Hudební lekce Hudební lekce jsou typem formálního vzdělávání ve hře na hudební nástroj nebo zpěvu. Obvykle se žák, který bere hudební lekce, setkává s učitelem hudby na individuální výukové lekce, které trvají od 30 minut do jedné hodiny po dobu několika týdnů nebo let. V závislosti na tom, co se mají žáci naučit, se učí různé dovednosti týkající se používaných nástrojů. Učitelé hudby také zadávají technická cvičení, hudební skladby a další aktivity, které žákům pomáhají zlepšit jejich hudební dovednosti. Zatímco většina hudebních lekcí probíhá individuálně (soukromě), někteří učitelé také vyučují skupiny dvou až čtyř žáků (polo soukromé lekce) a u velmi základního výcviku se některé nástroje vyučují ve velkých skupinových lekcích, jako je klavír a akustická kytara. Od doby, kdy je široce dostupný vysokorychlostní internet s nízkou latencí, mohou se soukromé lekce konat také prostřednictvím živého videochatu pomocí webových kamer, mikrofonů a videotelefonie online. Hudební lekce jsou součástí jak amatérské výuky hudby, tak odborné přípravy. V amatérských a rekreačních hudebních kontextech berou děti i dospělí hodiny hudby, aby zlepšili své pěvecké nebo instrumentální dovednosti a naučili se základní až středně pokročilé techniky. V kontextech odborné přípravy, jako jsou hudební konzervatoře, univerzitní programy hudebního výkonu (např. bakalář hudby, magistr hudby, DMA atd.), studenti usilující o kariéru profesionálních hudebníků berou hodinu hudby jednou týdně na hodinu nebo více s profesorem hudby po dobu několika let, aby se naučili pokročilé techniky hry nebo zpěvu. Mnoho instrumentálních interpretů a zpěváků, včetně řady celebrit populární hudby, se naučilo hudbu „podle sluchu“, zejména ve stylech lidové hudby, jako je blues, a populárních stylech, jako je rocková hudba. Přesto i v lidových a populárních stylech mělo řadu interpretů nějaký typ hudebních lekcí, jako je setkání s hlasovým koučem nebo dětská výuka hry na nástroj, jako je klavír.
Jam band Jam band je hudební skupina, jejíž koncerty a živá alba obsahují převážně improvizaci, tzv. "jamování". Typicky jam bandy hrají variace na již existující písně, rozšiřují je a improvizují nad akordovými postupy nebo rytmickými groovy. Jam bandy jsou známé tím, že mají velmi volnou strukturu, hrají dlouhé sety hudby, které často překračují žánrové hranice, mění své každodenní setlisty a přecházejí z jedné písně do druhé bez přestávky. Hudební styl jam bandů, který vzešel z psychedelického rockového hnutí 60. let, byl charakteristický pro celostátně proslulé skupiny jako Grateful Dead a The Allman Brothers Band, jejichž pravidelné turné pokračovala až do 90. let. Tento styl ovlivnil novou vlnu jam bandů, které cestovaly po Spojených státech s koncerty ve stylu jam bandů na konci 80. a začátkem 90. let, jako například Phish, Blues Traveler, Widespread Panic, Dave Matthews Band, The String Cheese Incident a Col. Bruce Hampton a Aquarium Rescue Unit. Hnutí jam bandů získalo v USA hlavní pozornost na začátku 90. let s nástupem Phish a Dave Matthews Band jako hlavních turné a rozpuštěním Grateful Dead po smrti Jerryho Garcii v roce 1995. Jam bandy často hrají širokou škálu žánrů. Zatímco Grateful Dead jsou kategorizováni jako psychedelický rock, v 90. letech byl termín "jam band" používán pro kapely, které do svého zvuku začlenily žánry jako blues, country hudba, současná lidová hudba, funk, progresivní rock, world music, jazz fusion, jižanský rock, alternativní rock, acid jazz, bluegrass, folk rock a elektronická hudba. Ačkoli se tento termín používá k popisu umělců, kteří překračují žánry a improvizují, zachovává si blízký vztah k fanouškovským kulturám Grateful Dead nebo Phish. Charakteristickým rysem scény jam bandů je nahrávání živých koncertů fanoušky. Zatímco mainstreamový hudební průmysl často považuje nahrávání fanoušků za "nelegální bootlegging", jam bandy často svým fanouškům umožňují vytvářet pásky nebo nahrávky svých živých vystoupení. Fanoušci si vyměňují nahrávky a sbírají nahrávky různých živých vystoupení, protože improvizující jam bandy hrají své písně při každém vystoupení jinak.
Co je to notační program?
Notační program je software, který slouží k vytváření, úpravám a tisku notového zápisu. Notační programy jsou pro notový zápis tím, čím je textový procesor pro text. Nabízejí flexibilní možnosti úprav, automatické formátování a umožňují vytvářet kvalitní výstupy pro tisk.
Funkce notačních programů
Většina notačních programů, zejména ty z 21. století, umožňuje nahrávat noty hrané na MIDI klávesnici (nebo jiné MIDI nástroje) a přehrávat hudbu pomocí MIDI nebo virtuálních nástrojů. Přehrávání je obzvláště užitečné pro začínající skladatele a studenty hudby a také v situacích, kdy nejsou k dispozici živí hudebníci nebo je jejich najmutí příliš nákladné.
Typy notačních programů
Existuje několik bezplatných programů, které jsou široce používané, například MuseScore. Tři hlavní profesionální notační programy jsou Finale, Sibelius a Dorico.
Použití notačních programů
Notační programy se používají pro širokou škálu hudebních činností, včetně:
Skládání a aranžování hudby
Vytváření notového zápisu pro publikování
Výuka a studium hudby
Zkoušky a živá vystoupení
Výhody používání notačních programů
Notační programy nabízejí řadu výhod oproti tradičním metodám notového zápisu:
Rychlost a efektivita: Notační programy umožňují rychle a snadno vytvářet, upravovat a tisknout notový zápis.
Přesnost: Notační programy automaticky formátují notový zápis a zajišťují jeho přesnost.
Flexibilita: Notační programy umožňují uživatelům přizpůsobit vzhled a uspořádání notového zápisu.
Možnosti přehrávání: Notační programy umožňují přehrávat hudbu pomocí MIDI nebo virtuálních nástrojů, což je užitečné pro zkoušky, výuku a prezentace.
Sdílení a spolupráce: Notační programy umožňují snadné sdílení a spolupráci na notových zápisech s ostatními uživateli.
Závěr
Notační programy jsou výkonné nástroje, které revolucionalizovaly způsob, jakým se notový zápis vytváří, upravuje a sdílí. Umožňují hudebníkům všech úrovní snadno a efektivně vytvářet vysoce kvalitní notové zápisy.
Historicky poučená interpretace (také nazývaná interpretace v dobovém stylu, autentická interpretace nebo HIP) je přístup k interpretaci klasické hudby, který usiluje o věrnost přístupu, způsobu a stylu hudební éry, v níž bylo dílo původně koncipováno. Založen je na dvou klíčových aspektech: uplatnění stylistických a technických aspektů interpretace, známých jako interpretační praxe; a použití dobových nástrojů, které mohou být reprodukcemi historických nástrojů používaných v době vzniku skladby a které mají obvykle jinou barvu tónu a ladění [1] než jejich moderní ekvivalenty. Další oblastí studia, která je stále více zkoumána, jsou měnící se očekávání posluchačů. [2] Vzhledem k tomu, že neexistují žádné zvukové záznamy hudby před koncem 19. století, je historicky poučená interpretace odvozena převážně z muzikologické analýzy textů. Pro získání vhledu do interpretační praxe historické éry se používají historické traktáty, pedagogické učebnice a koncertní kritiky, stejně jako další historické důkazy. Dochované nahrávky (válce, desky a reprodukční klavírní válečky) od 90. let 19. století umožnily badatelům 19. století romantismu získat jedinečně detailní porozumění tohoto stylu, i když ne bez významných zbývajících otázek. Ve všech dobách budou interpreti HIP normálně používat vědecké nebo urtextové edice hudební partitury jako základní šablonu, přičemž navíc uplatní řadu dobových stylistických postupů, včetně rytmických změn a ornamentace mnoha druhů. [1] Historicky poučená interpretace byla původně vyvinuta v řadě západních zemí v polovině až koncem 20. století, ironicky jako modernistická reakce na modernistický rozchod s dřívějšími interpretačními tradicemi. [3] HIP, která se zpočátku zabývala interpretací středověké, renesanční a barokní hudby, nyní zahrnuje hudbu z klasické a romantické éry. HIP byla zásadní součástí oživení staré hudby ve 20. a 21. století a začala ovlivňovat divadelní scénu, například při produkci barokní opery, kde jsou používány také historicky poučené přístupy k herectví a scénografii. [4] [1] Někteří kritici zpochybňují metodiku hnutí HIP a tvrdí, že jeho výběr praktik a estetiky je produktem 20. století a že je nakonec nemožné vědět, jak zněly interpretace dřívější doby. Je zřejmé, že čím starší je styl a repertoár, tím větší je kulturní vzdálenost a větší možnost nepochopení důkazů. Z tohoto důvodu je nyní upřednostňován termín „historicky poučený“ před termínem „autentický“, protože uznává omezení akademického porozumění, místo aby naznačoval absolutní přesnost při obnovování historického interpretačního stylu, nebo ještě hůře, moralizující tón. [5] [4]
Počítačový monitor Počítačový monitor je výstupní zařízení, které zobrazuje informace v obrazové nebo textové podobě. Samostatný monitor se skládá z vizuálního zobrazovacího zařízení, elektroniky, napájecího zdroje, krytu, elektrických konektorů a externích ovládacích prvků pro uživatele. Displej v moderních monitorech je typicky LCD s LED podsvícením, které v průběhu 2010. let nahradilo LCD displeje s podsvícením CCFL. Před polovinou 2000. let používala většina monitorů jako zobrazovací technologii katodovou trubici (CRT). Monitor je typicky připojen ke svému hostitelskému počítači prostřednictvím DisplayPort, HDMI, USB-C, DVI nebo VGA. Méně často používají monitory k připojení k počítači jiné proprietární konektory a signály. Původně byly počítačové monitory používány pro zpracování dat, zatímco televizní přijímače byly používány pro video. Od 80. let 20. století jsou počítače (a jejich monitory) používány jak pro zpracování dat, tak pro video, zatímco televizory implementovaly některé počítačové funkce. V 2000. letech se typický poměr stran zobrazení televizorů i počítačových monitorů změnil ze 4:3 na 16:9. Moderní počítačové monitory jsou často funkčně zaměnitelné s televizními přijímači a naopak. Vzhledem k tomu, že většina počítačových monitorů neobsahuje integrované reproduktory, televizní tunery nebo dálkové ovládání, mohou být k použití počítačového monitoru jako televizoru potřeba externí komponenty, jako je například DTA box.
Tonalita V hudební teorii je tonalita skladby souborem výšek tónů neboli stupnicí, která tvoří základ hudební skladby v západní klasické hudbě, umělecké hudbě a popové hudbě. Tonalita (od "tonika") neboli klíč: Hudba, která používá tóny určité stupnice, se říká, že je "v tónině" této stupnice nebo v tonalitě této stupnice. Konkrétní tónina se vyznačuje tónikou a jejími odpovídajícími akordy, také nazývanými tonika nebo tonický akord, které poskytují subjektivní pocit příjezdu a odpočinku a mají také jedinečný vztah k ostatním tónům stejné tóniny, jejich odpovídajícím akordům a tónům a akordům mimo tóninu. Tóny a akordy jiné než tonika ve skladbě vytvářejí různé stupně napětí, které se vyřeší, když se vrátí tonika nebo akord. Tónina může být v durové nebo mollové tónině, i když hudebníci předpokládají dur, pokud není uvedeno jinak; například "tato skladba je v C" znamená, že tónina skladby je C dur. Populární písně a klasická hudba z období společné praxe jsou obvykle v jedné tónině. Delší skladby v klasickém repertoáru mohou mít části v kontrastních tóninách. Změny tónin v rámci sekce nebo pohybu jsou známé jako modulace.
Škála je v hudební teorii libovolná posloupnost hudebních tónů uspořádaných podle základní frekvence nebo výšky tónu. Škála uspořádaná podle zvyšující se výšky tónu je vzestupná škála a škála uspořádaná podle klesající výšky tónu je sestupná škála. Často, zejména v souvislosti s obdobím běžné praxe, je většina nebo celá melodie a harmonie hudebního díla postavena na tónech jediné škály, kterou lze pohodlně znázornit na notové osnově se standardní předznamenáním. Vzhledem k principu oktávové ekvivalence se obecně uvažuje o tom, že škály pokrývají jednu oktávu, přičemž vyšší nebo nižší oktávy jednoduše opakují vzor. Hudební škála představuje rozdělení oktávového prostoru na určitý počet stupňů škály, přičemž stupeň škály je rozpoznatelná vzdálenost (nebo interval) mezi dvěma po sobě jdoucími tóny škály. Není však nutné, aby stupně škály byly v rámci kterékoli škály stejné a zejména jak dokazuje mikrotonální hudba, neexistuje žádný limit pro to, kolik tónů lze vložit do jakéhokoli daného hudebního intervalu. Míra šířky každého stupně škály poskytuje metodu pro klasifikaci škál. Například v chromatické škále představuje každý stupeň škály půltónový interval, zatímco durová škála je definována vzorcem intervalu C–C–D–C–C–C–D, kde C znamená celý tón (interval o dvou půltónech, např. od C do D) a D znamená půltón (např. od C do Cis). Na základě svých vzorů intervalů jsou škály rozděleny do kategorií včetně diatonických, chromatických, durových, mollových a dalších. Konrétní škála je definována svým charakteristickým vzorcem intervalu a speciálním tónem, známým jako její první stupeň (nebo tónika). Tónika škály je tón vybraný jako začátek oktávy, a proto jako začátek přijatého vzoru intervalu. Název škály obvykle specifikuje jak její tóniku, tak její vzor intervalu. Například C dur označuje durová škála s tónikou C.
Chromatika
Chromatika je technika, která prokládá základní diatonické tóny a akordy dalšími tóny z chromatické stupnice. Jinými slovy, v rámci každé oktávy používá diatonická hudba pouze sedm různých tónů, namísto dvanácti dostupných na standardní klavírní klaviatuře. Hudba je chromatická, když používá více než těchto sedm tónů. Chromatika je v kontrastu nebo doplňku k tonalitě nebo diatonice a modalitě (durovým a mollovým, nebo „bílým“, stupnicím). Chromatické prvky jsou považovány za „zdokonalení nebo náhrady členů diatonické stupnice“. [2]
Chromatika se používá v hudbě již po staletí. Nejčasnější známé příklady lze nalézt ve středověké hudbě, kde se používala k vytváření napětí a vzrušení. V období baroka se chromatika používala častěji, zejména v dílech Johanna Sebastiana Bacha. V období romantismu se chromatika stala ještě důležitějším prvkem hudby a skladatelé ji používali k vyjádření široké škály emocí.
V 20. století se chromatika stala ještě všudypřítomnější, protože skladatelé ji používali k vytváření nové a vzrušující hudby. Chromatika byla použita v široké škále hudebních stylů, od atonality po jazz.
Chromatika je dnes nedílnou součástí hudby. Používá se v široké škále hudebních stylů a skladatelé ji používají k vytváření nové a vzrušující hudby.
Jak funguje chromatika
Chromatika funguje přidáním dalších tónů do diatonické stupnice. Diatonická stupnice se skládá ze sedmi tónů, které jsou uspořádány v následujícím pořadí:
C, D, E, F, G, A, B
Chromatická stupnice se skládá ze všech dvanácti tónů, které jsou uspořádány v následujícím pořadí:
C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B
Když skladatel používá chromatiku, přidává do diatonické stupnice další tóny z chromatické stupnice. To může být použito k vytvoření napětí a vzrušení, nebo k vytvoření nových a zajímavých harmonií.
Příklady chromatiky
Chromatika se používá v široké škále hudebních stylů. Zde je několik příkladů:
V klasické hudbě se chromatika často používá k vytváření napětí a vzrušení. Například skladatel Ludwig van Beethoven používal chromatiku v mnoha svých symfoniích, včetně „Osudové“ symfonie.
V jazzu se chromatika často používá k vytváření nových a zajímavých harmonií. Například skladatel Duke Ellington používal chromatiku v mnoha svých skladbách, včetně „Take the A Train“.
V rockové hudbě se chromatika často používá k vytváření tmavých a dramatických nálad. Například skupina Pink Floyd používala chromatiku v mnoha svých písních, včetně „Wish You Were Here“.
Chromatika je všestranná technika, kterou lze použít k vytvoření široké škály hudebních efektů. Je to nedílná součást hudby a skladatelé ji používají již po staletí k vytváření nové a vzrušující hudby.
Beat v hudbě Beat je základní časová jednotka, puls (pravidelně se opakující událost), na úrovni taktu (nebo úrovni beatu). Beat je často definován jako rytmus, do kterého by posluchači poklepávali nohou při poslechu skladby, nebo čísla, která hudebník počítá při hraní, i když v praxi to může být technicky nesprávné (často první vícenásobná úroveň). V běžném používání se beat může vztahovat k různým souvisejícím pojmům, včetně pulsu, tempa, metru, specifických rytmů a groovu. Rytmus v hudbě je charakterizován opakující se sekvencí přízvučných a nepřízvučných beatů (často nazývaných "silné" a "slabé") a rozdělený do taktů uspořádaných podle taktové předznamenání a tempových údajů. Beaty jsou příbuzné a liší se od pulsu, rytmu (skupiny) a metru: Metrum je měření počtu pulsů mezi více či méně pravidelně se opakujícími přízvuky. Proto, aby mohl existovat metr, musí být některé pulsy v řadě akcentovány - označeny pro vědomí - ve vztahu k ostatním. Jsou-li tedy pulsy počítány v metrickém kontextu, označují se jako beaty. Metrické úrovně rychlejší než úroveň beatu jsou úrovně dělení a pomalejší úrovně jsou vícenásobné úrovně. Beat byl vždy důležitou součástí hudby. Některé hudební žánry, jako je funk, obecně beat potlačují, zatímco jiné, jako je disco, beat zdůrazňují, aby doprovázely tanec.
Tuba (latinsky „trubka“) je nejnižší a největší žesťový dechový hudební nástroj. Stejně jako u všech žesťových nástrojů vzniká zvuk rozechvěním rtů (bzučením) v nátrubku. Poprvé se objevila v polovině 19. století, patří tedy k mladším nástrojům v moderním orchestru a koncertní kapele a do značné míry nahradila oficleidu.[2] Hráč na tubu se nazývá tubista, tubista[4] nebo prostě tubista. V britské dechové nebo vojenské kapele se označují jako basoví hráči.
Tuba je nejnižší dechový nástroj, který se používá v symfonickém orchestru, koncertní kapele a jazzové kapele. Je také populární nástroj v dechových kapelách a vojenských kapelách.
Tuba je velký nástroj, který se obvykle hraje vsedě. Má dlouhý, zakřivený tvar a je vyroben z mosazi nebo jiného kovu. Nátrubek je velký a hluboký a hráč do něj fouká, aby vytvořil zvuk.
Tuba má široký tónový rozsah, který sahá od nejnižšího tónu C1 až po nejvyšší tón F4. Má také řadu ventilů, které se používají ke změně výšky tónu.
Tuba je všestranný nástroj, který lze použít v široké škále hudebních stylů. Používá se v klasické hudbě, jazzu, populární hudbě a dechovce.
Existuje mnoho různých typů tub, včetně:
Baskřídlovka je nejmenší typ tuby a má nejvyšší rozsah.
Tenorová tuba je středně velká tuba s rozsahem, který se překrývá s baskřídlovkou a kontrabasovou tubou.
Kontrabasová tuba je největší typ tuby a má nejnižší rozsah.
Sousafon je typ tuby, která je navržena tak, aby se dala nosit na ramenou. Používá se v dechových kapelách a vojenských kapelách.
Tuba je oblíbený nástroj pro mnoho hudebníků, protože má bohatý a hluboký zvuk. Je také relativně snadno se naučit hrát, což z něj činí dobrý nástroj pro začátečníky.