasy (horní a dolní hlasy) nebo vnitřní hlas (ty mezi nimi). Na druhou stranu, ve sboru by se „vnější hlasy“ a „vnitřní hlasy“ vztahovaly k hudbě hrané různými zpěváky. [2] (Viz § Polyfonie a psaní hlasů)
Sekce ve velkoformátové podobě skladby. (Viz § Hudební forma)
Riff Riff je opakovaná akordická posloupnost nebo refrén v hudbě (v klasické hudbě známý také jako ostinátní figura); jedná se o vzor nebo melodii, kterou často hrají nástroje rytmické sekce nebo sólový nástroj, a která tvoří základ nebo doprovod hudební skladby. I když se riffy nejčastěji vyskytují v rockové hudbě, heavy metalu, latině, funku a jazzu, někdy je na riffu založena i klasická hudba, jako například Ravelevo Boléro. Riffy mohou být jednoduché jako tenorový saxofon troubící jednoduchou, chytlavou rytmickou figuru, nebo složité jako variace založené na riffu v hlavních aranžmá hraných orchestrem Counta Basieho. David Brackett (1999) definuje riffy jako „krátké melodické fráze“, zatímco Richard Middleton (1999) je definuje jako „krátké rytmické, melodické nebo harmonické figury opakované tak, aby vytvořily strukturální rámec“. Rikky Rooksby uvádí: „Riff je krátká, opakovaná, zapamatovatelná hudební fráze, často hraná v nízkých tónech na kytaru, která soustřeďuje většinu energie a vzrušení rockové písně.“ BBC Radio 2 při sestavování svého seznamu 100 nejlepších kytarových riffů definovala riff jako „hlavní háček písně“, který často píseň začíná a je „v ní opakován, čímž dává písni její charakteristický hlas“. Použití tohoto termínu se rozšířilo i do komedie, kde riffování znamená verbální zkoumání určitého tématu, čímž se význam vzdaluje od původního jazzového smyslu opakované figury, přes kterou se improvisuje, a místo toho naznačuje samotnou improvizaci – improvizaci na melodii nebo postup, jako by někdo improvizuje na téma tím, že rozšiřuje jedinou myšlenku, nápad nebo inspiraci do vtipu nebo rutiny.
Číselný bas je hudební notace, ve které se nad, pod (nebo vedle) basovou notou objevují číselné znaky a symboly. Číselné znaky a symboly (často alterace) udávají intervaly, , a neakordické tóny, které by měl hudebník hrající na klavír, cembalo, varhany nebo loutnu (nebo na další nástroje schopné hrát) zahrát ve vztahu k basové notě. Číselný bas je úzce spjat s , což byl historický doprovod používaný téměř ve všech hudebních žánrových kategoriích v barokní éře klasické hudby (zhruba 1600–1750), i když v moderní hudbě se používá jen zřídkakdy. Číselný bas je známý také jako generálbas. Mezi další systémy, které jej vyjadřují nebo reprezentují, patří: [1] zápis na osnově, používaný v klasické hudbě; římské číselné znaky, běžně používané v harmonické analýze; [2] písmena akordů, někdy používaná v moderní muzikologii; Nashville Number System; a různé názvy a symboly akordů používané v jazzu a populární hudbě (např. C dur nebo jen C; d mol, Dm nebo d − ; G 7 atd.).
Preludium (německy Präludium nebo Vorspiel, latinsky praeludium, francouzsky prélude, italsky preludio) je krátká hudební skladba, jejíž forma se může kus od kusu lišit. [1] [2] Zatímco například v barokní éře mohlo sloužit jako úvod k následujícím větám díla, které byly obvykle delší a složitější, v romantické éře to mohlo být také samostatné dílo. Obecně se vyznačuje malým počtem rytmických a melodických motivů, které se v průběhu skladby opakují. Stylisticky má preludium improvizativní charakter. Tento termín se může vztahovat také na předehru, zejména na ty, které se objevují v opeře nebo oratóriu.
Historie
Počátky preludia lze vysledovat až do středověku, kdy se používalo jako úvodní část k chorálům. V renesanci se preludium stalo samostatným žánrem a skladatelé jako Claudio Merulo a Girolamo Frescobaldi napsali sbírky preludií pro varhany a jiné klávesové nástroje.
V barokní éře se preludium stalo běžnou součástí suity, která byla sbírkou tanečních vět. Preludium obvykle předcházelo allemande a sloužilo jako úvod k celé suitě. Mezi slavné příklady barokních preludií patří Bachova preludia z Dobře temperovaného klavíru.
V klasické éře se preludium stalo méně běžným, ale skladatelé jako Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven jej stále používali jako samostatné skladby. V romantické éře se preludium opět stalo populárním a skladatelé jako Frédéric Chopin a Robert Schumann napsali sbírky preludií pro klavír.
V 20. století se preludium stalo součástí různých hudebních stylů, včetně impresionismu, expresionismu a minimalismu. Skladatelé jako Claude Debussy, Arnold Schoenberg a Steve Reich napsali preludia pro různé nástroje a soubory.
Forma
Forma preludia se může značně lišit v závislosti na období a skladateli. Některá preludia jsou krátká a jednoduchá, zatímco jiná jsou delší a složitější. Preludia mohou být homofonní (s jednou melodií a doprovodem) nebo polyfonní (s více nezávislými melodiemi). Často obsahují kontrastní sekce, jako jsou rychlé a pomalé pasáže nebo různé tonality.
Funkce
Preludia mohou sloužit různým účelům. Mohou být použity jako:
Úvod k delšímu hudebnímu dílu
Samostatné skladby
Cvičení pro hráče na nástroj
Prostředek k improvizaci
Známá preludia
Mezi nejznámější preludia patří:
Bachovo Preludium C dur z Dobře temperovaného klavíru
Chopinovo Preludium e moll, Op. 28, č. 4
Debussyho Preludium "Faunův odpoledne"
Ravelovo Preludium "Pavana za zesnulou infantku"
Stravinského Preludium k "Ptákovi Ohnivákovi"
Hlasování (hudební)
Hlasování v hudební teorii se vztahuje ke dvěma úzce souvisejícím konceptům:
1. Jak hudebník nebo skupina rozděluje nebo umisťuje noty a akordy na jednom nebo více nástrojích
2. Současné vertikální umístění not ve vztahu k sobě navzájem; to se týká pojmů rozestupů a zdvojování
Zahrnuje instrumentaci, vertikální rozestupy a uspořádání hudebních not v akordu: které noty jsou nahoře nebo uprostřed, které jsou zdvojené, v které oktávě se každá nachází a které nástroje nebo hlasy každou notu hrají.
Hlasování pro kvalitu zvuku u varhanní píšťaly
Při hlasování varhanní píšťaly pro kvalitu zvuku se bere v úvahu několik faktorů, včetně:
Tvar a velikost píšťaly: Délka a průměr píšťaly ovlivňují její výšku tónu a barvu zvuku.
Materiál píšťaly: Různé materiály, jako je dřevo, kov a plast, produkují různé zvukové vlastnosti.
Tloušťka stěny píšťaly: Tlustší stěny produkují silnější a plnější zvuk, zatímco tenčí stěny produkují světlejší a průzračnější zvuk.
Otvory píšťaly: Velikost, tvar a umístění otvorů ovlivňují hlasitost a barvu zvuku.
Labium píšťaly: Labium je horní okraj píšťaly, který vibruje a vytváří zvuk. Jeho tvar a velikost ovlivňují útok a uvolnění noty.
Hlasování varhanních píšťal je složitý proces, který vyžaduje dovednosti a zkušenosti. Hlasovač musí pečlivě zvážit všechny tyto faktory, aby vytvořil požadovanou kvalitu zvuku.
Hlasování v souborech
V souborech se hlasování používá k dosažení vyváženého a smíšeného zvuku. Hlasovač musí vzít v úvahu následující faktory:
Rozsah nástrojů: Různé nástroje mají různé rozsahy a hlasovač musí zajistit, aby všechny nástroje byly slyšitelné a vyvážené.
Barva zvuku nástrojů: Různé nástroje mají různé barvy zvuku a hlasovač musí je smíchat tak, aby vytvořily příjemný a soudržný zvuk.
Dynamika: Hlasovač musí zvážit dynamiku skladby a zajistit, aby hlasitost jednotlivých nástrojů byla vyvážená.
Umístění nástrojů: Umístění nástrojů může ovlivnit jejich zvuk a hlasovač musí je uspořádat tak, aby vytvořily optimální zvukové prostředí.
Hlasování v souborech je důležitou součástí vytváření krásné a poutavé hudby. Hlasovač musí mít dobré pochopení hudební teorie a instrumentace, aby mohl vytvořit dobře vyvážený a smíšený zvuk.
Magnetofon
Magnetofon je přístroj, který slouží k záznamu a přehrávání zvuku. Záznam probíhá obvykle na magnetickou pásku.
Historie
První magnetofony se objevily ve 30. letech 20. století v Německu. Používaly papírovou pásku, na kterou byl nanesen oxid železitý. Předtím se používaly magnetické drátové záznamníky, které však nedosahovaly takové kvality zvuku.
Německý vynález byl začátkem dlouhé řady inovací, které vedly k dnešním magnetickým páskám. Magnetická páska způsobila revoluci v rozhlasovém vysílání a hudebním průmyslu. Umělcům a producentům umožnila nahrávat a znovu nahrávat zvuk s minimální ztrátou kvality a snadno upravovat a přeuspořádávat nahrávky. Alternativní technologie nahrávání té doby, jako byly gramofonové desky a drátové záznamníky, nedosahovaly zdaleka takové úrovně kvality a funkčnosti.
Princip fungování
Magnetofon zaznamenává kolísavý signál tím, že posouvá pásku přes záznamovou hlavu, která polarizuje magnetické domény v pásce úměrně zvukovému signálu. Při přehrávání se proces obrací: magnetické domény na pásce indukují elektrický proud v přehrávací hlavě, který je zesílen a převeden na zvuk.
Typy magnetofonů
Mezi nejznámější typy magnetofonů patří:
Pásový magnetofon - používá cívky s páskou
Kazetový magnetofon - používá kazety s páskou
Analogové a digitální magnetofon
Analogové magnetofony zaznamenávají zvuk na pásku v analogové podobě, tj. jako spojitý signál. Digitální magnetofony zaznamenávají zvuk v digitální podobě, tj. jako řadu čísel. Digitální technologie nabízí vyšší kvalitu zvuku a odolnost proti chybám.
Využití
Magnetofony se dříve hojně používaly v rozhlasovém vysílání, hudebním průmyslu a domácnostech. Dnes je jejich použití omezenější, protože je nahradily digitální technologie.
Hudebník
Hudebník je osoba, která skládá, diriguje nebo hraje hudbu. [1] Podle United States Employment Service je „hudebník“ obecný termín používaný k označení osoby, která se hudbě věnuje jako povolání. [2] Mezi hudebníky patří skladatelé, kteří píší jak hudbu, tak texty písní, dirigenti, kteří řídí hudební vystoupení, nebo umělci, kteří vystupují před publikem. Hudební umělec je obecně buď zpěvák, který zajišťuje vokály, nebo instrumentalista, který hraje na hudební nástroj. Hudebníci mohou vystupovat sami nebo jako součást skupiny, kapely nebo orchestru. Hudebníci se mohou specializovat na hudební žánr, ačkoli mnoho hudebníků hraje různé styly v závislosti na kultuře a původu. Hudebník, který nahrává a vydává hudbu, může být znám jako umělec nahrávky. [3]
Typy hudebníků
Existuje mnoho různých typů hudebníků, včetně:
Skladatelé: Píší hudbu, často ve formě not nebo hudebních partitur.
Dirigenti: Vedou orchestry nebo jiné hudební skupiny.
Zpěváci: Používají své hlasy k produkci hudby.
Instrumentalisti: Hrají na hudební nástroje, jako je kytara, klavír nebo housle.
Skupiny: Skládají se ze dvou nebo více hudebníků, kteří spolu hrají.
Orchestry: Velké skupiny hudebníků, kteří hrají na různé nástroje.
DJové: Vybírají a mixují hudbu pro taneční kluby a jiné akce.
Hudební producenti: Dohled nad nahráváním a produkcí hudby.
Dovednosti hudebníků
Hudebníci musí mít řadu dovedností, včetně:
Hudební znalosti: Znalost hudební teorie, harmonie a rytmu.
Technické dovednosti: Schopnost hrát na hudební nástroj nebo zpívat.
Kreativita: Schopnost vymýšlet a interpretovat hudbu.
Vystupovací dovednosti: Schopnost vystupovat před publikem.
Komunikační dovednosti: Schopnost komunikovat s ostatními hudebníky a publikem.
Kariéra hudebníků
Hudebníci mohou pracovat v různých oborech, včetně:
Hudební průmysl: Nahrávání, produkce a vydávání hudby.
Vzdělávání: Výuka hudby na školách a univerzitách.
Živá vystoupení: Vystupování na koncertech, festivalech a dalších akcích.
Hudební terapie: Používání hudby k léčbě zdravotních stavů.
Hudba k filmům a televizi: Skládání a nahrávání hudby pro filmy a televizní pořady.
Závěr
Hudebníci jsou talentovaní jednotlivci, kteří věnují svůj život vytváření a interpretaci hudby. Mají různé dovednosti a pracují v různých oborech. Hudebníci obohacují naše životy a dělají svět krásnějším místem.
Jam session Jam session je relativně neformální hudební událost, proces nebo aktivita, při níž hudebníci, typicky instrumentalisté, hrají improvizovaná sóla a doprovody k melodiím, dronům, písním a akordickým postupům. "Jamovať" znamená improvizovat hudbu bez rozsáhlé přípravy nebo předem definovaných aranžmá, s výjimkou případů, kdy skupina hraje známé jazzové standardy nebo covery existujících populárních písní. Původní jam session, nazývané také "free flow sessions", jsou hudebníky často využívány k vytváření nového materiálu (hudby) a hledání vhodných aranžmá. Oba styly lze využít jednoduše jako společenské setkání a společnou tréninkovou session. Jam session mohou vycházet z existujících písní nebo forem, mohou být volně založeny na dohodnuté akordické posloupnosti nebo schématu navrženém jedním z účastníků, nebo mohou být zcela improvizované. Jam session se mohou pohybovat od velmi volných setkání amatérů až po večery, kdy koordinátor nebo hostitel jam session funguje jako "vrátný", takže na pódium vystoupí vhodní umělci, až po sofistikované improvizované nahrávací session profesionálů, které jsou určeny k živému vysílání v rozhlase nebo televizi nebo k úpravě a vydání veřejnosti.