Émile Reynaud Émile Reynaud (8. prosince 1844 – 9. ledna 1918) byl francouzský vynálezce, který je známý především díky svým zařízením praxinoskopu (animační zařízení patentované v roce 1877, které vylepšilo zoetrop) a jako autor prvních promítaných animovaných filmů. Jeho "Pantomimes Lumineuses" měly premiéru 28. října 1892 v Paříži. Jeho systém filmů Théâtre Optique, patentovaný v roce 1888, je také pozoruhodný jako první známý příklad použití filmových perforací. Tato představení předcházela první veřejné projekci kinematografu bratří Augusta a Louise Lumièrových 26. prosince 1895, která je často považována za zrod kinematografie. Praxinoskop Praxinoskop byl zařízení, které umožňovalo promítat sérii obrázků na rotující zrcadla, což vytvářelo iluzi pohybu. Reynaud vylepšil zoetrop, dřívější zařízení, které používalo štěrbiny k prohlížení obrázků, přidáním zrcadel, která odrážela obrazy do středu zařízení. To umožnilo divákům vidět obrázky jasněji a z větší vzdálenosti. Théâtre Optique Théâtre Optique byl systém, který umožňoval promítat animované filmy na plátno. Reynaud vytvořil pásy dlouhé až 70 metrů, které byly malovány na průhlednou fólii a perforovány na okrajích. Fólie byla navinuta na cívky a procházela projektorem, který promítal obrazy na plátno. Systém Théâtre Optique byl schopen promítat jak statické, tak pohyblivé obrázky. Reynaud vytvořil několik filmů, včetně "Pauvre Pierrot" (1892), "Autour d'une cabine" (1894) a "Le Clown et ses chiens" (1892). Tyto filmy byly prvními skutečnými animovanými filmy a předcházely vynálezu kinematografu bratří Lumièrových. Odkaz Émile Reynaud je považován za jednoho z průkopníků animace a kinematografie. Jeho práce pomohla položit základy pro vývoj těchto médií. Praxinoskop a Théâtre Optique byly důležitými technologickými inovacemi, které umožnily divákům poprvé zažít iluzi pohybujících se obrázků. Přestože Reynaudovy vynálezy byly předchůdci kinematografu, nebyl schopen komerčně konkurovat bratrům Lumièrovým. Jeho filmy byly kratší a méně realistické než filmy bratří Lumièrových, a jeho systém nebyl tak snadno přenosný. Reynaudovy vynálezy byly nakonec zastíněny kinematografem, ale jeho odkaz zůstává. Je uznáván jako jeden z prvních animátorů a jeho práce je stále studována a oceňována historiky animace a kinematografie.
Světová Kolumbijská výstava Světová Kolumbijská výstava, známá také jako Chicagská světová výstava, byla světovou výstavou, která se konala v Chicagu od 5. května do 31. října 1893, aby oslavila 400. výročí příjezdu Kryštofa Kolumba do Nového světa v roce 1492. [1] Ústředním bodem výstavy, která se konala v Jackson Parku, byl velký vodní bazén představující cestu, kterou Kolumbus podnikl do Nového světa. Chicago získalo právo pořádat výstavu před několika konkurenčními městy, včetně New Yorku, Washingtonu, D.C. a St. Louis. Výstava byla vlivnou společenskou a kulturní událostí a měla hluboký vliv na americkou architekturu, umění, americký průmyslový optimismus a image Chicaga. Uspořádání Chicagské Kolumbijské výstavy navrhli převážně John Wellborn Root, Daniel Burnham, Frederick Law Olmsted a Charles B. Atwood. [2] [3] Byl to prototyp toho, jak si Burnham a jeho kolegové mysleli, že by město mělo vypadat. Bylo navrženo tak, aby následovalo designérské principy Beaux-Arts, konkrétně neoklasicistní architektonické principy založené na symetrii, rovnováze a nádheře. Barva materiálu obecně používaného k pokrytí fasád budov, bílý štáb, dala výstavišti jeho přezdívku, Bílé město. Mnoho významných architektů navrhlo jeho 14 „velkých budov“. Výtvarníci a hudebníci byli uvedeni ve výstavách a mnozí také vytvořili vyobrazení a umělecká díla inspirovaná výstavou. Výstava se rozkládala na ploše 690 akrů (2,8 km 2 ), přičemž představovala téměř 200 nových, ale dočasných budov převážně neoklasicistní architektury, kanálů a lagun a lidí a kultur ze 46 zemí. [1] Více než 27 milionů lidí navštívilo výstavu během jejího šestiměsíčního trvání. Její rozsah a velkolepost daleko předčily ostatní světové výstavy a stala se symbolem vznikající americké výjimečnosti, podobně jako se Velká výstava stala symbolem viktoriánské éry ve Velké Británii. Slavnostní zahájení výstavy se konalo 21. října 1892, ale výstaviště nebylo veřejnosti skutečně otevřeno až do 1. května 1893. Výstava pokračovala až do 30. října 1893. Kromě uznání 400. výročí „objevení Nového světa“ z evropské perspektivy měla výstava také sloužit k tomu, aby světu ukázala, že Chicago povstalo z popela Velkého chicagského požáru, který v roce 1871 zničil velkou část města. [1] 9. října 1893, v den označený jako Den Chicaga, výstava vytvořila světový rekord v účasti na venkovní akci, když přilákala 751 026 lidí. Dluh za výstavu byl brzy splacen šekem na 1,5 milionu dolarů (ekvivalent 48,9 milionu dolarů v roce 2022). [4] Chicago připomnělo výstavu jednou z hvězd na své městské vlajce. [5]
Théâtre Optique (Optický divadelní přístroj)
Théâtre Optique (Optický divadelní přístroj) je systém animovaného pohyblivého obrazu, který vynalezl Émile Reynaud a nechal si ho patentovat v roce 1888. Od 28. října 1892 do března 1900 uspořádal Reynaud v Musée Grévin v Paříži přes 12 800 představení, která navštívilo celkem přes 500 000 diváků. Jeho série animovaných filmů Pantomimes Lumineuses (Světelné pantomimy) zahrnuje Pauvre Pierrot (Chudák Pierrot) a Autour d'une cabine (Kolem kabiny).
Reynaudův Théâtre Optique předcházel prvnímu komerčnímu veřejnému promítání kinematografu Auguste a Louise Lumièrových 28. prosince 1895, které bylo dlouho považováno za zrod filmu.
Technický popis
Théâtre Optique se skládal z následujících hlavních součástí:
Projektor: Projektor byl vybaven dvěma skleněnými disky o průměru 60 cm, které byly umístěny na společném hřídeli. Na vnitřní straně každého disku bylo umístěno 72 ručně malovaných obrázků. Obrázky byly uspořádány tak, že když se disky otáčely, vytvářely iluzi pohybu.
Zrcadlový buben: Zrcadlový buben byl umístěn před projektory. Buben měl 12 zrcadel, která odrážela světlo z projektorů na plátno. Zrcadla byla uspořádána tak, že každé zrcadlo odráželo světlo z jednoho obrázku na disku.
Plátno: Plátno bylo umístěno za zrcadlovým bubnem. Na plátno se promítaly obrazy z projektorů.
Princip fungování
Théâtre Optique fungoval na principu přetrvávání zraku. Když se obrazy na discích rychle otáčely, divák je vnímal jako nepřetržitý pohyb. Zrcadlový buben pomáhal vytvářet iluzi pohybu tím, že odrážel světlo z obrazů na plátno v rychlém sledu.
Význam
Théâtre Optique byl významným předchůdcem moderního filmu. Byl to první systém, který dokázal promítat animované pohyblivé obrazy na plátno. Reynaudovy filmy byly prvními animovanými filmy, které byly předvedeny veřejnosti. Théâtre Optique pomohl položit základy pro vývoj kinematografie.
Odkaz
Théâtre Optique byl v provozu pouze několik let, ale měl trvalý dopad na historii filmu. Reynaudovy filmy byly zdrojem inspirace pro pozdější animátory, jako byli Walt Disney a Tex Avery. Théâtre Optique je dnes považován za důležitý milník ve vývoji animace a filmu.
Záber ve filmové tvorbě
Záber je ve filmové tvorbě a videoprodukci souvislá řada snímků, která běží po určitou dobu bez přerušení. [1] Zábery jsou základním stavebním kamenem filmů, kde se využívají různé úhly, přechody a střihy k vyjádření emocí, myšlenek a pohybu.
Pojem "záber" může odkazovat na dvě různé části filmového procesu:
Při natáčení je záber okamžikem, kdy se kamera začne natáčet, až do okamžiku, kdy se zastaví.
Při střihu je záber nepřetržitá část záznamu nebo sekvence mezi dvěma střihy. [2]
Druhy záběrů
Existuje mnoho různých typů záběrů, které lze klasifikovat podle různých kritérií, jako jsou:
Délka:
Extrémní detail
Detail
Polodetail
Americký záběr
Polocelkový záběr
Celkový záběr
Dálkový záběr
Úhel kamery:
Nadhled
Podhled
Rovný pohled
Pohyb kamery:
Statický záběr
Panoramatický záběr
Naježděný záběr
Oddálený záběr
Typ objektivu:
Širokoúhlý objektiv
Normální objektiv
Teleobjektiv
Funkce záběrů
Zábery slouží k řadě účelů, mimo jiné:
Vyprávění příběhu: Zábery mohou posunout děj příběhu dopředu, odhalit informace o postavách nebo nastavit scénu.
Vyvolání emocí: Úhly kamery, osvětlení a pohyb mohou být použity k vyvolání určitých emocí u diváků.
Vytváření vizuálního zájmu: Zábery mohou být použity k vytvoření vizuálně poutavých obrazů, které přitahují pozornost diváků.
Usměrnění pohledu diváka: Zábery mohou vést oči diváků určitým směrem a soustředit jejich pozornost na konkrétní prvky obrazu.
Zásady používání záběrů
Při používání záběrů je třeba mít na paměti několik zásad:
Řízení tempa: Délka a typ záběrů mohou ovlivnit tempo filmu.
Vytváření rytmu: Řada záběrů může vytvářet rytmus, který může ovlivnit náladu a atmosféru filmu.
Udržování kontinuity: Zábery by měly být navzájem plynule propojeny, aby se zachovala kontinuita příběhu a zabránilo se rušivým přechodům.
Využívání hloubky ostrosti: Hloubka ostrosti může být použita k soustředění pozornosti diváka na konkrétní prvky obrazu.
Experimentujte: Nebojte se experimentovat s různými typy záběrů a úhly, abyste našli ty, které nejlépe vyhovují vašemu filmu.
Závěr
Zábery jsou základní součástí filmové tvorby a video produkce. Jejich pečlivým používáním můžete vytvořit vizuálně poutavé a emocionálně působivé filmy.
Zvukový film Zvukový film je filmový snímek se synchronizovaným zvukem, tj. zvukem technologicky propojeným s obrazem, na rozdíl od němých filmů. První známá veřejná projekce zvukového filmu proběhla v Paříži v roce 1900, ale uplynuly desítky let, než se zvukové filmy staly komerčně dostupnými. Spolehlivé synchronizace bylo s tehdejšími systémy zvuku na desce obtížné dosáhnout a také zesílení a kvalita nahrávky byly nedostatečné. Inovace ve zvuku na filmu vedly k prvnímu komerčnímu promítání krátkých filmů s použitím této technologie, které se uskutečnilo v roce 1923. Zvukový film byl také promítán s varhanami nebo klavírem v samotném kině, aby reprezentoval zvuk. Hlavní kroky v komercializaci zvukového filmu byly podniknuty v polovině až koncem 20. let 20. století. Zpočátku byly zvukové filmy, které obsahovaly synchronizovaný dialog, známé jako „mluvící filmy“ nebo „talkies“, výhradně krátké. Nejstarší celovečerní filmy s nahraným zvukem obsahovaly pouze hudbu a efekty. První celovečerní film původně prezentovaný jako talkie (ačkoli měl pouze omezené zvukové sekvence) byl Jazzový zpěvák, který měl premiéru 6. října 1927. [2] Byl to velký hit, který byl natočen pomocí Vitaphone, což byla v té době přední značka technologie zvuku na desce. Zvuk na filmu se však brzy stal standardem pro mluvící filmy. Na počátku 30. let 20. století byly talkies globálním fenoménem. Ve Spojených státech pomohly zajistit pozici Hollywoodu jako jednoho z nejvlivnějších kulturních/komerčních center na světě (viz Cinema of the United States). V Evropě (a v menší míře i jinde) byl tento nový vývoj mnoha filmaři a kritiky přijímán s nedůvěrou, kteří se obávali, že zaměření na dialog podvrátí jedinečné estetické přednosti němého filmu. V Japonsku, kde populární filmová tradice integrovala němý film a živé vokální vystoupení (benshi), se mluvící filmy ujímaly jen pomalu. Naopak v Indii byl zvuk transformačním prvkem, který vedl k rychlé expanzi národního filmového průmyslu.
D. W. Griffith
Životopis
David Wark Griffith se narodil 22. ledna 1875 v Oldham County v Kentucky v USA. Byl americkým filmovým režisérem, scenáristou a producentem. Je považován za jednu z nejvlivnějších osobností v historii filmu. Byl průkopníkem mnoha aspektů střihu filmu a rozšířil umění filmového vyprávění.
Kariéra
Griffithova kariéra začala v roce 1895. Režíroval více než 500 filmů, z nichž většina byla němých. Mezi jeho nejznámější filmy patří:
Zrození národa (1915): Jeden z finančně nejúspěšnějších filmů všech dob, ale také kontroverzní kvůli svému rasistickému zobrazení Afroameričanů a oslavě Ku Klux Klanu.
Intolerance (1916): Griffithův pokus o odpověď kritikům, kteří nespravedlivě pomlouvali jeho práci.
Zlomené květy (1919): Příběh o lásce mezi čínským mužem a anglickou dívkou.
Cesta na východ (1920): Romantický film odehrávající se v Nové Anglii.
Sirotci bouře (1921): Epický film o francouzské revoluci.
United Artists
V roce 1919 založil Griffith spolu s Charlie Chaplinem, Mary Pickfordovou a Douglasem Fairbanksem studio United Artists. Cílem studia bylo umožnit hercům a režisérům natáčet filmy podle svých vlastních představ, nikoli podle podmínek komerčních studií.
Pozdější léta
Některé z Griffithových pozdějších filmů byly úspěšné, ale vysoké náklady na produkci a propagaci často vedly k komerčnímu neúspěchu. Jeho posledním celovečerním filmem byl Boj (1931).
Odkaz
Griffith zemřel 23. července 1948 v Hollywoodu v Kalifornii. Je pohřben na hřbitově metodistického kostela Mount Tabor v Centerfieldu v Kentucky. Přestože je jeho film Zrození národa kontroverzní, je Griffith považován za jednu z nejvýznamnějších postav v historii filmu. Jeho průkopnické techniky střihu a vyprávění měly velký vliv na vývoj kinematografie.
Klávesový hudební nástroj Charakteristika Klávesový hudební nástroj, který vydáva zvuk úderem na klávesy. Většina moderních pian má 88 černobílých kláves: 52 bílých kláves pro tóny C dur stupnice (C, D, E, F, G, A, B) a 36 zkrácených černých kláves umístených nad bílými klávesami a posazených dále vzadu pro křížky a béčka. To znamená, že piano může zahrát 88 různých tónů (nebo "not") v rozsahu přes sedm oktáv. Černé klávesy jsou určeny pro "alterace" (F#/Gb, G#/Ab, A#/B, C#/Db a D#/Eb), které jsou nezbytné pro hru ve všech d PROFILElých tóninách. Existují dva hlavní typy piana: křížový a pianino. Křížový piano nabízí lepší zvuk a přesn контрольší ovládání kláves, což z něj dělá preferovanou volbu, pokud to prostor a rozpočet dovolují. Křížový piano je také považováno za nutnost v prostorách, kde vystupují zkušení pianisté. Piana jsou častěj používána kvůli své menší velikeosti a nižší ceně. Funkce Když je stisknuta klávesa, napnuté struny uvnitř jsou udeřeny dřevěnými kladívky. Vibrace jsou přenášeny přes kobylku na rezonanční desku, která zesiluje zvuk přenosem energie do vzduchu. Když je klávesa uvolněna, tlumič zastaví vibrace struny a ukončí zvuk. Většina not má tři struny, s výjimkou basů, které mají jednu až dvě. Noty mohou být prodlouženy i po uvolnění kláves pomocí pedálů na dně nástroje, které udržují tlumiče od strun. Umožňují pianistům hrát pasáže, jako je vedení melodie oběma rumami od basů k výškám, zatímco je držán akord, melodie a arpeggia nahoře. Vývoj Ve 18. století, ovlivněno hudebními trendy, přijalo fortepiano změny, jako je použití litinového rámu (který umožnil mnohem větší napětí strun) a alikvotní strunění, což dalo křížovým pianům silněj zvuk, delší sustain a bohatší tón. Později v tomto století, jak se piano stalo častějším, umožnilo rodinám poslouchat nově vydaná hudební díla hraním zjednodušených verzí členem rodiny. Použitie Klávesový nástroj je široce používán v klasické, jazzové, tradiční a populární hudbě pro sólová a souborová vystoupení, doprovody a pro komponování, psaní písní a zkoušky. Navzdory své váze a ceně, trvanlivosti, rozsáhlým možnostem hry a rozšířené dostupnosti na místech konání, ve školách a ve zkušebnách se piano stalo známým nástrojem v západním světě.
Němý film Němý film je film bez synchronizovaného zvukového záznamu (nebo obecněji bez slyšitelného dialogu). Ačkoli němé filmy sdělují příběh a emoce vizuálně, různé dějové prvky (například prostředí nebo doba) nebo klíčové řádky dialogu mohou být v případě potřeby sdělovány pomocí titulků. Termín „němý film“ je trochu nesprávný, protože tyto filmy byly téměř vždy doprovázeny živými zvuky. Během němé éry, která trvala od poloviny 19. století do konce 20. let 20. století, hrával hudbu doprovázející filmy často pianista, varhaník – nebo dokonce v případě velkých měst malý orchestr. Pianisté a varhaníci hráli buď z notového záznamu, nebo improvizací. Někdy dokonce někdo nahlas četl titulky pro publikum. Přestože v té době technologie pro synchronizaci zvuku s filmem neexistovala, byla hudba považována za nedílnou součást zážitku ze sledování. Termín „němý film“ se obvykle používá jako historický pojem k popisu éry kinematografie před vynálezem synchronizovaného zvuku, ale vztahuje se také na takové filmy zvukové éry, jako jsou Světla velkoměsta, Moderní doba a Silent Movie, které jsou doprovázeny pouze hudbou soundtrack místo dialogu. Termín němý film je retronym – termín vytvořený pro zpětné odlišení něčeho od pozdějších vývojů. První zvukové filmy, počínaje Jazzovým zpěvákem v roce 1927, byly různě označovány jako „talkies“, „zvukové filmy“ nebo „mluvící obrázky“. Myšlenka spojení pohyblivých obrázků se zaznamenaným zvukem je starší než film (byla navržena téměř okamžitě poté, co Edison v roce 1877 představil fonograf) a některé rané experimenty zahrnovaly projekcionistu, který ručně upravoval rychlost snímání tak, aby odpovídala zvuku, [1] ale kvůli technickým výzvám se zavedení synchronizovaného dialogu stalo praktickým až na konci 20. let 20. století s dokonalostí zesilovací elektronky Audion a nástupem systému Vitaphone. [2] Během deseti let ustala rozsáhlá produkce němých filmů pro populární zábavu a průmysl se plně přesunul do zvukové éry, ve které byly filmy doprovázeny synchronizovanými zvukovými záznamy mluveného dialogu, hudby a zvukových efektů. Většina raných filmových snímků je považována za ztracené kvůli jejich fyzickému rozkladu, protože nitrátový filmový materiál používaný v té době byl extrémně nestabilní a hořlavý. Navíc bylo mnoho filmů záměrně zničeno, protože v té době měly zanedbatelnou zbývající okamžitou finanční hodnotu. Často se tvrdí, že asi 75 procent němých filmů vyrobených v USA bylo ztraceno, i když tyto odhady jsou nepřesné kvůli nedostatku číselných údajů. [3]
Zrození národa Zrození národa je americký němý film z roku 1915, který režíroval D. W. Griffith a v hlavní roli hrála Lillian Gish. Scénář je adaptací románu a hry The Clansman z roku 1905 od Thomase Dixona Jr. Griffith spolu s Frankem E. Woodsem napsal scénář a film produkoval s Harrym Aitkenem. Zrození národa je mezníkem v historii filmu, chváleným pro svou technickou virtuozitu. Byl to první americký dvanáctidílný film, který nebyl seriálem. Jeho děj, částečně fikce a částečně historie, zachycuje atentát na Abrahama Lincolna Johnem Wilkesem Boothem a vztah dvou rodin v době občanské války a po ní v průběhu několika let - pro Unii (Sever) bojující Stonemanové a pro Konfederaci (Jih) bojující Cameronovi. Původně byl promítán ve dvou částech oddělených přestávkou a byl prvním americkým filmem, který měl hudební doprovod pro orchestr. Jako průkopník používal záběry zblízka a zatemnění a zahrnoval pečlivě zinscenovanou bitevní sekvenci se stovkami komparzistů (což bylo další prvenství), kteří vypadali jako tisíce. Byl dodáván s třináctistránkovým programem Souvenir. Byl to první film, který se promítal v Bílém domě, kde ho zhlédl prezident Woodrow Wilson, jeho rodina a členové jeho kabinetu. Film byl kontroverzní už před svým uvedením a zůstal takový dodnes; byl nazván "nejkontroverznějším filmem, který byl kdy v USA natočen" a "nejodpornějším rasistickým filmem v historii Hollywoodu". Film byl kritizován za své rasistické zobrazení Afroameričanů. Film zobrazuje své černošské postavy (z nichž mnohé hrají bílí herci s černou tváří) jako neinteligentní a sexuálně agresivní vůči bílým ženám. Ku Klux Klan (KKK) je zobrazen jako hrdinská síla, nezbytná k zachování amerických hodnot, ochraně bílých žen a udržení nadřazenosti bílé rasy. Po svém uvedení byl film populární mezi bílým publikem po celé zemi, jeho úspěch byl důsledkem i přispěl k rasové segregaci v celých USA. V reakci na filmové zobrazení černošského obyvatelstva a historie občanské války se Afroameričané v celých USA organizovali a protestovali. V Bostonu a dalších lokalitách vedli černošští vůdci a NAACP neúspěšnou kampaň za jeho zákaz na základě toho, že podněcuje rasové napětí a může vyvolat násilí. Také mu bylo odepřeno uvedení v Chicagu, Ohiu, Denveru, Pittsburghu, St. Louis a Minneapolisu. Griffithovo rozhořčení nad snahami o cenzuru nebo zákaz filmu ho motivovalo k tomu, aby v následujícím roce natočil film Intolerance. Navzdory své rozporuplnosti měl film Zrození národa obrovský komerční úspěch v celé zemi - vydělal mnohem více než jakýkoli předchozí film - a hluboce ovlivnil jak filmový průmysl, tak americkou kulturu. Po úpravě na inflaci zůstává film jedním z nejvýdělečnějších filmů, které kdy byly natočeny. Je uznáván jako inspirace pro znovuzrození Ku Klux Klanu, ke kterému došlo pouhých několik měsíců po jeho uvedení. V roce 1992 Kongresová knihovna označila film za "kulturně, historicky nebo esteticky významný" a vybrala ho k uchování v Národním filmovém registru.
Vitaphone Vitaphone byl zvukový filmový systém používaný pro celovečerní filmy a téměř 1 000 krátkých snímků natočených společností Warner Bros. a jejím sesterským studiem First National v letech 1926 až 1931. Vitaphone je poslední hlavní analogový zvukový systém na discích a jediný, který byl široce používán a komerčně úspěšný. Soundtrack není vytištěn na filmu, ale vydáván samostatně na gramofonových deskách. Desky, nahrané rychlostí 33 + 1 ⁄ 3 otáček za minutu (rychlost poprvé použitá pro tento systém) a typicky o průměru 16 palců (41 cm), se přehrávají na gramofonu fyzicky spojeném s motorem projektoru, zatímco se film promítá. Jeho frekvenční rozsah je 4300 Hz. Mnoho raných mluvených filmů, jako například Jazzový zpěvák (1927), používalo systém Vitaphone. Název „Vitaphone“ je odvozen z latinského a řeckého slova pro „živý“ a „zvuk“. Ochranná známka „Vitaphone“ byla později spojována s kreslenými filmy a dalšími krátkými snímky, které mají optické zvukové stopy a nepoužívají disky.