Jacques Lipchitz Jacques Lipchitz, vlastním jménem Chaim Jacob Lipschitz, byl kubistický sochař, který se narodil 22. srpna 1891 v Druskininkách v Litvě a zemřel 26. května 1973 na Capri v Itálii. Měl francouzské a americké občanství. Lipchitz studoval na École des Beaux-Arts v Paříži. Jeho raná díla z let 1915–16 vykazovala vysoce figurativní a čitelné prvky, ale později začal používat syntetický styl krystalického kubismu, který potlačil naturalistické a popisné elementy. V roce 1920 uspořádal Lipchitz svou první samostatnou výstavu v pařížské galerii Léonce Rosenberga Galerie L'Effort Moderne. Byl považován za součást Pařížské školy. Před nacisty uprchl do Spojených států, kde se usadil v New Yorku a později v Hastings-on-Hudson.
Isamu Noguchi: Americký umělec a krajinářský architekt Isamu Noguchi (1904-1988) byl americký umělec a krajinářský architekt, jehož umělecká kariéra trvala šest desetiletí od 20. let 20. století. Život a dílo Noguchi se narodil v Los Angeles japonskému otci a americké matce. Studoval na Columbia University v New Yorku a poté cestoval po Evropě a Asii, kde se seznámil s různými uměleckými styly a technikami. V roce 1929 se Noguchi vrátil do New Yorku a začal se věnovat sochařství. Jeho raná díla byla ovlivněna modernistickým uměním a japonskou estetikou. Později se jeho styl vyvinul směrem k abstrakci a biomorfismu. Noguchi je známý především svými sochami, které jsou často velké a veřejně přístupné. Mezi jeho nejznámější díla patří "Černé slunce" v Seattlu, "Nebeská brána" v japonském Tochigi a "Červená kostka" v New Yorku. Kromě sochařství se Noguchi věnoval také krajinářské architektuře. Navrhl několik veřejných parků a zahrad, včetně Moerenuma Parku v Sapporu v Japonsku. Design nábytku a lamp Noguchi také navrhoval nábytek a lampy. V roce 1947 začal spolupracovat se společností Herman Miller a vytvořil řadu ikonických kusů nábytku, včetně Noguchiho stolku. Noguchiho lampy, známé jako "Akari", jsou vyrobeny z ručního papíru a jsou inspirovány tradičními japonskými lucernami. Jsou známé svou teplou, rozptýlenou září. Ocenění a odkaz Noguchi získal během svého života řadu ocenění, včetně Logan Medal of the Arts, Gold Medal of the Architectural League of New York a National Medal of Arts. Po jeho smrti byla v New Yorku založena nadace Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, která uchovává a vystavuje jeho dílo. Noguchiho umění je dodnes ceněno pro svou krásu, originalitu a trvalý vliv na moderní umění a design.
Jean Tinguely Jean Tinguely (22. května 1925 – 30. srpna 1991) byl švýcarský sochař, který proslul svými kinetickými uměleckými stroji (oficiálně nazývanými Métamatics), které rozšířily tradici dadaismu do druhé poloviny 20. století. Tinguelyho umění satirizovalo automatizaci a technologickou nadprodukci materiálních statků. Život a kariéra Tinguely se narodil ve Fribourgu ve Švýcarsku. Vyrůstal v Basileji, kde navštěvoval uměleckou školu. Později studoval v Paříži a Římě. V roce 1951 se oženil s Evou Aeppliovou, se kterou měl tři děti. V roce 1960 se s ní rozvedl a oženil se s Niki de Saint Phalleovou, francouzskou umělkyní. S ní měl dvě děti. Tinguelyho první samostatná výstava se konala v roce 1954 v Galerii Denise René v Paříži. V roce 1960 se zúčastnil výstavy New Realists v galerii Sidney Janis v New Yorku. V roce 1961 byl pověřen vytvořením fontány pro Světovou výstavu v Bruselu. Fontána, nazvaná Métamatic 12, byla interaktivní sochou, která stříkala vodu na návštěvníky. V 60. letech Tinguely pokračoval ve vytváření kinetických soch. V roce 1966 vytvořil své nejslavnější dílo, Hommage à New York. Socha byla postavena v zahradách Muzea moderního umění v New Yorku a skládala se z 17 pohyblivých částí, které se aktivovaly pomocí motoru. V 70. letech Tinguely vytvořil řadu velkých soch, které byly umístěny ve veřejných prostorách po celém světě. V roce 1977 vytvořil Cyclop, obří sochu s jedním okem, která byla umístěna v Paříži. V roce 1983 vytvořil Fontaňu Igor Stravinskij v Paříži. Tinguely zemřel v Bernu ve Švýcarsku v roce 1991 ve věku 66 let. Umělecký styl Tinguelyho umělecký styl byl charakteristický jeho použitím nalezených předmětů a pohyblivých částí. Jeho sochy byly často vyrobeny z kovových šrotů a jiných nalezených materiálů. Byly poháněny elektromotory a navrženy tak, aby se pohybovaly a vydávaly zvuky. Tinguelyho umění bylo často satirické. Jeho sochy kritizovaly automatizaci a technologickou nadprodukci materiálních statků. Často také odkazovaly na umělecké hnutí dadaismus, které se vyznačovalo svým anti-uměleckým přístupem. Dědictví Tinguely je považován za jednoho z nejvýznamnějších umělců 20. století. Jeho sochy jsou zastoupeny ve sbírkách muzeí po celém světě. Jeho odkaz nadále ovlivňuje současné umělce.
Philip Pavia (1911-2005) Philip Pavia byl americký umělec italského původu, který výrazně ovlivnil kulturu. Proslul svými rozptýlenými sochami a figurálními abstrakcemi a také debatou, kterou vyvolal mezi mnoha nejvýznamnějšími uměleckými mysliteli 20. století. Jako zakladatel Newyorské školy abstraktního expresionismu „mnoho udělal pro přesun epicentra modernismu z Paříže do New Yorku“, a to jak jako zakládající organizátor The Club, tak jako zakladatel, redaktor a vydavatel krátkodobého, ale vlivného uměleckého časopisu It Is: A Magazine for Abstract Art. Odkaz na časopis se objevuje v archivech více než dvou tuctů slavných uměleckých osobností, včetně Pabla Picassa, Peggy Guggenheimové a uměleckého kritika Clementa Greenberga. The Club je připisována inspirace vlivné eseji uměleckého kritika Harolda Rosenberga „Američtí akční malíři“ a historické 9. Street Show. Mládí a vzdělání Philip Pavia se narodil 16. března 1911 v Bridgeportu ve státě Connecticut. Studoval na Yaleově univerzitě, Art Students League a Accademia delle Belle Arti. Kariéra Pavia se stal významnou postavou v uměleckém světě v 50. letech 20. století. Byl členem skupiny umělců známé jako „The Club“, která se scházela v jeho ateliéru na 8. ulici v New Yorku. Mezi členy klubu patřili Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning a Franz Kline. Pavia byl také zakladatelem, redaktorem a vydavatelem časopisu It Is: A Magazine for Abstract Art. Časopis publikoval díla významných abstraktních expresionistů, včetně Pollocka, Rothka a Kline. Paviovo vlastní umělecké dílo se vyznačovalo používáním rozptýlených objektů a figurálních abstrakcí. Jeho sochy byly často vyrobeny z nalezených předmětů, jako jsou kousky dřeva, kovu a skla. Jeho obrazy byly často abstraktní, ale obsahovaly také figurativní prvky. Odkaz Philip Pavia zemřel 13. dubna 2005 ve věku 94 let. Jeho dílo je zastoupeno v mnoha významných muzeích po celém světě, včetně Muzea moderního umění v New Yorku a Tate Modern v Londýně. Pavia je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců 20. století. Jeho dílo pomohlo definovat abstraktní expresionismus a jeho časopis It Is sehrál důležitou roli při propagaci tohoto hnutí.
David Smith
Životopis
Roland David Smith (9. března 1906 – 23. května 1965) byl vlivný a inovativní americký sochař a malíř abstraktního expresionismu, známý především pro vytváření velkých abstraktních geometrických soch z oceli.
Smith se narodil v Indianě a zpočátku se věnoval malířství, které studoval na Art Students League v New Yorku v letech 1926 až 1930. V počátcích 30. let však došlo v jeho umělecké cestě k zásadní změně, když se zaměřil na sochařství. V této rané fázi své kariéry vytvářel svařované kovové konstrukce, které zahrnovaly průmyslové objekty, což předznamenalo pozdější vývoj v sochařství.
Ve 40. a 50. letech 20. století se jeho práce posunula k osobnějším sochám inspirovaným krajinou. Tato díla měla jemnou lineární kvalitu, podobnou kresbě v kovu, a odrážela estetiku soudobé malby. Smith si zejména pěstoval silná přátelství s renomovanými malíři abstraktního expresionismu, včetně Jacksona Pollocka a Roberta Motherwella, což naznačuje prolínání mezi různými uměleckými formami v tomto období.
Koncem 50. let 20. století začaly jeho sochy nabývat monumentálních rozměrů. Díky použití překrývajících se geometrických desek z vysoce leštěné oceli získala jeho díla reduktivní a geometrickou estetiku. Tato masivní díla ze 60. let 20. století jsou považována za předchůdce minimálních „primárních struktur“, které se objevily později v tomto desetiletí, což dále dokládá Smithův pokrokový přístup k sochařství.
Dílo
Smithovo dílo se vyznačuje řadou klíčových rysů:
Použití oceli: Smith byl jedním z prvních sochařů, kteří ve své práci rozsáhle používali ocel. Tento materiál mu umožnil vytvářet velké a trvanlivé sochy, které odolaly povětrnostním vlivům.
Abstraktní geometrické formy: Smithovy sochy jsou většinou abstraktní a využívají geometrické tvary, jako jsou čtverce, kruhy a trojúhelníky. Tyto tvary vytvářejí pocit stability a harmonie.
Monumentální rozměry: Smithovy sochy jsou často monumentální, což umocňuje jejich působivost a přítomnost v prostoru.
Vývoj v čase: Smithovo dílo se v průběhu času vyvíjelo. Jeho rané práce byly více figurální, zatímco jeho pozdější práce byly abstraktnější a geometričtější.
Odkaz
David Smith je považován za jednoho z nejvýznamnějších sochařů 20. století. Jeho dílo mělo velký vliv na další generaci sochařů a jeho sochy jsou vystaveny v prestižních muzeích a galeriích po celém světě. Smithův odkaz spočívá v jeho inovativním použití oceli, jeho průkopnickém přístupu k abstraktní sochařství a jeho vlivu na další umělce.
Mark di Suvero
Mark di Suvero, vlastním jménem Marco Polo di Suvero, se narodil 18. září 1933 v Šanghaji v Číně. Je abstraktní expresionistický sochař, který v roce 2010 obdržel Národní medaili za umění.
Raný život a vzdělání
Di Suvero se narodil italským rodičům v Šanghaji, kde jeho otec pracoval jako inženýr. V roce 1941, když mu bylo osm let, se rodina přestěhovala do San Francisca. Di Suvero se začal zajímat o umění již v raném věku a navštěvoval umělecké kurzy v San Francisco Art Institute.
Po absolvování střední školy studoval di Suvero na Kalifornské univerzitě v Santa Barbaře a poté na Kalifornské univerzitě v Berkeley, kde v roce 1957 získal bakalářský titul v oboru umění.
Umělecká kariéra
Po ukončení studia se di Suvero přestěhoval do New Yorku, kde se stal součástí umělecké scény. Začal experimentovat s různými materiály, včetně dřeva, kovu a betonu, a vytvářel sochy, které byly často velké a abstraktní.
Di Suverova díla se vyznačují výrazným použitím geometrických tvarů a silných linií. Jeho sochy jsou často pohyblivé a diváky vyzývají, aby se s nimi zapojili.
Di Suvero se stal známým v 60. letech 20. století díky své účasti na výstavách, jako byla výstava "Primary Structures" v židovském muzeu v New Yorku v roce 1966. Jeho díla byla vystavena v mnoha významných muzeích a galeriích po celém světě.
Ocenění a uznání
Di Suvero získal za svou práci četná ocenění, včetně:
Cena Heinze (2005)
Národní medaile za umění (2010)
Zlatá medaile Americké akademie umění a literatury (2013)
Jeho díla jsou zastoupena v mnoha významných veřejných a soukromých sbírkách po celém světě.
Osobní život
Di Suvero byl dvakrát ženatý. Jeho první manželství s Marií Teresou Capparotou skončilo rozvodem. V roce 1993 se oženil s Kate D. Levin. Má tři děti.
Di Suvero žije a pracuje v New Yorku.
Carl Andre Carl Andre se narodil 16. září 1935 v Quincy ve státě Massachusetts. Je americkým minimalistickým umělcem, který je známý svými lineárními a mřížkovými sochami a také podezřením z vraždy své manželky, současné umělkyně Any Mendiety. Jeho sochy se pohybují od velkých veřejných děl (například Stone Field Sculpture, 1977 v Hartfordu, Connecticut a Lament for the Children, 1976 v Long Island City, New York) až po velká vnitřní díla vystavovaná na podlaze (například 144 Magnesium Square, 1969) a malé intimní práce (například Satier: Zinc on Steel, 1989 a 7 Alnico Pole, 2011). Andre se oženil se sochařkou Any Mendietou. V roce 1985 vypadla z okna jejich bytu a zemřela po hádce s ním. V roce 1988 byl v soudním řízení zproštěn obvinění z vraždy druhého stupně, ale Mendietiny příznivkyně protestovaly na jeho následujících výstavách. Dílo Andreovo dílo je charakteristické svou jednoduchostí a opakováním. Často používá základní geometrické tvary, jako jsou čtverce, obdélníky a trojúhelníky, a řadí je do lineárních nebo mřížkových formací. Jeho sochy jsou často vyrobeny z průmyslových materiálů, jako je ocel, hliník a dřevo. Andre je známý svým důrazem na proces a materiál. Často se vyhýbá používání tradičních sochařských technik, jako je modelování a odlévání, a místo toho používá průmyslové procesy, jako je svařování a řezání. Jeho sochy jsou často vyrobeny z neupravených materiálů a zachovávají si stopy výrobního procesu. Andreho dílo bylo ovlivněno minimalistickým hnutím, které vzniklo v 60. letech 20. století. Minimalisté se snažili vytvořit umění, které bylo redukováno na své základní prvky a zbaveno všech zbytečných ozdob. Andreho sochy jsou příkladem tohoto přístupu, protože jsou jednoduché, geometrické a vyrobené z průmyslových materiálů. Výstavy Andre vystavoval svá díla na řadě významných výstav, včetně Documenta v Kasselu v Německu a Bienále v Benátkách v Itálii. Jeho dílo je zastoupeno v mnoha veřejných a soukromých sbírkách po celém světě. Ocenění Andre získal řadu ocenění za svou práci, včetně ceny Skowhegan Medal for Sculpture v roce 1997 a ceny Praemium Imperiale v roce 2005. Dědictví Carl Andre je jedním z nejdůležitějších minimalistických umělců. Jeho dílo mělo významný vliv na vývoj současného umění a nadále inspiruje umělce po celém světě.
Louise Nevelsonová Louise Nevelsonová (23. září 1899 – 17. dubna 1988) byla americká sochařka známá svými monumentálními, monochromatickými dřevěnými nástěnnými a venkovními sochami. Narodila se v Poltavské gubernii Ruské říše (dnešní Kyjevská oblast, Ukrajina) a na počátku 20. století emigrovala se svou rodinou do Spojených států. Nevelsonová se naučila anglicky ve škole, protože doma mluvila jidiš. Na počátku 30. let 20. století navštěvovala umělecké kurzy na Art Students League v New Yorku a v roce 1941 měla svou první samostatnou výstavu. Nevelsonová experimentovala s raným konceptuálním uměním využívajícím nalezené předměty a zabývala se malbou a grafikou, než se plně věnovala sochařství. Její sochy, obvykle vytvořené ze dřeva, působí jako skládačka s mnoha složitě vyřezávanými kusy umístěnými do nástěnných soch nebo samostatně stojících kusů, často 3D. Sochy jsou typicky malovány monochromaticky černou nebo bílou barvou. Nevelsonová byla významnou osobností mezinárodní umělecké scény a zúčastnila se 31. benátského bienále. Její práce byla zařazena do sbírek muzeí a firem v Evropě a Severní Americe. Nevelsonová zůstává jednou z nejdůležitějších osobností amerického sochařství 20. století. Životopis Louise Nevelsonová se narodila jako Leah Berliawsky 23. září 1899 v Perejaslavi v Poltavské gubernii Ruské říše. Její rodiče byli Židé a její otec byl lesník. V roce 1905 její rodina emigrovala do Spojených států a usadila se v Rocklandu ve státě Maine. Nevelsonová se naučila anglicky ve škole, protože doma mluvila jidiš. V roce 1920 se Nevelsonová přestěhovala do New Yorku, kde studovala umění na Art Students League. V roce 1922 se provdala za Charlese Nevelsona, umělce a sochaře. Manželství se rozpadlo v roce 1931 a Nevelsonová se poté věnovala výchově svého syna Mikea. Ve 30. letech 20. století Nevelsonová začala experimentovat s různými uměleckými médii, včetně malby, grafiky a sochařství. V roce 1941 měla svou první samostatnou výstavu v galerii Mortimer Brandt Gallery v New Yorku. Výstava byla úspěšná a pomohla Nevelsonové získat uznání v uměleckém světě. V 50. letech 20. století Nevelsonová vyvinula svůj charakteristický styl sochařství. Její sochy byly obvykle vyrobeny ze dřeva a byly monochromaticky natřeny černou nebo bílou barvou. Sochy byly často složeny z nalezených předmětů, jako jsou kusy nábytku, dveře a okna. V 60. letech 20. století se Nevelsonová stala jednou z nejuznávanějších sochařek v Americe. V roce 1967 měla retrospektivní výstavu v Muzeu moderního umění v New Yorku. V roce 1979 byla oceněna Národní medailí umění. Nevelsonová zemřela v New Yorku 17. dubna 1988 ve věku 88 let. Je pohřbena na hřbitově Green-Wood v Brooklynu. Dílo Nevelsonová je známá svými monumentálními, monochromatickými dřevěnými nástěnnými a venkovními sochami. Její sochy jsou často složeny z nalezených předmětů, jako jsou kusy nábytku, dveře a okna. Sochy jsou typicky malovány monochromaticky černou nebo bílou barvou. Nevelsonová byla ovlivněna kubismem a dadaismem. Její sochy jsou často fragmentované a abstraktní. Využívají také prvků nalezených předmětů a koláže. Nevelsonová vytvořila mnoho veřejných uměleckých děl, včetně sochy "Dawn's Wedding Feast" (1963) na náměstí Chase Plaza v Chicagu a sochy "Sky Gate" (1975) v New York City. Její díla jsou také zastoupena v mnoha muzeích a galeriích po celém světě. Odkaz Nevelsonová je považována za jednu z nejdůležitějších osobností amerického sochařství 20. století. Její díla jsou ceněna pro svou originalitu, sílu a krásu. Nevelsonová inspirovala mnoho dalších umělců a její práce nadále ovlivňuje současné umění.
Robert Morris Robert Morris (9. února 1931 – 28. listopadu 2018) byl americký sochař, konceptuální umělec a spisovatel. Byl považován za jednoho z nejvýznamnějších teoretiků minimalismu společně s Donaldem Juddem, ale také významně přispěl k rozvoji performance art, land art, hnutí Process Art a instalačního umění. Morris žil a pracoval v New Yorku. V roce 2013 vydalo nakladatelství MIT Press v rámci řady October Files svazek o Morrisovi, který zkoumal jeho dílo a vliv, a který editovala Julia Bryan-Wilsonová. Časný život a vzdělání Robert Morris se narodil 9. února 1931 v Kansas City v Missouri. Studoval na University of Kansas, Kansas City Art Institute, Reed College a Hunter College. Kariéra Morrisova kariéra začala v 60. letech 20. století, kdy se stal jedním z průkopníků minimalismu. Jeho minimalistická díla se vyznačovala jednoduchými geometrickými tvary a materiály, jako jsou ocel, dřevo a beton. V průběhu 60. let se Morrisův zájem rozšířil i na performance art, land art a instalaci. Jeho díla z tohoto období byla často interaktivní a zkoumala vztah mezi divákem a uměleckým dílem. V 70. letech 20. století se Morrisův styl stal ještě konceptuálnější. Začal vytvářet díla, která zkoumala procesy a materiály samotného umění. Tato díla byla často složitá a vyžadovala od diváka aktivní zapojení. V 80. a 90. letech 20. století pokračoval Morris ve zkoumání nových uměleckých forem. Vytvářel sochy, instalace a kresby, které byly často ovlivněny architekturou a krajinou. Jeho díla z tohoto období byla často monumentální a zkoumala vztah mezi člověkem a jeho prostředím. Odkaz Robert Morris je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců 20. století. Jeho dílo mělo zásadní vliv na vývoj minimalismu, performance art, land art a instalace. Morris byl také plodným spisovatelem a teoretikem, jehož spisy měly významný vliv na uměleckou teorii a kritiku. Osobní život Robert Morris byl čtyřikrát ženatý. Jeho první manželkou byla tanečnice Simone Forti, se kterou se oženil v roce 1962. Rozvedli se v roce 1969. V roce 1971 se oženil s umělkyní Priscillou Johnsonovou, se kterou měl dvě děti. Rozvedli se v roce 1978. V roce 1986 se oženil s malířkou Lucií Michels, se kterou žil až do své smrti v roce 2018. Robert Morris zemřel 28. listopadu 2018 v Kingstonu ve státě New York ve věku 87 let.
Richard Serra Richard Serra se narodil 2. listopadu 1938 v San Francisku v Kalifornii. Je americký umělec známý svými rozsáhlými sochami vytvářenými pro konkrétní místa v krajině, ve městě a v architektonickém prostředí. Serrovy sochy jsou pozoruhodné svou materiálovou kvalitou a zkoumáním vztahu mezi divákem, dílem a místem. Od poloviny 60. let 20. století Serra pracoval na radikalizaci a rozšíření definice sochařství, počínaje svými ranými experimenty s gumou, neonem a olovem až po jeho rozsáhlá ocelová díla. Serra studoval na Kalifornské univerzitě v Berkeley, Kalifornské univerzitě v Santa Barbaře a na Yaleově univerzitě, kde získal bakalářský titul v oboru výtvarných umění (B.F.A.) v roce 1962 a magisterský titul v oboru výtvarných umění (M.F.A.) v roce 1964. Serra je spojen s hnutími minimalismu a process artu. Minimalismus je umělecký směr, který se vyznačuje jednoduchostí, geometrickými tvary a omezenou paletou barev. Process art je umělecký směr, který se zaměřuje na proces tvorby díla spíše než na konečný produkt. Serrovy sochy jsou často monumentální a jejich umístění je nedílnou součástí jejich významu. Jeho díla zkoumají vztah mezi divákem a sochou, stejně jako vztah mezi sochou a jejím okolím. Serra byl oceněn řadou cen, včetně Ceny Wolf ve výtvarném umění v roce 2010. Jeho díla jsou zastoupena v mnoha významných muzeích po celém světě. Serra je ženatý s umělkyní Clarou Weyergraf. Mají spolu dvě děti.