Marisol Escobar (1963)
Narodila se jako Maria Sol Escobar (1930-05-22) 22. května 1930 v Paříži ve Francii. Zemřela 30. dubna 2016 (2016-04-30) ve věku 85 let v New York City v USA.
Vzdělání
Jepson Art Institute
École des Beaux-Arts
Art Students League of New York
Hans Hofmann School
Známá pro
Sochařství
Asambláž
Významná díla
Ženy a pes
Poslední večeře
Migranti z Dust Bowl
Hnutí otce Damiena
Pop Art, Nový realismus
Ocenění
1997 Premio Gabriela Mistral od Organizace amerických států
American Academy of Arts and Letters (1978)
Marisol Escobar (22. května 1930 – 30. dubna 2016), jinak známá jednoduše jako Marisol, byla venezuelská-americká sochařka narozená v Paříži, která žila a pracovala v New York City. Proslavila se v polovině 60. let, ale během deseti let upadla do relativního zapomnění. Nadále vytvářela svá umělecká díla a na začátku 21. století se vrátila do centra pozornosti, což vyvrcholilo velkou retrospektivní výstavou v roce 2014 organizovanou Memphiským Brooksovým muzeem umění.
Největší retrospektiva Marisoliny tvorby, Marisol: Retrospektiva, byla organizována Buffalským AKG Art Museum a kurátorovaná Cathleen Chaffee pro tato muzea: Montreal Museum of Fine Arts (7. října 2023 – 21. ledna 2024), Toledo Museum of Art (březen–červen 2024), Buffalo AKG Art Museum (12. července 2024 - 6. ledna 2025) a Dallas Museum of Art (23. února–6. července 2025). Ačkoli je doplněna o zápůjčky z mezinárodních muzeí a soukromých sbírek, výstava čerpá především z uměleckých děl a archivních materiálů, které Marisol odkázala Buffalskému AKG Art Museum jako odkaz po své smrti.
Ernest Trova: Sochař a malíř
Ernest Tino Trova (19. února 1927 – 8. března 2009) byl americký malíř a sochař, který se proslavil svými charakteristickými obrazy a sochami Padajícího muže. Své dílo považoval za jediný „probíhající proces“.
Trova se narodil v Claytonu ve státě Missouri a byl samoukem. Začínal jako malíř, postupně se přesunul k trojrozměrným konstrukcím a nakonec ke svému hlavnímu médiu, sochařství. V některých svých dílech používal klasické americké komiksové hračky, protože obdivoval jejich surrealismus. Mnoho Trovových soch je odlito z neobvyklého bílého bronzu.
Trova věnoval čtyřicet svých děl, což vedlo k otevření sochařského parku Laumeier v okrese St. Louis v Missouri.
Umělecký styl
Trovovo dílo je často popisováno jako surrealistické a pop-artové. Jeho obrazy a sochy jsou často plné symboliky a humoru. Často zkoumal témata života, smrti a lidské podmínky.
Dědictví
Trova je považován za jednoho z nejvýznamnějších amerických sochařů 20. století. Jeho dílo je zastoupeno v mnoha významných muzeích a sbírkách po celém světě. Jeho socha Padajícího muže se stala ikonickým obrazem a byla reprodukována v různých formách.
Vybraná díla
Padající muž (1962)
Chůze (1967)
Studie ke Studni (1972)
Sedící postava (1976)
Tanec (1982)
Čtyři postavy (1988)
Trojice (1993)
Studna (1998)
Čtyři věže (2002)
Věž světla (2008)
Robert Graham (sochař)
Robert Graham (19. srpna 1938 – 27. prosince 2008) byl americký sochař mexického původu, který žil a tvořil v Kalifornii ve Spojených státech. Jeho monumentální bronzové sochy oslavují lidskou postavu a jsou vystaveny na veřejných prostranstvích po celé Americe.
Životopis
Robert Graham se narodil 19. srpna 1938 v Mexico City v Mexiku. Jeho otec byl americký lékař a jeho matka byla mexická malířka. V dětství se Graham často stěhoval s rodinou, protože jeho otec pracoval v různých částech Mexika.
V roce 1956 se Graham zapsal na San Jose State College, kde studoval umění. Později přestoupil na San Francisco Art Institute, kde získal titul bakaláře výtvarných umění v roce 1964.
Po ukončení studia začal Graham pracovat jako sochař. Zpočátku se zaměřoval na abstraktní sochy, ale později přešel na figurativní tvorbu. Jeho rané figurální sochy byly často inspirovány mytologií a literaturou.
V 70. letech se Graham stal známým svými monumentálními bronzovými sochami. Jeho nejznámější díla z tohoto období jsou "Olympic Gateway" v Los Angeles a "Joe Louis Memorial" v Detroitu.
V 80. a 90. letech pokračoval Graham ve vytváření monumentálních soch, ale začal také pracovat na menších, intimnějších dílech. Jeho pozdější díla často zkoumala témata sexuality, identity a spirituality.
Robert Graham zemřel 27. prosince 2008 v Santa Monice v Kalifornii ve věku 70 let. Zanechal po sobě manželku Anjelicu Hustonovou a jednu dceru.
Umělecký styl
Robert Graham byl známý svým realistickým stylem sochařství. Jeho sochy byly často velmi detailní a zachycovaly jemné nuance lidského těla. Graham se také nebál experimentovat s různými materiály a technikami.
Grahamův umělecký styl byl ovlivněn různými zdroji, včetně klasického umění, modernismu a mexického lidového umění. Jeho sochy často odkazují na mytologii, literaturu a historii.
Dílo
Graham vytvořil během své kariéry přes 200 soch. Jeho díla jsou vystavena v muzeích a veřejných sbírkách po celém světě.
Mezi jeho nejznámější díla patří:
"Olympic Gateway" (1984), Los Angeles, Kalifornie
"Joe Louis Memorial" (1986), Detroit, Michigan
"Dance" (1988), Minneapolis, Minnesota
"The Dance" (1997), New York City, New York
"The Column" (2002), San Francisco, Kalifornie
Ocenění a uznání
Robert Graham získal za svou práci řadu ocenění, včetně:
Národní medaile za umění (1997)
Čestný doktorát z Kalifornské univerzity v Los Angeles (1999)
Cena za celoživotní dílo od San Francisco Art Institute (2008)
Graham byl členem Národní akademie designu a Americké akademie umění a věd. Jeho díla byla vystavena v prestižních muzeích po celém světě, včetně Metropolitního muzea umění v New Yorku a Tate Modern v Londýně.
Robert Graham byl jedním z nejvýznamnějších amerických sochařů 20. století. Jeho monumentální bronzové sochy jsou oslavou lidského těla a jsou trvalým odkazem jeho talentu a vize.
Fernando Botero Angulo (19. dubna 1932 – 15. září 2023) byl kolumbijský umělec a sochař. Jeho charakteristický styl, známý také jako „boterismo“, zobrazuje lidi a figury ve velkém, přehnaném objemu, který může představovat politickou kritiku nebo humor, v závislosti na díle. Byl považován za nejuznávanějšího a nejcitovanějšího umělce z Latinské Ameriky za svého života a jeho umění lze nalézt na velmi viditelných místech po celém světě, jako je Park Avenue v New Yorku a Champs-Élysées v Paříži, v různých dobách. [7] Botero, který se sám označoval za „nejkolumbijštějšího z kolumbijských umělců“, se dostal do celonárodního povědomí, když v roce 1958 vyhrál první cenu na Salón de Artistas Colombianos. Po přestěhování do Paříže v roce 1973 začal vytvářet sochy a v 90. letech dosáhl mezinárodního uznání výstavami po celém světě. [9] [10] Jeho umění sbírají mnohá významná mezinárodní muzea, korporace a soukromí sběratelé, někdy se prodávají za miliony dolarů. [11] V roce 2012 obdržel cenu Mezinárodního sochařského centra za celoživotní dílo v současném sochařství.
Život a kariéra
Botero se narodil v Medellínu v Kolumbii v roce 1932. Začal studovat umění v Bogotě ve věku 16 let a v roce 1951 uspořádal svou první samostatnou výstavu. V roce 1955 se přestěhoval do Mexika, kde se setkal s mexickými muralisty Diegem Riverou a Rufinem Tamayem. V roce 1957 se vrátil do Kolumbie a začal vyvíjet svůj charakteristický styl.
V roce 1960 se Botero přestěhoval do New Yorku, kde se jeho práce začala objevovat v prestižních galeriích. V roce 1973 se přestěhoval do Paříže, kde žil a pracoval až do své smrti v roce 2023.
Styl
Boteroův styl je charakteristický svými objemnými, baculatými postavami. Jeho postavy jsou často zobrazovány v komických nebo satirických situacích a jeho práce je často považována za kritiku politické a sociální nespravedlnosti.
Boteroův styl byl ovlivněn různými zdroji, včetně mexických muralistů, evropského modernismu a prekolumbovského umění. Jeho práce byla srovnávána s prací Pabla Picassa a Salvadora Dalího.
Ocenění a uznání
Botero obdržel řadu ocenění a uznání za svou práci, včetně:
Cena Salón de Artistas Colombianos (1958)
Guggenheimovo stipendium (1959)
Francouzský Řád umění a literatury (1985)
Cena Mezinárodního sochařského centra za celoživotní dílo v současném sochařství (2012)
Boterovo umění je zastoupeno v mnoha významných mezinárodních muzeích, včetně:
Muzeum moderního umění v New Yorku
Centre Pompidou v Paříži
Tate Modern v Londýně
Museo Nacional de Colombia v Bogotě
Dědictví
Botero je považován za jednoho z nejvýznamnějších umělců 20. století. Jeho práce byla vystavena v nejprestižnějších muzeích a galeriích světa a je zastoupena v mnoha významných veřejných a soukromých sbírkách.
Boterovo umění bylo kritiky chváleno i kritizováno. Někteří kritici jeho práci označili za příliš komerční nebo dekorativní, zatímco jiní ji chválili za její humor, vitalitu a politický obsah.
Bez ohledu na kritiku je Boterovo umění nepochybně jedinečným a osobitým příspěvkem k dějinám umění. Jeho práce bude i nadále inspirovat a bavit diváky po celém světě po mnoho let.
André Derain (10. června 1880 – 8. září 1954) byl francouzský malíř, sochař a spoluzakladatel fauvismu s Henri Matissem.
Mládí a vzdělání
Derain se narodil v Chatou, městečku na předměstí Paříže. Jeho otec byl cukrář a matka švadlena. Derain projevoval talent pro umění již v raném věku a ve 14 letech začal studovat na Académie Camillo. Později přešel na Académie Julian, kde se setkal s Matissem a dalšími mladými umělci, kteří se stali známými jako fauvisté.
Fauvismus
Fauvismus byl umělecký směr, který se vyznačoval použitím jasných, čistých barev a zjednodušených forem. Derain a Matisse byli jedni z hlavních představitelů tohoto hnutí a jejich díla z tohoto období jsou považována za některá z nejvýznamnějších příkladů fauvismu.
Kubismus
Po fauvistickém období se Derain začal zajímat o kubismus, další avantgardní umělecký směr. Kubismus byl založen na rozkládání objektů na geometrické tvary a Derain ho používal k vytvoření kompozic, které byly zároveň abstraktní i figurativní.
Pozdější dílo
V pozdějších letech Derainovo dílo nabralo klasicistnější charakter. Často se inspiroval antickým uměním a jeho obrazy se vyznačovaly vyváženou kompozicí a tlumenými barvami. Derain také vytvořil řadu soch, které jsou pozoruhodné svou jednoduchostí a expresivitou.
Odkaz
André Derain je považován za jednoho z nejvýznamnějších francouzských umělců 20. století. Jeho dílo mělo velký vliv na další generace umělců a jeho obrazy jsou vystaveny v předních muzeích po celém světě.
Další fakta
Derain byl také nadaný hudebník a hrál na několik nástrojů.
Byl blízkým přítelem básníka Guillauma Apollinaira.
V roce 1932 byl Derain jmenován členem Académie des Beaux-Arts.
Jeho dílo bylo předmětem mnoha výstav a retrospektiv po celém světě.
Groupe de femmes (Skupina tří postav) Umělec: Joseph Csaky Rok: 1911-12 Typ: Socha (původní sádra) Archiv fotografických dokumentů: Archiv Josepha Csakyho (AC. 109) Umístění: Rozměry a místo pobytu neznámé (předpokládá se zničení) Groupe de femmes, známá také jako Groupe de trois femmes nebo Groupe de trois personnages, je raná kubistická socha vytvořená kolem roku 1911 maďarským avantgardním sochařem a grafikem Josephem Csaky (1888–1971). Tato socha, dříve známá z černobílé fotografie (Galerie René Reichard), byla chybně nazvána Deux Femmes (Dvě ženy), protože snímek pořízený z úhlu zachytil pouze dvě postavy. Další fotografie nalezená v rodinném archivu Csakyů ukazuje čelní pohled na dílo a odhaluje tři postavy místo dvou. Csakyho socha byla vystavena v roce 1912 na Salonu d'Automne a v roce 1913 na Salonu des Indépendants v Paříži. Fotografie pořízená v Salle XI in situ na Salonu d'Automne v roce 1912 a zveřejněná v L'Illustration 12. října 1912, s. 47, ukazuje Groupe de femmes vystavenou vedle děl Jeana Metzingera, Františka Kupky, Francise Picabii, Amedea Modiglianiho a Henriho Le Fauconniera. Na Salonu des Indépendants v roce 1913 byla Groupe de femmes vystavena ve společnosti děl Fernanda Légera, Jeana Metzingera, Roberta Delaunaye, André Lhote, Raymonda Duchampa-Villona, Jacquesa Villona a Vasilije Kandinského. [1] Místo pobytu Groupe de femmes je neznámé a předpokládá se, že socha byla zničena.
Joseph Csaky Joseph Csaky (narozený jako Csáky József, 18. března 1888 v Segedíně, Rakousko-Uhersko - 1. května 1971 v Paříži, Francie) byl maďarsko-francouzský avantgardní umělec, sochař a grafik, nejvíce známý pro svou ranou účast v kubistickém hnutí jako sochař. Csaky byl jedním z prvních sochařů v Paříži, který aplikoval principy malířského kubismu na své umění. Jako průkopník moderního sochařství patří Csaky mezi nejdůležitější sochaře počátku 20. století. Byl aktivním členem skupiny Section d'Or mezi lety 1911 a 1914 a byl úzce spojen s krystalickým kubismem, purismem, De Stijlem, abstraktním uměním a Art Deco po celá 20. a 30. léta. Csaky bojoval po boku francouzských vojáků během první světové války a v roce 1922 se stal naturalizovaným francouzským občanem. V roce 1929 byl zakládajícím členem l'Union des Artistes modernes (UAM). Během druhé světové války se Csaky připojil k francouzskému odbojovému hnutí (la Résistance) ve Valençay. Koncem 20. let spolupracoval s dalšími umělci na návrzích nábytku a dalších dekorativních předmětů, včetně prvků ateliérového domu módního návrháře Jacquese Douceta. Po roce 1928 se Csaky odklonil od kubismu k figurativnějšímu nebo reprezentačnějšímu stylu, který trval téměř třicet let. Své práce vystavoval po celé Evropě, ale některé z jeho průkopnických uměleckých inovací byly zapomenuty. Jeho díla jsou dnes primárně uchovávána ve francouzských a maďarských institucích, stejně jako v muzeích, galeriích a soukromých sbírkách ve Francii i v zahraničí.
Muzeum umění ve Filadelfii Filadelfské muzeum umění (PMoA) je umělecké muzeum, které bylo původně založeno v roce 1876 u příležitosti stoleté výstavy ve Filadelfii. Hlavní budova muzea byla dokončena v roce 1928 ve Fairmountu, na kopci na severozápadním konci Benjamin Franklin Parkway u Eakins Oval. Muzeum spravuje sbírky obsahující více než 240 000 předmětů, včetně významných sbírek evropského, amerického a asijského původu. Mezi různé druhy uměleckých děl patří sochy, obrazy, grafiky, kresby, fotografie, zbraně a dekorativní umění. Filadelfské muzeum umění spravuje několik poboček, včetně Rodinného muzea, které se také nachází na Benjamin Franklin Parkway, a budovy Ruth a Raymonda G. Perelmana, která se nachází přes ulici severně od hlavní budovy. Budova Perelmana, která byla otevřena v roce 2007, uchovává více než 150 000 grafik, kreseb a fotografií, 30 000 kostýmů a textilií a přes 1 000 moderních a současných designových předmětů, včetně nábytku, keramiky a skla. Muzeum také spravuje historické koloniální domy Mount Pleasant a Cedar Grove, které se oba nacházejí ve Fairmount Parku. Hlavní budova muzea a její pobočky jsou vlastněny městem Filadelfie a spravuje je registrovaná nezisková korporace. Každý rok se v muzeu koná několik speciálních výstav, včetně putovních výstav uspořádaných s jinými muzei ve Spojených státech a v zahraničí. Muzeum mělo v roce 2021 437 348 návštěvníků, což z něj činí 65. nejnavštěvovanější umělecké muzeum na světě.
Armory Show Armory Show, známá také jako Mezinárodní výstava moderního umění, byla uspořádána Sdružením amerických malířů a sochařů. Byla to první velká výstava moderního umění v Americe a také jedna z mnoha výstav, které se konaly ve velkých prostorách amerických národních gardových zbrojnic. Třídílná výstava začala v newyorské 69. plukovní zbrojnici na Lexington Avenue mezi 25. a 26. ulicí od 17. února do 15. března 1913. Výstava pokračovala v Chicagském uměleckém institutu a poté ve společnosti Copley Society of Art v Bostonu, kde musely být kvůli nedostatku místa odstraněny všechny práce amerických umělců. Výstava se stala důležitou událostí v historii amerického umění a představila Američanům, kteří byli zvyklí na realistické umění, experimentální styly evropské avantgardy, včetně fauvismu a kubismu. Výstava posloužila jako katalyzátor pro americké umělce, kteří se stali nezávislejšími a vytvořili svůj vlastní „umělecký jazyk“. „Počátky výstavy leží ve vzniku progresivních skupin a nezávislých výstav na počátku 20. století (s významnými francouzskými precedenty), které zpochybnily estetické ideály, vylučovací politiku a autoritu Národní akademie designu a zároveň rozšířily výstavní a prodejní příležitosti, zvýšily povědomí veřejnosti a rozšířily publikum pro současné umění.“
Národní muzeum moderního umění Národní muzeum moderního umění (francouzsky Musée National d'Art Moderne) je francouzské národní muzeum moderního umění. Nachází se v Paříži v Centre Pompidou ve 4. městském obvodu. V roce 2021 se umístilo na 10. místě v žebříčku nejnavštěvovanějších uměleckých muzeí na světě s 1 501 040 návštěvníky. Je to jedno z největších muzeí moderního a současného umění. V roce 1937 Národní muzeum moderního umění nahradilo Musée du Luxembourg, které založil v roce 1818 král Ludvík XVIII. jako první muzeum současného umění v Evropě, věnované žijícím umělcům, jejichž díla měla být 10 let po jejich smrti umístěna do Louvru. Stavba muzea moderního umění byla plánována již od roku 1929 Augustem Perretem, který chtěl nahradit starý Palais du Trocadero. V roce 1934 bylo oficiálně rozhodnuto o výstavbě muzea v západním křídle Palais de Tokyo. Stavba byla dokončena v roce 1937 u příležitosti Světové výstavy umění a techniky, ale byla dočasně využívána k jiným účelům, protože výstava národního a zahraničního nezávislého umění se tehdy konala raději v Petit Palais a Musée du Jeu de Paume. Ačkoli se mělo muzeum otevřít v roce 1939, jeho výstavba byla nakonec přerušena válkou. Po jmenování prvního hlavního konzervátora v září 1940 bylo muzeum částečně otevřeno v roce 1942 s pouhou třetinou sbírky, která byla přivezena z několika národních sbírek ukrytých v provincii. Skutečné otevření se však uskutečnilo až v roce 1947 po druhé světové válce a přidání sbírky zahraničních škol z Musée du Luxembourg, která byla od roku 1922 uložena v Musée du Jeu de Paume. V roce 1947, kdy bylo muzeum umístěno v Palais de Tokyo, byla jeho sbírka výrazně rozšířena jeho prvním ředitelem Jeanem Cassouem, který měl zvláštní vztah s mnoha významnými umělci nebo jejich rodinami, jako byli Picasso a Braque. S vytvořením Centre Pompidou se muzeum v roce 1977 přestěhovalo do svého současného sídla. Muzeum má druhou největší sbírku moderního a současného umění na světě po Muzeu moderního umění v New Yorku, s více než 100 000 uměleckými díly od 6 400 umělců z 90 zemí od fauvismu v roce 1905. Mezi tato díla patří malby, sochy, kresby, grafiky, fotografie, filmy, nová média, architektura a design. Část sbírky je vystavena každé dva roky střídavě v prostoru o rozloze 18 500 m2 rozděleném mezi dvě patra, jedno pro moderní umění (od roku 1905 do roku 1960, v 5. patře), druhé pro současné umění (od roku 1960, ve 4. patře), a 5 výstavních síní, celkem na ploše 28 000 m2 v rámci Centre Pompidou. Atelier Brancusi se nachází ve vlastní budově vedle muzea. Díla vystavená v muzeu se často mění, aby byla veřejnosti ukázána rozmanitost a hloubka sbírky. V průběhu let se v samostatném patře (6. patře) konalo mnoho velkých dočasných výstav moderního a současného umění, mezi nimi i mnoho výstav jednoho umělce. Od roku 2010 muzeum také pořádá jedinečné dočasné výstavy ve své provinční pobočce, Centre Pompidou-Metz, v prostoru o rozloze 10 000 m2 rozděleném mezi 3 galerie, a od roku 2015 v Málaze ve Španělsku a od roku 2018 v Bruselu v Belgii.