Zkreslení (hudba) Zkreslení a přesycení jsou formy zpracování audio signálu používané ke změně zvuku zesílených elektrických hudebních nástrojů, obvykle zvýšením jejich zesílení, čímž vzniká „chlupatý“, „bručivý“ nebo „hrubozrnný“ tón. Zkreslení se nejčastěji používá u elektrické kytary, ale může být použito i s jinými elektrickými nástroji, jako je elektrická basa, elektrické piano, syntezátor a Hammondovy varhany. Kytaristé hrající elektrický blues původně získali přesycený zvuk zvýšením hlasitosti svých kytarových zesilovačů s elektronkami na vysokou úroveň, což způsobilo zkreslení signálu. Přestože se k získání přesycení stále používají elektronkové zesilovače, zejména v žánrech jako blues a rockabilly, od 60. let 20. století bylo vyvinuto mnoho dalších způsobů, jak zkreslení vytvořit, například zkreslovací efektové pedály. Bručivý tón zkreslené elektrické kytary je klíčovou součástí mnoha žánrů, včetně blues a mnoha žánrů rockové hudby, zejména hard rock, punk rock, hardcore punk, acid rock a heavy metal, zatímco použití zkreslených basů bylo nezbytné v žánru hip hopové hudby a alternativní hip hop známý jako „SoundCloud rap“. Efekty mění zvuk nástroje ořezáváním signálu (posunutím za jeho maximum, které odstraňuje vrcholy a koryta signálových vln), přidáním sustainu a harmonických a neharmonických alikvotů a vedou ke komprimovanému zvuku, který je často popisován jako „teplý“ a „špinavý“ , v závislosti na typu a intenzitě použitého zkreslení. Pojmy zkreslení a přesycení se často používají zaměnitelně; pokud se rozlišuje, zkreslení je extrémnější verze efektu než přesycení. Fuzz je zvláštní formou extrémního zkreslení původně vytvořeného kytaristy pomocí vadného zařízení (například nesprávně zarovnaného ventilu (trubice); viz níže), které bylo od 60. let 20. století napodobeno řadou efektových pedálů „fuzzbox“. Zkreslení, přesycení a fuzz lze vytvářet pomocí efektových pedálů, rackových zařízení, předzesilovačů, výkonových zesilovačů (potenciálně přístup k odtržení reproduktoru), reproduktorů a (od roku 2000) pomocí digitálních modelovacích zařízení zesilovače a audio softwaru. Tyto efekty se používají s elektrickými kytarami, elektrickými basami (fuzz basa), elektronickými klávesami a zřídka jako speciální efekt s vokály. Zatímco zkreslení je často záměrně vytvářeno jako hudební efekt, hudebníci a zvukový inženýři někdy podniknou kroky k tomu, aby se zkreslení vyhnuli, zejména při použití PA systémů ke zesílení vokálů nebo při přehrávání předem nahrané hudby.
Obertony Obertony jsou jakékoli rezonanční frekvence nad základní frekvencí zvuku. (Oberton nemusí být harmonická.) Jinými slovy, obertony jsou všechny tóny vyšší než nejnižší tón v jednotlivém zvuku; základní tón je nejnižší tón. Zatímco základní tón je obvykle slyšet nejvýrazněji, obertony jsou ve skutečnosti přítomny v každém tónu kromě čisté sinusovky. Relativní hlasitost nebo amplituda různých dílčích tónů je jedním z klíčových identifikačních rysů zabarvení nebo individuální charakteristiky zvuku. Pomocí modelu Fourierovy analýzy se základní tón a obertony společně nazývají dílčí tóny. Harmonické, přesněji řečeno harmonické dílčí tóny, jsou dílčí tóny, jejichž frekvence jsou číselné celočíselné násobky základní frekvence (včetně základní frekvence, která je 1násobkem sama sebe). Tyto překrývající se termíny se různě používají při diskusi o akustickém chování hudebních nástrojů. (Viz etymologie níže.) Model Fourierovy analýzy umožňuje zahrnutí neharmonických dílčích tónů, což jsou dílčí tóny, jejichž frekvence nejsou celočíselnými poměry základní frekvence (například 1,1 nebo 2,14179). Když je rezonanční systém, jako je foukaná trubka nebo struna, vzbuzen, může být spolu se základním tónem vytvořeno několik obertonů. V jednoduchých případech, jako je tomu u většiny hudebních nástrojů, jsou frekvence těchto tónů stejné (nebo blízké) harmonickým. Příklady výjimek zahrnují kruhový buben – tympány, jejichž první oberton je asi 1,6násobek jejich základní rezonanční frekvence, gongi a činely a žesťové nástroje. Lidský hlasový trakt je schopen produkovat velmi proměnlivé amplitudy obertonů, tzv. formantů, které definují různé samohlásky.
Binární forma je hudební forma o dvou souvisejících částech, z nichž každá se obvykle opakuje. Binární forma se používá také při choreografii tance. V hudbě se obvykle provádí jako A-A-B-B. Binární forma byla populární v barokním období a často se používala ke strukturování vět klávesových sonát. Používala se také pro krátké, jednověté skladby. Kolem poloviny 18. století forma z velké části přestala být používána jako hlavní struktura celých vět, protože sonata a organický vývoj získaly na významu. Pokud se v pozdějších dílech objeví, obvykle má podobu tématu v sadě variací nebo částí menuet, scherzo nebo trio v "menuetu a triu" nebo "scherzu a triu" v sonátě, symfonii atd. Mnoho větších forem obsahuje binární struktury a mnoho složitějších forem (jako např. sonátová forma z 18. století) sdílí s binární formou určité charakteristiky.
Veršovo-refrainová forma je hudební forma, která sahá až do 40. let 19. století, například v písních jako "Oh! Susanna", "The Daring Young Man on the Flying Trapeze" a mnoha dalších. Na počátku 20. století se stala pasé s příchodem formy AABA (s veršem) v době Tin Pan Alley. V 50. letech 20. století se běžně používala v blues a rock and rollu a od 60. let 20. století převládala v rockové hudbě. Na rozdíl od 32taktové formy, která se zaměřuje na refrén (kontrastovaný a připravený sekcí B), je ve veršovo-refrainové formě zdůrazněn refrén (připravený a kontrastující s veršem). Refrén často ostře kontrastuje s veršem melodicky, rytmicky a harmonicky a předpokládá vyšší úroveň dynamiky a aktivity, často s přidanou instrumentací. Tomu se říká "breakout chorus". Viz: aranžmá.
Refrén (z latinského refringere, „opakovat“, a později ze starofrancouzského refraindre) je řádek nebo řádky, které se opakují v hudbě nebo poezii – „sbor“ písně. Poetické pevné formy, které obsahují refrény, zahrnují villanelu, virelay a sestinu. V populární hudbě může refrén nebo sbor kontrastovat s veršem melodicky, rytmicky a harmonicky; může předpokládat vyšší úroveň dynamiky a aktivity, často s přidanou instrumentací. Forma sboru nebo strofická forma je sekční a/nebo aditivní způsob strukturování hudební skladby založený na opakování jedné formální části nebo bloku, který se opakuje opakovaně.
32taktová forma, minimálně 1000 slov Viz také: Balada § Forma balady 32taktová forma, známá také jako písňová forma AABA, americká forma populární písně a forma balady, je struktura písně běžně se vyskytující v písních Tin Pan Alley a jiné americké populární hudbě, zejména v první polovině 20. století. [2] Jak napovídá její alternativní název AABA, tato forma písně se skládá ze čtyř částí: osmitaktová část A; druhá osmitaktová část A (která může mít mírné změny oproti první části A); osmitaktová část B, často s kontrastní harmonií nebo „pocitem“; a závěrečná osmitaktová část A. Základní melodická linka je obecně zachována v každé části A, i když mohou být přidány variace, zejména pro poslední část A. Příklady písní ve 32taktové formě AABA zahrnují „Over the Rainbow“, „I Got Rhythm“, „What'll I Do“, „Make You Feel My Love“, [2] „The Man I Love“ [3]: 5, „Dream River“, „Primrose Lane“, „Let's Get Away From It All“ a „Blue Skies“. [3]: 109 Mnoho melodií, které se staly jazzovými standardy, je 32taktových forem písní.
Variace (hudba)
Variace je formální technika, při níž se materiál opakuje ve změněné podobě. Změny se mohou týkat melodie, rytmu, harmonie, kontrapunktu, barvy tónu, instrumentace nebo jakékoli kombinace těchto prvků. Variace je často stavěna do kontrastu s hudebním rozvíjením, což je poněkud odlišný prostředek k dosažení stejného cíle. Variace závisí na jednom typu prezentace v daném okamžiku, zatímco rozvíjení se provádí na částech materiálu, které jsou zpracovány v mnoha různých prezentacích a kombinacích současně.
Historie variace
Variace se používá v hudbě po staletí. Nejranější příklady variace lze nalézt v gregoriánském chorálu, kde se stejná melodie zpívala s různými textovými variacemi. V období renesance byla variace používána v mnoha formách, včetně ricercaru, kanzony a passacaglie. V barokním období se variace stala důležitou součástí suity a concerto grosso. V klasickém období byla variace používána v sonátě, symfonii a dalších formách. V romantickém období se variace stala populární formou pro sólové nástroje, jako je klavír a housle.
Typy variací
Existuje mnoho různých typů variací, z nichž každý má své vlastní jedinečné vlastnosti. Některé z nejběžnějších typů variací zahrnují:
Melodická variace: Změny se týkají melodie, zatímco harmonie a rytmus zůstávají stejné.
Rytmická variace: Změny se týkají rytmu, zatímco melodie a harmonie zůstávají stejné.
Harmonická variace: Změny se týkají harmonie, zatímco melodie a rytmus zůstávají stejné.
Kontrapunktická variace: Změny se týkají kontrapunktu, zatímco melodie, harmonie a rytmus zůstávají stejné.
Timbrová variace: Změny se týkají barvy tónu, zatímco melodie, harmonie a rytmus zůstávají stejné.
Orchestrační variace: Změny se týkají instrumentace, zatímco melodie, harmonie a rytmus zůstávají stejné.
Formy variace
Variace se může objevit v různých hudebních formách, včetně:
Variační forma: Forma, ve které se téma opakuje v řadě variací.
Variační pasáž: Pasáž v rámci většího hudebního díla, která se skládá z variace tématu.
Variační set: Skupina variací, které jsou spojeny společným tématem.
Využití variace
Variace se používá v hudbě z mnoha důvodů. Může být použita k:
Přidání rozmanitosti a zájmu k hudebnímu dílu
Prozkoumání různých aspektů tématu
Vytvoření kontrastu mezi různými částmi hudebního díla
Poskytnutí příležitosti pro improvizaci
Variace je mocný nástroj, který mohou skladatelé použít k vytvoření hudebně zajímavé a poutavé hudby.
Strofická forma Strofická forma, také nazývaná forma opakujících se slok, forma refrénu, forma písně AAA nebo jednodílná forma písně, je struktura písně, ve které se všechny sloky nebo slohy textu zpívají na stejnou hudbu. [1] Kontrastní formy písní zahrnují průběžně komponované, s novou hudbou napsanou pro každou sloku, [1] a ternární formu, s kontrastním středním oddílem. Termín je odvozen z řeckého slova στροφή, strophē, což znamená „otočka“. Je to nejjednodušší a nejtrvalejší z hudebních forem, která rozšiřuje hudební skladbu opakováním jediného formálního oddílu. To lze analyzovat jako „A A A...“. Tato aditivní metoda je hudebním analogem opakovaných slok v poezii nebo textech a ve skutečnosti, kde text opakuje stejné schéma rýmů z jedné sloky do druhé, struktura písně také často používá stejný nebo velmi podobný materiál z jedné sloky do druhé. Upravená strofická forma mění vzor v některých slokách (A A' A"...) poněkud jako rudimentární téma a variace. Kontrastní forma sloka-refrén je binární forma, která se střídá mezi dvěma hudebními sekcemi (ABAB), ačkoli to lze interpretovat také jako konstituující větší strofickou formu sloka-refrén. Zatímco termíny „refrén“ a „sbor“ se často používají zaměnitelně, „refrén“ může označovat opakující se řádek identické melodie a textu jako součást sloky (jako v „Blowin' in the Wind“: „...odpověď, můj příteli...“), zatímco „sbor“ znamená nezávislý formální oddíl (jako v „Yellow Submarine“: „Všichni žijeme v...“). [2] Mnoho lidových a populárních písní má strofickou formu, včetně dvanáctitaktového blues, balad, hymnů a chorálů. Příklady zahrnují „Barbara Allen“, „Erie Canal“, „Michael, Row the Boat Ashore“ [3] a „Oh! Susanna“ (A = sloka a refrén). [4] Tradiční a moderní country písně jako „This land is your land“ jsou také strofickou formou. Mnoho klasických uměleckých písní je také složeno ve strofické formě, od francouzského air de cour ze 17. století po německé lieder z 19. století a dále. Haydn používal formu strofické variace v mnoha svých smyčcových kvartetech a v několika svých symfoniích, zaměstnávaných téměř vždy v pomalé druhé větě. Franz Schubert složil mnoho důležitých strofických lieder, včetně zhudebnění jak vyprávěcích básní, tak jednodušších, folklórních textů, jako jsou jeho „Heidenröslein“ a „Der Fischer“. [1] Několik písní v jeho písňovém cyklu Die schöne Müllerin používá strofickou formu.
Alfred Mann (28. dubna 1917 – 21. září 2006) byl americký hudební vědec, který se specializoval na dějiny západní hudební teorie. Byl profesorem hudební vědy na Eastman School of Music na univerzitě v Rochesteru. Životopis Alfred Mann se narodil v Hamburku v Německu jako syn portrétního malíře Wilhelma Manna a známé cembalistky a hudební vědkyně Edith Weiss-Mannové. V roce 1933, kdy bylo Mannovi pouhých 16 let, musela jeho rodina kvůli nacistickému pronásledování uprchnout z Německa. Mann pokračoval ve studiu hudby v Paříži a později v USA na Yaleově univerzitě, kde získal doktorát v oboru hudební vědy v roce 1942. Poté působil jako profesor hudební vědy na různých univerzitách, včetně Univerzity v Princetonu a Harvardské univerzity. V roce 1956 se Mann stal profesorem hudební vědy na Eastman School of Music na univerzitě v Rochesteru. Zde působil až do svého odchodu do důchodu v roce 1987. Během svého působení na Eastman School se Mann stal jedním z nejvýznamnějších hudebních vědců v USA. Příspěvky k hudební vědě Mannovy příspěvky k hudební vědě jsou rozsáhlé a zahrnují širokou škálu témat. Byl průkopníkem v oblasti studia západní hudební teorie a jeho práce měla zásadní vliv na naše chápání hudební historie. Mezi Mannovy nejdůležitější příspěvky patří jeho studie o středověké a renesanční hudební teorii, zejména jeho práce o traktátu Gradus ad Parnassum Johanna Fuxe. Mann také napsal významné studie o hudební teorii v baroku a klasicismu. Mannova práce byla chválena za svou erudici, jasnost a vhled. Byl známý svou schopností objasnit složité hudební koncepty způsobem, který byl přístupný jak odborníkům, tak i laikům. Ocenění a vyznamenání Mann obdržel řadu ocenění a vyznamenání za svůj přínos k hudební vědě. V roce 1987 mu byla udělena Cena za vynikající stipendium od Americké muzikologické společnosti. V roce 1997 mu byla udělena Medaile Heinricha Schenckera od Evropské společnosti pro hudební analýzu. Dědictví Alfred Mann byl jedním z nejvýznamnějších hudebních vědců 20. století. Jeho práce měla zásadní vliv na naše chápání hudební historie a jeho odkaz bude i nadále inspirovat budoucí generace hudebních vědců.
Skladba průběžně komponovaná Ve teorii hudebních forem je průběžně komponovaná hudba nepřetržitá, nesekční a neopakující se hudební skladba. Tento termín se obvykle používá k popisu písní, ale může se vztahovat také na instrumentální hudbu. Zatímco většina hudebních forem, jako je ternární forma (ABA), rondová forma (ABACABA) a sonátová forma (ABA'), spoléhá na opakování, průběžně komponovaná hudba materiál znovu nepoužívá (ABCD). Toto neustálé zavádění nového materiálu je nejvýraznější v hudebních zpracováních básní, na rozdíl od často používané strofické formy (AAA). Průběžně komponované písně mají pro každou sloku textu jinou hudbu. K označení tohoto konceptu se používá také německé slovo durchkomponiert.