James Turrell (
6. května 1943) je americký umělec, který je známý svou prací v rámci hnutí Light and Space (Světlo a prostor). Velká část Turrellova kariéry byla věnována stále nedokončenému dílu Roden Crater, což je přirozený sopečný kráter nacházející se mimo Flagstaff v Arizoně, který přetváří na obrovskou observatoř pro pozorování pouhým okem; a také jeho sérii Skyspaces (Nebeské prostory), což jsou uzavřené prostory, které rámují oblohu. V roce 1984 se Turrell stal MacArthur Fellow.
Raný život a kariéra
Turrell se narodil v Los Angeles v Kalifornii a vyrůstal v Pasadeně. Začal studovat psychologii a matematiku na Pomona College, ale nakonec přešel na uměleckou školu. V roce 1965 získal bakalářský titul z umělecké tvorby a v roce 1973 získal magisterský titul z umění na Claremont Graduate University.
Turrellova raná díla byla ovlivněna hnutím Light and Space, které se vyznačovalo používáním světla a prostoru jako primárních uměleckých materiálů. Turrell začal vytvářet díla, která využívala světelné projekce a instalace, aby zkoumal vnímání a prostorové vztahy.
Roden Crater
V roce 1974 Turrell zakoupil Roden Crater, vyhaslý sopečný kráter o průměru 400 metrů a hloubce 120 metrů. Od té doby pracuje na přeměně kráteru na obrovskou observatoř pro pozorování pouhým okem. Turrell vyhloubil tunely a komory uvnitř kráteru a vytvořil otvory, které rámují nebeské objekty, jako je Slunce, Měsíc a hvězdy.
Roden Crater je stále nedokončený, ale je považován za jedno z Turrellových mistrovských děl. Je to dílo monumentálního rozsahu a ambicí, které spojuje umění, vědu a přírodu.
Skyspaces
Skyspaces jsou další významnou sérií Turrellových děl. Jsou to uzavřené prostory, které rámují oblohu a vytvářejí pohlcující světelné zážitky. Turrell využívá barevné filtry a umělé osvětlení k vytvoření iluze nekonečného prostoru a nebeského světla.
Skyspaces byly instalovány v muzeích, galeriích a veřejných prostorech po celém světě. Jsou to meditační prostory, které nabízejí návštěvníkům možnost zpomalit a ocenit krásu a zázrak oblohy.
Pozdější kariéra
Turrell pokračoval ve vytváření děl, která zkoumají vnímání, prostor a světlo. Jeho díla byla vystavena v předních muzeích a galeriích po celém světě a je zastoupen v mnoha významných sbírkách.
V roce 2014 obdržel Turrell Národní medaili za umění od prezidenta Baracka Obamy. V roce 2016 byl zvolen do Americké akademie umění a věd.
Turrell je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců své generace. Jeho díla byla oceněna za jejich krásu, originalitu a schopnost vyvolat u diváků pocit úžasu a úžasu.
Sol LeWitt
Sol LeWitt, celým jménem Solomon LeWitt (9. září 1928 – 8. dubna 2007), byl americký umělec spojovaný s různými směry, včetně konceptuálního umění a minimalismu.
LeWitt se proslavil na konci 60. let svými nástěnnými kresbami a „strukturami“ (termín, který preferoval místo „soch“), ale byl plodný v široké škále médií, včetně kresby, grafiky, fotografie, malby, instalace a uměleckých knih. Od roku 1965 byl předmětem stovek samostatných výstav v muzeích a galeriích po celém světě.
První životopis umělce, Sol LeWitt: A Life of Ideas, od Laryho Blooma, vydalo Wesleyan University Press na jaře 2019.
Život a kariéra
LeWitt se narodil v Hartfordu ve státě Connecticut a studoval na Syracuse University a School of Visual Arts. Svou uměleckou kariéru zahájil v 60. letech 20. století tvorbou abstraktních obrazů a soch. V roce 1965 však začal vytvářet své nástěnné kresby, které se měly stát jeho nejznámějším dílem.
Ná دیواری kresby byly obvykle vytvářeny podle předem daného souboru pokynů. Pokyny mohly být jednoduché, například „nakreslete 100 čar v rovnoběžných řadách“ nebo složitější, například „vytvořte strukturu pomocí 1000 cihel“. Pokyny byly často interpretovány různými umělci a na různých místech, což vedlo k široké škále možných výsledků.
LeWitt také vytvořil řadu „struktur“, které byly trojrozměrné a často se skládaly z jednoduchých geometrických tvarů. Tyto struktury byly často vyrobeny z průmyslových materiálů, jako je kov a dřevo.
Kromě svých nástěnných kreseb a struktur byl LeWitt také plodným grafikem, fotografem a malířem. Vydal také řadu uměleckých knih a spolupracoval s dalšími umělci na různých projektech.
Odkaz
LeWitt je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců své generace. Jeho práce měla velký vliv na vývoj konceptuálního umění a minimalismu. Jeho díla jsou zastoupena v hlavních muzeích a galeriích po celém světě a nadále inspirují umělce i veřejnost.
Některé z LeWittových nejznámějších děl:
Nástěnné kresby č. 122 (1972)
Struktura č. 125 (1973)
Kresba č. 750 (1991)
Umělecká kniha „Paragraphs on Conceptual Art“ (1967)
Dennis Oppenheim Dennis Oppenheim (6. září 1938 – 21. ledna 2011) byl americký konceptuální umělec, performer, landartový umělec, sochař a fotograf. Oppenheimova raná umělecká tvorba je epistemologickým zkoumáním podstaty umění, tvorby umění a definice umění: meta-umění, které vzniklo, když se strategie minimalistů rozšířily na zaměření na místo a kontext. Vedle estetického programu se dílo vyvíjelo od vnímání fyzikálních vlastností galerie k sociálnímu a politickému kontextu, který v posledních dvou desetiletích jeho velmi plodné kariéry převážně nabýval podoby trvalých veřejných soch. Jejich rozmanitost mohla jeho kritiky přivádět k šílenství. Životopis Dennis Oppenheim se narodil 6. září 1938 v Electric City ve Washingtonu. Vystudoval California College of Arts and Crafts a Stanfordovu univerzitu. V roce 1968 se přestěhoval do New Yorku, kde se stal součástí umělecké scény, která zahrnovala umělce jako Richard Serra, Eva Hesse a Vito Acconci. Dílo Oppenheimovo dílo je známé svou různorodostí a experimentální povahou. Pracoval s širokou škálou médií, včetně sochařství, performance, fotografie a videa. Jeho dílo často zkoumalo vztah mezi člověkem a prostředím, stejně jako hranice umění. Jedním z nejznámějších Oppenheimových děl je "Reading Position for a Second Degree Burn" (1970), ve kterém umělec seděl na židli, která byla umístěna na rozpálené ocelové desce. Dílo bylo zamýšleno jako zkoumání bolesti a utrpení a jako komentář k válce ve Vietnamu. Další známou prací je "Decommissioned Monument (to the Missing Monuments of the Hudson River)" (1976), která sestává ze série ponořených kamenných bloků v řece Hudson. Dílo je připomínkou historických památek, které byly z řeky odstraněny, a zároveň je komentářem k pomíjivosti času. Odkaz Dennis Oppenheim byl vlivným umělcem, jehož dílo bylo vystaveno v muzeích a galeriích po celém světě. Jeho dílo bylo chváleno za jeho originalitu, odvahu a schopnost vyvolat silné emoce. Oppenheim zemřel 21. ledna 2011 v New Yorku ve věku 72 let. Jeho dílo nadále inspiruje a provokuje umělce a diváky po celém světě.
Dub Dub je konceptuální umělecké dílo [1], které v roce 1973 vytvořil Michael Craig-Martin (narozen 1941). Toto dílo, popisované jako dub, je instalováno ve dvou jednotkách – nedotčená instalace sklenice vody na skleněné polici na kovových držácích 253 centimetrů nad zemí a text umístěný na zdi. Při první výstavě byl text předáván jako leták. [2] [3] [4] Text má formu otázek a odpovědí o uměleckém díle, ve kterých Craig-Martin popisuje změnu „sklenice vody na plně vzrostlý dub bez změny vlastností sklenice vody“ a vysvětluje, že „skutečný dub je fyzicky přítomen, ale ve formě sklenice vody.“ Craig-Martin považoval „umělecké dílo za způsob, jak odhalit jeho jediný základní a podstatný prvek, víru, která je důvěrnou vírou umělce v jeho schopnost mluvit a ochotnou vírou diváka v přijímání toho, co má říci“. [3] Catholic Herald toto dílo přirovnal k římskokatolické nauce o transsubstanciaci a reálné přítomnosti. [5] Originál se nachází v Národní galerii v Austrálii a kopie umělce je zapůjčena galerii Tate.
Sir Michael Craig-Martin Sir Michael Craig-Martin CBE RA (narozen 28. srpna 1941) je současný konceptuální umělec a malíř irského původu. Je známý svou podporou a přijímáním mladých britských umělců, z nichž mnohé vyučoval, a svým konceptuálním uměleckým dílem An Oak Tree. Je emeritním profesorem výtvarného umění na Goldsmiths. Jeho paměti a rady pro začínající umělce, On Being An Artist, vydalo v dubnu 2015 londýnské nakladatelství Art / Books. Život a kariéra Michael Craig-Martin se narodil v Dublinu v Irsku. Studoval na Yale University a poté se přestěhoval do Londýna, kde žije a pracuje dodnes. V 70. letech 20. století začal vyučovat na Goldsmiths College, kde ovlivnil celou generaci mladých umělců, včetně Damien Hirsta, Tracey Eminové a Sarah Lucasové. Umělecký styl a tvorba Craig-Martin je známý svým konceptuálním uměním, které často využívá každodenní předměty a materiály. Jeho dílo je často minimalistické a zaměřuje se na vztah mezi objektem a jeho reprezentací. Jedním z jeho nejznámějších děl je An Oak Tree, které se skládá z dubového stolu s vyřezaným nápisem "An Oak Tree". Kromě své konceptuální tvorby je Craig-Martin také známý svými malbami. Jeho obrazy jsou často abstraktní a používají jasné barvy a jednoduché tvary. Výstavy a uznání Craig-Martinova díla byla vystavena v předních muzeích a galeriích po celém světě. Měl retrospektivní výstavy v Tate Britain, Muzeu moderního umění v New Yorku a Centre Pompidou v Paříži. Za svou práci získal řadu ocenění, včetně Turner Prize v roce 1989. V roce 2001 byl jmenován velitelem Řádu britského impéria (CBE) a v roce 2016 byl povýšen do šlechtického stavu. Dědictví Michael Craig-Martin je jednou z nejvlivnějších postav současného umění. Jeho dílo pomohlo formovat směr konceptuálního umění a jeho vliv na mladé britské umělce je nepopiratelný.
Chryssa Chryssa, vlastním jménem Chryssa Vardea-Mavromichali (31. prosince 1933 – 23. prosince 2013), byla řecko-americká umělkyně, která pracovala v různých uměleckých médiích. Byla americkou průkopnicí v oblasti světelného umění a luministické sochy a proslula svými instalacemi z neonu, oceli, hliníku a akrylového skla. Profesionálně vždy používala pseudonym Chryssa. Od poloviny 50. let 20. století pracovala v newyorských ateliérech a od roku 1992 v ateliéru, který si založila v aténské čtvrti Neos Kosmos. Životopis Chryssa se narodila v Athénách v Řecku. V roce 1954 se přestěhovala do Paříže, kde studovala na École des Beaux-Arts. V roce 1955 se přestěhovala do New Yorku, kde studovala na Art Students League. V 60. letech 20. století se Chryssa stala známou svými neonovými instalacemi. Její díla byla vystavena v řadě významných galerií a muzeí, včetně Muzea moderního umění v New Yorku a Tate Gallery v Londýně. V 70. letech 20. století začala Chryssa pracovat s jinými materiály, jako je ocel, hliník a akrylové sklo. Její díla z tohoto období jsou často popisována jako minimalistická. V 80. letech 20. století se Chryssa vrátila k práci s neonem. Vytvořila řadu veřejných uměleckých děl, která jsou umístěna v různých městech po celém světě. Chryssa zemřela v roce 2013 v Athénách v Řecku. Její dílo je zastoupeno v řadě významných muzeí a galerií po celém světě. Umělecký styl Chryssino dílo je často popisováno jako minimalistické. Její instalace jsou často jednoduché a geometrické. Často používá světlo jako materiál, aby vytvořila dramatické a působivé efekty. Chryssino dílo bylo ovlivněno řadou uměleckých hnutí, včetně abstraktního expresionismu, minimalismu a pop artu. Její dílo bylo také ovlivněno jejími řeckými kořeny. Dědictví Chryssa je považována za jednu z nejvýznamnějších amerických umělkyň 20. století. Její dílo bylo vystaveno v řadě významných muzeí a galerií po celém světě. Její dílo je zastoupeno v řadě významných sbírek, včetně Muzea moderního umění v New Yorku a Tate Gallery v Londýně.
Jedna a tři židle (1965) je dílo Josepha Kosutha. Jako příklad konceptuálního umění se dílo skládá ze židle, fotografie židle a zvětšené slovníkové definice slova "židle". Fotografie zobrazuje židli tak, jak je skutečně nainstalována v místnosti, a proto se dílo pokaždé změní, když je instalováno na novém místě. Dva prvky díla zůstávají konstantní: kopie slovníkové definice slova "židle" a diagram s pokyny k instalaci. Oba nesou Kosuthův podpis. Podle pokynů má instalatér vybrat židli, umístit ji před zeď a vyfotografovat ji. Tato fotografie má být zvětšena na velikost skutečné židle a umístěna na zeď nalevo od židle. Nakonec má být zvětšenina kopie slovníkové definice zavěšena napravo od židle, její horní okraj zarovnán s okrajem fotografie.
Nam June Paik Nam June Paik (20. července 1932, Soul, Japonsko – 29. ledna 2006, Miami, Florida, USA) byl korejský umělec, který pracoval s různými médii a je považován za zakladatele videoartu. Je mu připisováno první použití (1974) termínu „elektronická superdálnice“ k popisu budoucnosti telekomunikací. Paik se narodil v Soulu do bohaté podnikatelské rodiny a studoval klasickou hudbu. Čas strávil v Japonsku a západním Německu, kde se připojil ke kolektivu Fluxus a spřátelil se s experimentálním skladatelem Johnem Cagem. V roce 1964 se přestěhoval do New Yorku a začal spolupracovat s violoncellistkou Charlotte Moormanovou na vytváření performance art. Brzy poté začal do své tvorby začleňovat televizory a videorekordéry a získal rostoucí slávu. V roce 1996 ho postihla mrtvice, která ho na poslední desetiletí jeho života částečně ochromila. Počátky a vlivy Paik vyrůstal v bohaté rodině v Soulu. Jeho otec byl podnikatel a matka byla klavíristka. Paik začal studovat klavír v útlém věku a později studoval kompozici na Tokijské univerzitě. V roce 1956 se přestěhoval do Německa, kde studoval hudbu na Ludwig-Maximilians-Universität v Mnichově. V Německu se Paik setkal s Fluxusem, hnutím umělců, kteří se zaměřovali na anti-umění a experimenty. Fluxus měl na Paika hluboký vliv a inspiroval ho k tomu, aby se začal věnovat performanci a instalacím. Videoart V roce 1963 Paik vytvořil své první videoartové dílo, „TV Cello“. Jednalo se o violoncello, na kterém byly namontovány čtyři televizory. Paik hrál na violoncello a současně ovládal televizory, které promítaly obrazy a zvuky. „TV Cello“ bylo průkopnické dílo, které pomohlo definovat nový umělecký žánr. V následujících letech Paik pokračoval ve vytváření videoartového díla, zkoumající možnosti nového média. Jeho práce často obsahovala politické a sociální komentáře a zkoumala vztah mezi člověkem a technologií. Instalace Kromě videoartu vytvářel Paik také instalace. Jeho instalace byly často složité a interaktivní, a často používal televizory, videorekordéry a další elektronická zařízení. Paikovy instalace byly často zamýšleny jako prostředí, do kterých mohli diváci vstoupit a prozkoumat. Odkaz Nam June Paik je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců 20. století. Jeho práce pomohla definovat videoart jako nový umělecký žánr a zkoumala vztah mezi člověkem a technologií. Paikovo dílo je vystaveno v muzeích a galeriích po celém světě a jeho odkaz pokračuje v inspiraci umělců dodnes.
Wolf Vostell (14. října 1932 – 3. dubna 1998) byl německý malíř a sochař, považovaný za jednoho z prvních, kdo přijali videoart a instalace a byl průkopníkem happeningů a hnutí Fluxus. Jeho díla se vyznačují technikami jako rozmazávání a dé-coll/age, vkládáním předmětů do betonu a používáním televizorů ve svých dílech. Wolf Vostell byl ženatý se španělskou spisovatelkou Mercedes Vostell a měl dva syny, Davida Vostella a Rafaela Vostella. Počátky a vzdělání Wolf Vostell se narodil 14. října 1932 v Leverkusenu v Německu. Studoval na Kunstakademie Düsseldorf, kde byl žákem Paula Kleeho a Josepha Beuyse. Během studia se setkal s dalšími umělci, kteří později hráli důležitou roli v hnutí Fluxus, jako jsou Nam June Paik a George Maciunas. Happenings a Fluxus Na počátku 60. let se Vostell zapojil do hnutí Fluxus, mezinárodního uměleckého hnutí, které se vyznačovalo happeningy, performancí a multimediálními díly. Vostell pořádal happeningy po celém světě, včetně akcí jako „Dé-coll/age Happening“ v Paříži v roce 1960 a „TV De-collage Happening“ v New Yorku v roce 1963. Dé-coll/age a instalace Vostell je známý svou technikou dé-coll/age, která spočívá v odtržení plakátů a dalších papírových materiálů z ulic a jejich přeměně v umělecká díla. Tuto techniku použil ve svých obrazech, sochách a instalacích. Vostell také vytvářel velké instalace, které často zahrnovaly televizory, rádia a další elektronická zařízení. Videoart Vostell byl jedním z prvních umělců, kteří přijali videoart. V roce 1963 vytvořil svůj první videoart „Sun in Your Head“, který ukazuje jeho ženu Mercedes Vostell s televizorem na hlavě. Vostellovy videoarty často zkoumaly témata médií, technologie a politické propagandy. Pozdější dílo V 70. a 80. letech pokračoval Vostell ve vytváření obrazů, soch a instalací, které zkoumaly politické a sociální otázky. Vytvořil také řadu děl, která se zabývala tématem holocaustu. Vostell zemřel 3. dubna 1998 v Berlíně ve věku 65 let. Dědictví Wolf Vostell je považován za průkopníka videoartu, instalace a happeningů. Jeho dílo mělo velký vliv na další umělce a jeho odkaz pokračuje dodnes. Jeho díla jsou zastoupena v mnoha významných muzeích a galeriích po celém světě.
Duane Hanson: Hyperrealistický sochař každodennosti Duane Elwood Hanson se narodil 17. ledna 1925 v Alexandrii v Minnesotě. Byl americký umělec a sochař známý svými realistickými sochami lidí v životní velikosti. Většinu své kariéry strávil na jihu Floridy. Hansonovy sochy byly vyrobeny z různých materiálů, včetně polyesterové pryskyřice, skleněných vláken, tmelu a bronzu. K vytvoření forem používal lidské modely. Jeho díla se vyznačují hyperrealistickým ztvárněním, které zachycuje detaily každodenního života. Hansonovy sochy často zobrazovaly obyčejné lidi v běžných situacích. Mezi jeho nejznámější díla patří "Turista" (1970), který zachycuje muže s fotoaparátem na krku a kraťasy, a "Čistič bazénu" (1973), který ukazuje muže v pracovním oblečení s kbelíkem a hadicí. Hansonovy sochy byly často vystavovány na veřejných místech, kde vyvolávaly u diváků pocit zvědavosti a zmatku. Cílem jeho umění bylo rozmazat hranice mezi uměním a realitou a přimět lidi, aby přemýšleli o své vlastní existenci. Hansonovy sochy jsou zastoupeny ve stálých sbírkách významných muzeí, jako je Whitney Museum of American Art, San Francisco Museum of Modern Art a Smithsonian. Zemřel 6. ledna 1996 v Boca Raton na Floridě ve věku 70 let. Technika a proces Hansonovy sochy byly vytvořeny pomocí odlévací techniky, kterou vyvinul v průběhu své kariéry. Začínal tím, že vytvořil formu ze sádrového odlitku živého modelu. Poté formu vyložil polyesterovou pryskyřicí a skleněnými vlákny, aby vytvořil skořepinu. Jakmile byla skořepina hotová, byla odstraněna z formy a Hanson začal pracovat na detailech. Použil různé materiály, včetně tmelu, akrylových barev a olejů, aby vytvořil realistické rysy obličeje, kůže a oblečení. Hansonovy sochy byly často velmi přesvědčivé a lidé si je často pletli se skutečnými lidmi. Jeho cílem bylo vytvořit díla, která by byla tak realistická, že by diváci zapomněli, že se dívají na umění. Význam a vliv Hanson byl jedním z průkopníků hyperrealismu, uměleckého hnutí, které vzniklo v 60. letech 20. století. Hyperrealistické sochy byly vytvořeny tak, aby byly co nejvěrnější realitě, často pomocí fotografií jako předloh. Hansonovy sochy byly kontroverzní, když byly poprvé vystaveny, protože mnozí lidé je považovali za příliš realistické a příliš podobné skutečným lidem. Časem se však jeho díla stala široce uznávanými a ovlivnila mnoho dalších umělců. Hansonovy sochy jsou stále vystaveny v muzeích a galeriích po celém světě. Jsou považovány za mistrovská díla hyperrealismu a připomínají nám sílu umění k zachycení každodenní reality.