Japonská nová vlna (ヌーベルバーグ, Nūberu bāgu, japonský přepis francouzského výrazu „nouvelle vague“) je označení pro skupinu volně propojených japonských filmů a filmařů z období od konce 50. do začátku 70. let.
K nejvýznamnějším představitelům patří režiséři Nagisa Ōshima, Yoshishige Yoshida, Masahiro Shinoda a Shōhei Imamura.
Japonská nová vlna se vyznačovala řadou charakteristických rysů:
Odmítání tradičních filmových konvencí a žánrových omezení
Experimentální přístup k vyprávění a formě
Kritika společenských a politických norem
Zaměření na osobní a psychologická témata
Časté používání černobílého filmu a dlouhých záběrů
Filmy japonské nové vlny měly velký vliv na světovou kinematografii a inspirovaly mnoho dalších filmových hnutí, včetně francouzské nové vlny.
Někteří z nejvýznamnějších filmů japonské nové vlny:
Hiroshima, má láska (1959) od Nagisy Ōshimy
Žena v dunách (1964) od Hiroshiho Teshigahary
Červený anděl (1966) od Shōheie Imamury
Zloděj Yoshino (1966) od Masahira Shinody
Branky mládí (1966) od Seijuna Suzukiho
Matka a dcera (1967) od Susumu Haniho
Záznam o mé lásce (1967) od Koreyoshiho Kurahary
Začátek léta (1967) od Yasuza Masumury
Eros plus masakr (1969) od Yoshishigeho Yoshidy
Zloději (1969) od Shūjiho Terayamy
Onibaba (1964) od Kaneta Shinda
Kwaidan (1964) od Masakiho Kobayashiho
Náhrobní kámen pro Eiji (1964) od Toshio Matsumoto
Plná síla (1964) od Kojiho Wakamatsu
Tokyo Drifter (1966) od Yuza Kawashimy
Příběh o krutosti (1967) od Akio Jissojiho
Martin Scorsese Martin Charles Scorsese (narozen 17. listopadu 1942) je americký filmový režisér, producent, scenárista a herec. Stal se jednou z hlavních osobností éry Nového Hollywoodu. Scorsese získal řadu ocenění, včetně Oscara, čtyř cen BAFTA, tří cen Emmy, ceny Grammy, tří Zlatých glóbů a dvou cen Directors Guild of America. V roce 1997 získal cenu AFI za celoživotní dílo, v roce 1998 poctu Společnosti pro filmovou tvorbu v Lincolnově centru, v roce 2007 Cenu Kennedyho centra, v roce 2010 Cenu Cecila B. DeMilla a v roce 2012 Cenu BAFTA Fellowship. Pět jeho filmů bylo Knihovnou Kongresu zařazeno do Národního filmového registru jako "kulturně, historicky nebo esteticky významné". V roce 1968 získal Scorsese titul Master of Arts na Steinhardtově škole kultury, vzdělávání a lidského rozvoje na New York University. Jeho režijní debut, Kdo to klepe na moje dveře (1967), byl přijat na Chicagský filmový festival. V 70. a 80. letech se Scorseseovy filmy, značně ovlivněné jeho italsko-americkým původem a výchovou v New Yorku, zaměřují na macho muže a zkoumají zločin, machismus, nihilismus a katolické pojmy viny a vykoupení. [3] [4] Jeho ochrannými známkami jsou rozsáhlé použití zpomaleného záběru a zmrazení obrazu, grafické zobrazení extrémního násilí a volné používání vulgarismů. Jeho kriminální film z roku 1973, Špinavé ulice, byl plánem pro jeho filmařské styly. Scorsese získal Zlatou palmu v Cannes za svůj psychologický thriller Taxikář z roku 1976, v němž hrál Robert De Niro, který se spojil se Scorsesem v dalších osmi filmech, včetně New York, New York (1977), Zuřící býk (1980), Král komedie (1982), Mafiáni (1990) a Kasino (1995). V následujících desetiletích sklízel úspěchy u pokladen díky řadě spoluprací s Leonardem DiCapriem. Mezi tyto filmy patří Gangy New Yorku (2002), Letec (2004), Skrytá identita (2006), Prokletý ostrov (2010) a Vlk z Wall Street (2013). Sešel se s De Nirem ve filmu Irčan (2019) a Killers of the Flower Moon (2023), v němž také hraje DiCaprio. Mezi jeho další filmy patří Po zavírací době (1985), Poslední pokušení Krista (1988), Věk nevinnosti (1993), Kundun (1997), Hugo a jeho velký objev (2011) a Mlčení (2016). Kromě filmů režíroval Scorsese epizody některých televizních seriálů, včetně seriálu HBO Impérium - Mafie v Atlantic City (2011-2015) a Vinyl (2016), stejně jako dokument HBO Veřejné projevy (2010) a dokumentární seriál Netflixu Předstírej, že je to město (2021). Je také známý několika rockovými hudebními dokumenty, včetně Poslední valčík (1978), No Direction Home (2005), Shine a Light (2008) a George Harrison: Living in the Material World (2011). Jako zastánce filmové archivace a restaurování založil tři neziskové organizace: The Film Foundation v roce 1990, World Cinema Foundation v roce 2007 a African Film Heritage Project v roce 2017. [5]
Systém filmových ateliérů Systém filmových ateliérů je metoda filmování, ve kterém produkci a distribuci filmů dominuje několik velkých filmových ateliérů. Nejčastěji se používá v souvislosti s hollywoodských filmových ateliérů během prvních let Zlatého století Hollywoodu od roku 1927 (zavedení zvukového filmu) do roku 1948 (začátek zániku systému ateliérů), ve kterém ateliérů produkovaly filmy především na svých vlastně pozemky pro natáčení filmů s kreativními personálem často na smlouvu na delší dobu a ovládal výstavu vertikálním propojením, tzn. vlastnictvím nebo efektivní kontrolou distributorů a výstav, zaručujích další prodeje filmů pomocí manipulativního techniky bookingu, jako je blokové rezervace. Během takzvaného Zlatého století bylo osm společnostech – velkých ateliérů, kteří proklamoval hollywoodský ateliérový systému. Z těchto osmi bylo pět plně integrovaných společnostech známých jako původní Big Five, kombinuje vlastnictví produkčního ateliéru, distribuční divize a velký filmový okruh, a s filmovým personálem: Metro-Goldwn-Mayer (vlastněná společnostech Loews), která je majitelem největšího amerického filmového okruhu), společnosti Paramout, filmy od společnostech Universal, společnosti RKO Radio a od společnostech 20th Century-Fox (po jejím pohlcení společnostech Disney vrátilo Big Five poprvé od té doby). V té době byly dvě ze tří společnostech Little Three major-minors (Columbia a Universal) podobně organizovány, ale bez více než malých filmových okruhů, a třetí (United Artist) vlastnila několik kin a měla přístup ke dvěma produkčním zařízením vlastněné členný její řídící partnerské skupiny, ale fungovala především jako distributor, financující neš závislé a vydávající jejich filmy. Systém ateliérů byl napaden podle antitrustového zákona v roce 1948 rozsudkem Nejvyššího soudu, který se snažil oddělit produkci od distribuce a výstavy a ukončit tak tyto postupy, čímž urychlilo konec systému ateliérů. V roce 1954, když se televizní soutěže o diváky a poslední provozní spoje mezí velkým produkčním ateliérem a filmovým okruhem byly přerušeny, skončila historická éra systému ateliérů.
Paralelní kino
Paralelní kino (bengálsky: সমান্তরাল চলচ্চিত্র, Samāntarāla calaccitro) neboli Nové indicko kino je filmové hnutí v indickém kině, které vzniklo v padesátých letech 20. století v Západním Bengálsku jako alternativu k tehdejší komerční indicko-bengálské kinematografii.
Paralelní kino, inspirovalo italským neorealismem, vzniklo těsně před francouzskou a japonskou novou vlnou a bylo předchůdcem indického hnutí nové vlně šedesátých let. Hnutí bylo zpočátku vedeno bengálským kinem a vytvořilo mezinárodně uznávaných filmařů, jako jsou Satyajit Ray, Mrinal Sen, Ritwik Ghatak, Tapan Sinha a další. Později získalo význam v dalších filmových odvětvích v Indii.
Je známo svým vážný obsahem, realismem, zaměřením na sociopolitické klima dané doby a obecnou absencí písňových a tanečních rutin, které jsou typickými pro běžné indická kina.
Historie
Kořeny paralelní kina lze vysledovat v indickém divadle a bengálské literatuře. Ve čtyřicátých letech 20. století vznikla řada divadelních společností, které se zaměřovaly na realistická a sociálně uvědomělá představení. Tyto společnosti, jako například Bohurupee a IPTA, ovlivnily celou generaci filmových tvůrců.
V padesátých letech se někteří mladí filmaři v Západním Bengálsku začali odklánět od konvencí komerční kinematografie a hledali inspiraci v italském neorealismu. Film „Pather Panchali“ (Cesta k písni) od Satyajita Raye, natočený v roce 1955, je všeobecně považován za počátek paralelní kina v Indii. Film vyprávěl příběh chudé rodiny žijící ve venkovském Bengálsku a vynikal svým realistickým stylem, použitím neherců a sociálním poselstvím.
V následujících letech se objevilo mnoho dalších významných děl paralelní kina, včetně filmů „Aparajito“ (Nezkrotný) a „Apur Sansar“ (Světem) od Satyajita Raye, „Madhumati“ (Medovinová žena) od Mrinala Sena a „Aradhana“ (Uctívání) od Ritwika Ghataka. Tato díla si získala uznání kritiků a diváků po celém světě a pomohla vytvořit nový standard kvality v indickém kině.
Charakteristika
Paralelní kino se vyznačuje řadou charakteristik, které jej odlišují od komerční kinematografie. Tyto charakteristiky zahrnují:
Realismus: Paralelní kino se zaměřuje na zobrazovaní života tak, jak je, bez idealizace nebo romantizace. Filmy tohoto hnutí často zkoumají sociální problémy, politickou nespravedlnost a lidskou podmínku.
Naturalismus: Paralelní filmy se snaží zachytit každodenní realitu pomocí neherců, improvizovaných dialogů a autentických lokaci.
Vnitřní perspektiva: Paralelní kino se zaměřuje na vnitřní zážitky postav a zkoumá jejich psychologickou hloubku. Filmy tohoto hnutí často používají dlouhé zábery, tiché pasáže a voiceovery, aby divákům umožnily vcítit se do postav.
Sociální angažovanost: Paralelní kino často nese sociální poselstvím a kritizuje sociální nerovnosti, politickou korupci a další problémy. Filmy tohoto hnutí se často snaží vyvolat diskusi a změny ve společnosti.
Formální inovace: Paralelní kino je známé svými formálními inovacemi, včetně experimentů s narativem, střihem, zvukem a kamerou. Filmaři tohoto hnutí často odmítají konvence komerční kinematografie a hledají nové způsoby vyprávění příběhů.
Vliv
Paralelní kino mělo významný vliv na indickou kinematografii i na světové kino. V Indii pomohlo vytvořit nový standard kvality v indickém kině a inspirovalo celou generaci filmařů. Mezi režiséry, kteří byli ovlivněni paralelním kinem, patří Mira Nair, Deepa Mehta, Rituparno Ghosh a Mani Ratnam.
Paralelní kino mělo také vliv na světové kino. Filmy Satyajita Raye, Mrinala Sena a dalších byly promítány na mezinárodních filmových festivalech a získaly uznání kritiků po celém světě. Tyto filmy pomohly změnit vnímání indického kina ve světě a ukázaly, že indická kinematografie může produkovat díla vysoké umělecké hodnoty a sociální relevance.
Paralelní kino zůstává důležitým hnutím v indickém kině a nadale ovlivňuje současnou generaci filmařů. Jeho odkaz spočívá v jeho realistickém stylu, sociálním poselstvím a formálních inovacích, které inspirovaly filmaře po celém světě.
Rudolf Arnheim Rudolf Arnheim (15. července 1904 – 9. června 2007) byl německo-americký spisovatel, teoretik umění a filmu a psycholog zabývající se percepcí. Život a dílo Gestaltpsychologii se naučil při studiu pod vedením Maxe Wertheimera a Wolfganga Köhlera na Berlínské univerzitě a aplikoval ji na umění. Jeho stěžejním dílem byla kniha "Umění a vizuální vnímání: Psychologie kreativního oka" (1954). Mezi další významné knihy Arnheima patří "Vizuelní myšlení" (1969) a "Síla středu: Studie kompozice ve výtvarném umění" (1982). Kniha "Umění a vizuální vnímání" byla v roce 1974 revidována, rozšířena a vydána jako nová verze a byla přeložena do čtrnácti jazyků. Žil v Německu, Itálii, Anglii a USA, kde vyučoval na Sarah Lawrence College, Harvardově univerzitě a Michiganské univerzitě. V knize "Umění a vizuální vnímání" se pokusil využít vědu k lepšímu pochopení umění. Ve své pozdější knize "Vizuelní myšlení" (1969) kritizoval předpoklad, že jazyk předchází vnímání. Podle Arnheima je jediným přístupem k realitě, který máme, naše smysly. Tvrdil, že vnímání je silně propojeno s myšlením a že umělecký výraz je dalším způsobem uvažování. V knize "Síla středu" se Arnheim zabýval interakcí umění a architektury na soustředných a mřížkových prostorových vzorcích. Tvrdil, že forma a obsah jsou nedělitelné a že vzorce vytvořené umělci odhalují podstatu lidské zkušenosti.
André Bazin
André Bazin (francouzsky: [bazɛ̃]; 18. dubna 1918 – 11. listopadu 1958) byl uznávaný a vlivný francouzský filmový kritik a teoretik.
Bazin začal psát o filmu v roce 1943 a v roce 1951 spoluzaložil renomovaný filmový časopis Cahiers du cinéma s Jacquesem Doniolem-Valcrozem a Josephem-Marií Lo Ducou. Je známý tím, že tvrdil, že realismus je nejdůležitější funkcí kinematografie. Jeho požadavek na objektivní realitu, hluboké zaostření a absenci montáže souvisí s jeho přesvědčením, že interpretace filmu nebo scény by měla být ponechána na divákovi. Tím se postavil do opozice vůči filmové teorii 20. a 30. let, která zdůrazňovala, jak může kinematografie manipulovat s realitou.
Život a kariéra
Bazin se narodil v Angers ve Francii. Studoval filozofii na École Normale Supérieure de Saint-Cloud. V roce 1943 začal psát o filmu pro různé časopisy, včetně La Revue du cinéma a Esprit. V roce 1951 spoluzaložil Cahiers du cinéma, který se stal jedním z nejvlivnějších filmových časopisů na světě.
Bazin zemřel v Nogent-sur-Marne ve Francii ve věku 40 let na leukemii.
Filmová teorie
Bazin věřil, že realismus je nejdůležitější funkcí kinematografie. Tvrdil, že film má jedinečnou schopnost zachytit realitu způsobem, který je jiným uměleckým formám nemožný.
Bazin byl zastáncem hlubokého zaostření a dlouhých záběrů. Věřil, že tyto techniky umožňují divákům ponořit se do filmového světa a vytvořit si vlastní interpretaci toho, co vidí.
Bazin byl také kritikem montáže. Věřil, že montáž může být použita k manipulaci s divákem a odvádět pozornost od reality filmu.
Odkaz
Bazin je považován za jednoho z nejdůležitějších filmových kritiků a teoretiků všech dob. Jeho práce měla zásadní vliv na vývoj filmové teorie a kritiky a nadále inspiruje filmaře a diváky dodnes.
Mezi Bazinovy nejznámější spisy patří:
Co je to film? (1958)
Kino: Eseje (1958)
Bazin o filmu (1972)
Analytická filozofie Analytická filozofie je odvětví filozofie, které využívá analýzu a je rozšířené v západním světě, zejména v anglosaských zemích. Zrodilo se kolem přelomu 20. století v soudobé éře ve Spojeném království, Spojených státech, Kanadě, Austrálii, na Novém Zélandu a ve Skandinávii a pokračuje dodnes. Analytická filozofie je často stavěna do protikladu ke kontinentální filozofii, což je zastřešující pojem pro jiné metody rozšířené v Evropě. [1] Ústředními postavami v tomto historickém vývoji analytické filozofie jsou Gottlob Frege, Bertrand Russell, G. E. Moore a Ludwig Wittgenstein. Dalšími důležitými postavami v její historii jsou logičtí pozitivisté (zejména Rudolf Carnap), W. V. O. Quine a Karl Popper. Po úpadku logického pozitivismu Saul Kripke, David Lewis a další vedli oživení metafyziky. Alvin Plantinga vedl oživení křesťanské filozofie. Elizabeth Anscombe, Peter Geach, Anthony Kenny a další rozvinuli analytický přístup k tomismu. Analytická filozofie se vyznačuje jasností prózy a důsledností v argumentech, využívá formální logiku a matematiku a v menší míře přírodní vědy. [2] [3] [4] Je známá svým zaměřením na jazyk, tzv. lingvistickým obratem. Analytická filozofie také bere věci po částech, ve "snaze zaměřit filozofickou reflexi na menší problémy, které vedou k odpovědím na větší otázky". [5] [6] Analytická filozofie je často chápána v kontrastu s jinými filozofickými tradicemi, zejména s kontinentálními filozofiemi, jako je existencialismus, fenomenologie a hegelovství. [7] Analytická tradice je dominantní tradicí v západní filozofii od druhé poloviny 20. století. [8] [9] [10] Tato tradice byla kritizována za ahistorismus a odstup od alternativních oborů a outsiderů. [11] [12] [13] [14]
Ferdinand de Saussure
Ferdinand de Saussure byl švýcarský lingvista, sémiotik a filozof. Jeho myšlenky položily základy pro mnoho významných objevů v lingvistice i sémiotice ve 20. století. Je všeobecně považován za jednoho ze zakladatelů lingvistiky 20. století a jednoho ze dvou hlavních zakladatelů (spolu s Charlesem Sandersem Peircem) sémiotiky, kterou Saussure nazýval sémiologií. Jeden z jeho překladatelů, Roy Harris, shrnul Saussurův přínos pro lingvistiku a studium "celého spektra lidských věd". Je obzvláště výrazný v lingvistice, filozofii, psychoanalýze, psychologii, sociologii a antropologii." Přestože byly v průběhu času rozšířeny a kritizovány, dimenze organizace zavedené Saussurem nadále ovlivňují současné přístupy k fenoménu jazyka. Jak uvedl Leonard Bloomfield po prostudování Saussurova kurzu: "Dal nám teoretický základ pro vědu o lidské řeči".
Život a kariéra
Ferdinand de Saussure se narodil 26. listopadu 1857 v Ženevě ve Švýcarsku. Jeho otec, Henri-Louis Saussure, byl přírodovědec a entomolog. Jeho matka, Louise de Pourtalès, byla dcerou švýcarského politika. Saussure projevoval jazykový talent již v raném věku a v 15 letech již ovládal několik jazyků, včetně latiny, řečtiny, němčiny, angličtiny a sanskrtu.
V roce 1875 začal Saussure studovat lingvistiku na univerzitě v Ženevě. V roce 1878 odešel do Lipska, kde studoval u Augusta Leskiena, jednoho z předních lingvistů té doby. V roce 1880 získal doktorát na univerzitě v Lipsku s prací o systému samohlásek v indoevropských jazycích.
Po získání doktorátu působil Saussure několik let jako profesor na univerzitách v Paříži a Berlíně. V roce 1891 se vrátil do Ženevy, kde působil jako profesor lingvistiky až do své smrti v roce 1913.
Myšlenky
Saussurovy myšlenky měly zásadní vliv na vývoj lingvistiky a sémiotiky. Jeho nejvýznamnějším dílem je Cours de linguistique générale (Kurz obecné lingvistiky), který byl publikován posmrtně v roce 1916. V tomto díle Saussure rozvinul řadu klíčových myšlenek, včetně:
Rozlišení mezi langue a parole: Langue je abstraktní systém jazyka, který sdílejí všichni mluvčí. Parole je konkrétní realizace jazyka v řeči nebo psaní.
Znamení: Znamení je jednotka jazyka, která se skládá ze dvou částí: signifikátu (pojmu) a signifikantu (zvukové podoby).
Arbitrarita znaku: Znak je svévolný v tom smyslu, že neexistuje přirozený vztah mezi signifikátem a signifikátem.
Synchronie a diachronie: Synchronie je studium jazyka v daném časovém bodě. Diachronie je studium jazyka v průběhu času.
Odkaz
Saussurovy myšlenky měly zásadní vliv na vývoj lingvistiky a sémiotiky. Jeho práce byla přeložena do mnoha jazyků a je stále studována a diskutována lingvisty a sémiotiky z celého světa.
Zde je několik dalších klíčových myšlenek z Saussurova díla:
Jazyk je systém: Jazyk není jen soubor slov a pravidel. Je to systém, ve kterém jsou všechny části vzájemně propojeny.
Jazyk je sociální: Jazyk není individuální jev. Je to společenský jev, který se učíme a používáme v interakci s ostatními.
Jazyk je dynamický: Jazyk se neustále mění. Je to živý organismus, který se přizpůsobuje potřebám mluvčích.
Feministická filmová teorie
Feministická filmová teorie je teoretická kritika filmu odvozená z feministické politiky a feministické teorie ovlivněné druhou vlnou feminismu a vznikla kolem 70. let ve Spojených státech. S pokrokem ve filmu v průběhu let se feministická filmová teorie vyvíjela a měnila, aby analyzovala současné způsoby filmu a také se vracela k analýze minulých filmů. Feministky mají mnoho přístupů k analýze filmu, pokud jde o analyzované filmové prvky a jejich teoretické základy.
Historie
Feministická filmová teorie vznikla jako reakce na nedostatek zastoupení žen ve filmovém průmyslu a na způsob, jakým byly ženy zobrazovány ve filmech. Rané feministky se zaměřovaly na analýzu způsobu, jakým filmy zobrazovaly ženy jako objekty a jak posilovaly patriarchální hodnoty. V průběhu let se feministická filmová teorie vyvinula a začala se zabývat širší škálou témat, včetně reprezentace rasy, třídy a sexuality ve filmu.
Klíčové koncepty
Některé z klíčových konceptů feministické filmové teorie zahrnují:
Pohled muže: Teorie, že filmy jsou tradičně vytvářeny z mužského pohledu a že tento pohled často vede k tomu, že ženy jsou zobrazovány způsobem, který je objektivizující a stereotypní.
Reprezentace: Analýza způsobu, jakým jsou ženy zobrazovány ve filmech, včetně typů rolí, které hrají, a způsobu, jakým jsou tyto role psány a režírovány.
Moc: Zkoumání toho, jak filmy zobrazují mocenské vztahy mezi muži a ženami a jak tyto vztahy mohou být posilovány nebo zpochybňovány prostřednictvím filmu.
Feministická filmová kritika
Feministická filmová kritika se snaží odhalit a kritizovat patriarchální hodnoty a ideologie, které se v mnoha filmech vyskytují. Feministky se často zaměřují na způsob, jakým filmy zobrazují ženy, rasu a sexualitu, a na to, jak tyto reprezentace mohou posilovat nerovnost a útlak.
Dopad
Feministická filmová teorie měla významný dopad na filmový průmysl a na způsob, jakým se díváme na filmy. Pomohla zvýšit povědomí o problémech reprezentace a moci ve filmu a vedla k vytvoření filmů, které jsou inkluzivnější a kritické vůči patriarchálním hodnotám.
Současné trendy
V současnosti se feministická filmová teorie zabývá řadou témat, včetně:
Intersekcionalita: Analýza toho, jak se různé formy útlaku, jako je rasa, třída a sexualita, protínají a vytvářejí jedinečné zkušenosti pro ženy.
Globální feminismus: Zkoumání toho, jak jsou ženy zobrazovány ve filmech z různých kultur a jak tyto reprezentace odrážejí různé patriarchální struktury.
Digitální feminismus: Analýza toho, jak se feministická teorie aplikuje na digitální média, jako jsou sociální média a videohry.
Závěr
Feministická filmová teorie je důležitou a vlivnou oblastí studia, která přinesla nové poznatky o způsobu, jakým filmy zobrazují ženy a jak tyto reprezentace mohou posilovat nebo zpochybňovat patriarchální hodnoty. Pokračuje ve vývoji a poskytuje kritický rámec pro analýzu a kritiku filmů.
Jacques Lacan
Jacques Marie Émile Lacan (1901-1981) byl francouzský psychoanalytik a psychiatr. Byl popsán jako „nejkontroverznější psychoanalytik od dob Freuda“ a v letech 1953-1981 vedl v Paříži každoroční semináře a publikoval články, které byly později shromážděny v knize Écrits. Byly také publikovány přepisy jeho seminářů z let 1954-1976. Jeho práce měla významný vliv na kontinentální filozofii a kulturní teorii v oblastech jako poststrukturalismus, kritická teorie, feministická teorie a filmová teorie, stejně jako na samotnou praxi psychoanalýzy.
Lacan se ujal celé řady freudovských konceptů a diskutoval o nich, zdůrazňoval filozofický rozměr Freudova myšlení a aplikoval koncepty odvozené ze strukturalismu v lingvistice a antropologii na jejich rozvoj ve své vlastní práci, kterou dále rozšiřoval použitím vzorců z predikátové logiky a topologie. Přijetí tohoto nového směru a zavedení kontroverzních inovací do klinické praxe vedlo k vyloučení Lacana a jeho následovníků z Mezinárodní psychoanalytické asociace. Lacan následně založil nové psychoanalytické instituce, aby propagoval a rozvíjel svou práci, kterou prohlásil za „návrat k Freudovi“, v opozici k převládajícím trendům v psychologii a institucionální psychoanalýze, které byly spolčené s přizpůsobením se společenským normám.
Hlavní myšlenky
Lacanovo dílo je komplexní a těžko srozumitelné, ale některé z jeho klíčových myšlenek lze shrnout takto:
Zrcadlová fáze: Jedná se o koncept, který Lacan vyvinul, aby popsal, jak se děti učí vnímat sebe sama jako samostatné bytosti. Lacan tvrdil, že děti se ve věku kolem šesti měsíců začínají identifikovat se svým odrazem v zrcadle a že tento proces je zásadní pro vývoj ega.
Reálné, Symbolické a Imaginární: Lacan rozdělil lidskou psychiku do tří oblastí: Reálné, Symbolické a Imaginární. Reálné je oblast toho, co je mimo jazyk a poznání. Symbolické je oblast jazyka a kultury. Imaginární je oblast obrazu sebe sama a druhých.
Graf touhy: Jedná se o grafické znázornění Lacanovy teorie touhy. Graf se skládá z několika kruhů, které představují různé fáze touhy. Lacan tvrdil, že touha je vždy zaměřena na něco, co nemůžeme mít.
Rozštěpený subjekt: Lacan tvrdil, že subjekt je vždy rozštěpený mezi vědomé a nevědomé. Vědomé je oblast toho, co si uvědomujeme, zatímco nevědomé je oblast toho, co je mimo naše vědomí.
Objet petit a: Jedná se o pojem, který Lacan použil k označení objektu, který představuje ztracenou jednotu ega. Lacan tvrdil, že tento objekt je vždy přítomen v nevědomí a že je to to, co nás nutí toužit.
Vliv
Lacanovo dílo mělo významný vliv na mnoho různých oborů, včetně filozofie, literární teorie, umělecké kritiky a kulturních studií. Byl také vlivným učitelem a jeho studenti pokračovali v rozvoji jeho myšlenek a jejich aplikaci na různé oblasti.
Kritika
Lacanovo dílo bylo také kritizováno za to, že je obtížně srozumitelné, že je příliš spekulativní a že je příliš závislé na Freudovi. Někteří kritici také tvrdili, že Lacanova práce je příliš elitářská a že je přístupná pouze těm, kteří mají pokročilé vzdělání v psychoanalýze.
Odkaz
Přes kritiku zůstává Lacan jednou z nejvlivnějších postav v historii psychoanalýzy. Jeho práce byla přeložena do více než 30 jazyků a byla předmětem četných knih, článků a konferencí. Lacanův odkaz bude pravděpodobně i nadále předmětem debaty a výzkumu po mnoho let.