Višnu Višnu je jedním z hlavních božstev hinduismu. Je známý jako ochránce ve Trimurti, trojjediné božstvo nejvyšší božskosti, které zahrnuje Brahmu a Šivu. Ve vaišnavismu je Višnu nejvyšším bohem, který stvořil, chrání a transformuje vesmír. V tradici šaktismu je bohyně neboli Adi Šakti popisována jako nejvyšší Para Brahman, ale Višnu je uctíván spolu se Šivou a Brahmou. Tridevi je uvedena jako energie a tvořivá síla (Šakti) každého z nich, přičemž Lakšmí je rovnocennou doplňkovou partnerkou Višnua. Je jedním z pěti rovnocenných božstev v pandžajatana púdže smartské tradice hinduismu. Podle vaišnavismu je nejvyšší bytost s vlastnostmi (saguna) a má určitou formu, ale je bezmezerná, transcendentální a neměnná absolutní Brahman a prvotní Átman (Já) vesmíru. Existuje mnoho benevolentních i děsivých vyobrazení Višnua. V benevolentních aspektech je zobrazován jako vševědoucí bytost spící na závitech hada Šeši (který představuje čas) plujícího v prvotním oceánu mléka zvaném Kšíra Sagara se svou manželkou Lakšmí. Kdykoli je svět ohrožen zlem, chaosem a destruktivními silami, Višnu sestupuje ve formě avatara (inkarnace), aby obnovil kosmický řád a ochránil dharmu. Dašavatára je deset primárních avatarů Višnua. Z těchto deseti jsou nejvýznamnější Ráma a Krišna.
Tance balijské (indonésky: Tarian Bali; balijsky: ᬇᬕᬾᬮᬦ᭄ᬩᬮᬶ) jsou starobylou taneční tradicí, která je součástí náboženského a uměleckého vyjadřování balijského lidu na ostrově Bali v Indonésii. Balijský tanec je dynamický, hranatý a expresivní. Balijští tanečníci vyjadřují příběhy tanečních dramat prostřednictvím tělesných gest včetně gest prstů, rukou, hlavy a očí. Na Bali existuje velké bohatství tanečních forem a stylů; a obzvláště pozoruhodné jsou ty rituální tance, které zahrnují Rangdu, čarodějnici, a velké zvíře Baronga. Většina tanců na Bali je spojena s hinduistickými nebo tradičními lidovými rituály, jako je posvátný tanec Sanghyang Dedari, který vyvolává laskavé duchy hyang, o nichž se věří, že posednou tanečníky během představení v tranzu. Ostatní balijské tance nejsou spojeny s náboženskými rituály a jsou vytvořeny pro určité příležitosti nebo účely, jako jsou uvítací tance Baris nebo Pendet a tanec Joged, což je společenský tanec pro zábavu. Tři tradiční tance na Bali zapsané na seznam nehmotného kulturního dědictví UNESCO 1. Legong Keraton Legong Keraton je klasický balijský taneční styl, který se vyznačuje svou elegancí a rafinovaností. Tančí jej čtyři mladé dívky, které představují princezny. Tanečnice nosí bohatě zdobené kostýmy a jejich pohyby jsou plynulé a ladné. Legong Keraton je často uváděn na královských dvorech a při zvláštních příležitostech. 2. Tari Wali Tari Wali je posvátný tanec, který se tančí při náboženských ceremoniích. Tančí jej mladé dívky, které jsou považovány za médium pro bohy. Tanečnice nosí bílé kostýmy a jejich pohyby jsou pomalé a plynulé. Tari Wali je považován za velmi posvátný tanec a je často uváděn v chrámech a svatyních. 3. Barong Ket Barong Ket je zábavný tanec, který se tančí při oslavách a festivalech. Tančí jej dva muži, kteří nosí velké masky představující Baronga, mytologické zvíře. Tanečníci provádějí akrobatické kousky a jejich pohyby jsou energické a zábavné. Barong Ket je oblíbeným tancem mezi turisty a je často uváděn v turistických oblastech. Balijský tanec je důležitou součástí balijské kultury a je uznávaným uměleckým výrazem. Tance jsou často prováděny při náboženských ceremoniích, festivalech a dalších zvláštních příležitostech. Balijský tanec je jedinečnou a krásnou formou umění, která okouzluje diváky po celém světě.
Dabke (arabsky: دبكة, také hláskované dabka, dubki, dabkeh, množné číslo dabkaat) je lidový tanec z oblasti Levant. Dabke kombinuje tanec v kruhu a tanec v řadě a je široce uváděn na svatbách a dalších radostných příležitostech. Řada se tvoří zprava doleva a vedoucí dabke stojí v čele řady, střídavě čelem k publiku a dalším tanečníkům. V angličtině se může přepisovat jako dabka, dabki, dabkeh.
Historie
Dabke má svůj původ v Levantu, oblasti východního Středomoří, která zahrnuje země jako Libanon, Sýrie, Palestina, Jordánsko a Izrael. Předpokládá se, že tanec vznikl v zemědělských komunitách jako způsob oslavy sklizně a dalších důležitých událostí.
Styly
Dabke se tančí v různých stylech v různých regionech Levant. Některé z nejběžnějších stylů zahrnují:
Shaabi Dabke: Tento styl je populární v Libanonu a Palestině a vyznačuje se rychlými kroky a energickými pohyby.
Ardab Dabke: Tento styl pochází ze Sýrie a je charakteristický pomalejšími kroky a jemnějšími pohyby.
Farah Dabke: Tento styl se tančí na svatbách a oslavách a je známý pro své veselé a živé pohyby.
Kroky
Základní kroky dabke jsou poměrně jednoduché. Tanečníci stojí v řadě a provádějí následující kroky:
Krok vpřed: Tanečník udělá krok vpřed levou nohou.
Krok vzad: Tanečník udělá krok vzad pravou nohou.
Posun stranou: Tanečník posune levou nohu do strany.
Posun zpět: Tanečník posune pravou nohu zpět.
Tyto kroky se opakují v různých kombinacích a mohou být doprovázeny různými pohyby paží a hlavy.
Hudba
Dabke se tradičně tančí na hudbu hranou na bubny, flétny a jiné lidové nástroje. Hudba je často rychlá a rytmická a pomáhá udávat tempo tance.
Kostýmy
Tanečníci dabke obvykle nosí tradiční oděvy svých regionů. Muži často nosí volné kalhoty a košile, zatímco ženy nosí dlouhé šaty a šátky na hlavě.
Příležitosti
Dabke se tančí na různých příležitostech, včetně:
Svatby
Oslavy
Festivaly
Národní události
Tanec se stal symbolem libanonské, palestinské a dalších levantinských kultur a je často uváděn na kulturních akcích po celém světě.
Sociální význam
Dabke má silný sociální význam v levantinské kultuře. Tanec se používá k budování komunity, oslavě tradic a předávání kulturního dědictví. Účast na dabke je také považována za způsob, jak vyjádřit národní hrdost a identitu.
Pěší hůl Pěší hůl je zařízení používané primárně k podpoře chůze, zajištění stability nebo podpory držení těla nebo k udržení správného držení těla. Některé typy také slouží jako módní doplněk nebo se používají k sebeobraně. Pěší hole se dodávají v různých tvarech a velikostech a některé se staly sběratelskými předměty. Lidé se zdravotním postižením mohou některé typy holí používat jako berle, ale hůl není určena k plné podpoře váhy a místo toho je určena k pomoci s rovnováhou. Je také historicky známo, že hůl byla používána jako zbraň pro sebeobranu a může ukrývat nůž nebo meč – jako v případě hole s mečem nebo hole s mečem. Turisté používají hole, známé také jako trekingové hole, poutnické hole, turistické hole nebo turistické hole, pro širokou škálu účelů: jako oporu při stoupání nebo jako brzdu při sjezdu; jako rovnovážný bod při překračování potoků, bažin nebo jiného nerovného terénu; cítit překážky na cestě; testovat bahno a vodu na hloubku; zlepšit kadenci krokování a jako obranu proti zvířatům. Alpenstock, z jeho počátků v horolezectví v Alpách, je vybaven ocelovou špičkou a může nést nahoře háček nebo cepín. Okázalejší hole mohou být zdobeny malými ozdobami nebo medailony zobrazujícími navštívené území. Dřevěné hole se používají pro venkovní sporty, zdravé cvičení horní části těla a dokonce i pro kluby, oddělení a rodinné památníky. Mohou být ručně vyráběny z řady druhů dřeva a mohou být personalizovány řezbářstvím nebo kovovými rytými plaketami. Sběratel holí se nazývá rabolog.
Kapesník
Kapesník (také známý jako šátek nebo kapesníček) je kus látky, obvykle čtvercového tvaru, který se používá pro osobní hygienu, jako je utírání rukou nebo obličeje, nebo smrkání. Kapesník se také někdy používá jako čistě dekorativní doplněk v náprsní kapse obleku; v tomto případě se mu říká kapesníček do saka. Kapesník je také důležitým doplňkem v mnoha lidových tancích v různých regionech, jako je Balkán a Střední východ; příkladem lidového tance, ve kterém se používají kapesníky, je řecký Kalamatianós.
Historie kapesníků
Původ kapesníků lze vysledovat až do starověkého Egypta, kde se používaly malé kousky látky k čištění rukou a obličeje. V Řecku a Římě se používaly větší kusy látky, které se nazývaly "sudaria" a sloužily k podobným účelům. Ve středověku se kapesníky staly běžnou součástí šatníku a byly často zdobeny výšivkou nebo krajkou.
V 18. století se kapesníky staly módním doplňkem a byly často vyrobeny z jemných látek, jako je hedvábí nebo krajka. Často byly zdobeny iniciálami nebo jinými ozdobnými prvky. V 19. století se kapesníky staly běžným předmětem každodenního života a byly používány lidmi všech společenských vrstev.
Použití kapesníků
Kapesníky mají mnoho různých využití, včetně:
Osobní hygiena: Kapesníky se používají k utírání rukou, obličeje, nebo smrkání.
Dekorace: Kapesníky se používají jako dekorativní doplněk v náprsní kapse obleku.
Lidové tance: Kapesníky jsou důležitým doplňkem v mnoha lidových tancích po celém světě.
Náboženské obřady: Kapesníky se používají v některých náboženských obřadech, jako je například židovský obřad "tallit".
Materiály kapesníků
Kapesníky jsou vyrobeny z různých materiálů, včetně:
Bavlna: Bavlna je měkký a savý materiál, který je ideální pro kapesníky.
Len: Len je pevný a odolný materiál, který je také savý.
Hedvábí: Hedvábí je luxusní materiál, který je měkký a příjemný na dotek.
Krajk: Krajka je jemný a dekorativní materiál, který se často používá pro kapesníky.
Péče o kapesníky
Aby kapesníky vydržely co nejdéle, je důležité o ně správně pečovat. Kapesníky by se měly prát v pračce v jemném cyklu a sušit na vzduchu. Žehlení kapesníků není nutné, ale pokud je to nutné, měly by se žehlit na nízkou teplotu.
Arménský tanec
Arménský tanec (arménsky: Հայկական պար) je považován za nejstarší a nejrozmanitější v příslušném regionu. Od pátého do třetího tisíciletí př. n. l. se v horských oblastech Arménie, v zemi Ararat, nacházejí skalní malby zobrazující scény venkovských tanců. Tyto tance byly s největší pravděpodobností doprovázeny určitými typy písní nebo hudebních nástrojů. V pátém století slyšel sám Mojžíš z Chorenu (Movsés Khorenats'i), jak staří potomci Arama (tedy Arménů) zmiňují tyto věci (epické příběhy) v baladách pro lyru a jejich písních a tancích.
Tradiční tanec je stále oblíbený mezi arménskými emigranty a velmi úspěšně se rozšířil také do mezinárodních folklorních tanečních skupin a kruhových tanečních skupin po celém světě. Všichni tanečníci nosí tradiční kostýmy, aby ztělesnili historii své kultury a vyprávěli příběhy svých předků. Návrh těchto kostýmů je ovlivněn mnoha faktory, jako jsou náboženské tradice, rodinné metody a praktičnost. Tradiční barevnost a nádherné korálkování kostýmů spojují tanec a tradici dohromady. Nádherné pohyby arménského kulturního tance obdivují diváci po celém světě.
Historie arménského tance
Původ arménského tance lze vysledovat až do starověku. Skalní malby z doby kolem 5000 př. n. l. zobrazují lidi tančící v kruzích a řadách. Tyto tance byly pravděpodobně součástí náboženských obřadů nebo společenských oslav.
V průběhu staletí se arménský tanec vyvíjel a byl ovlivňován různými kulturami, včetně perské, byzantské a arabské. Ve středověku se tanec stal populární formou zábavy a byly vytvořeny nové tance, které odrážely arménskou kulturu a historii.
V 19. století došlo k oživení arménského tance. Arménští nacionalisté se snažili oživit arménskou kulturu a tanec se stal důležitou součástí tohoto úsilí. V roce 1868 byla založena první arménská taneční škola a brzy poté se tance začaly učit v arménských školách a komunitních centrech po celém světě.
V 20. století se arménský tanec stal mezinárodně uznávanou uměleckou formou. Arménské taneční soubory vystupovaly na světových scénách a arménský tanec byl začleněn do učebních osnov tanečních škol po celém světě.
Druhy arménských tanců
Existuje mnoho různých typů arménských tanců, každý s vlastním jedinečným stylem a kroky. Některé z nejpopulárnějších typů tanců jsou:
Kochari: Rychlý a energický tanec, který se tančí v kruhu.
Yarkhushta: Pomalý a elegantní tanec, který se tančí v párech.
Shurjpar: Tanec, který napodobuje pohyby orla.
Tamzara: Tanec, který vypráví příběh o arménské svatbě.
Berdashen: Tanec, který se tančí na počest arménského národního hrdiny.
Arménský tanec dnes
Arménský tanec je dnes živou a prosperující uměleckou formou. Tančí se na svatbách, festivalech a dalších zvláštních příležitostech. Existuje mnoho arménských tanečních škol a souborů po celém světě a arménský tanec se vyučuje na univerzitách a konzervatořích.
Arménský tanec je důležitou součástí arménské kultury a identity. Je to způsob, jak vyjádřit radost, smutek, lásku a vlastenectví. Arménský tanec je krásná a strhující umělecká forma, která bude i nadále těšit diváky po celém světě po mnoho let.
Loie Fuller (15. ledna 1862 – 1. ledna 1928) byla americká tanečnice, průkopnice moderního tance a divadelního osvětlení.
Narodila se v Hinsdale v Illinois. V 16 letech odešla do Chicaga, kde pracovala jako tanečnice a herečka. V roce 1892 se přestěhovala do Paříže, kde se stala známou svými novátorskými tanečními představeními.
Fuller byla známá pro své použití světla a látek ve svých tancích. Často vystupovala s dlouhými, průsvitnými sukněmi, které se vznášely a vířily kolem ní, když tančila. Také používala různobarevná světla k vytvoření různých efektů na jevišti.
Fuller byla také průkopnicí v oblasti moderního tance. Její tance byly často abstraktní a experimentální, a ona se nezajímala o tradiční baletní techniku. Místo toho se soustředila na vyjádření emocí a nálad prostřednictvím pohybu.
Fuller byla velmi vlivná tanečnice. Její práce inspirovala mnoho dalších tanečníků, včetně Isadory Duncan a Ruth St. Denis. Její inovace v oblasti osvětlení a kostýmů také měly trvalý dopad na divadlo.
Fuller zemřela v Paříži v roce 1928. Je pohřbena na hřbitově Père Lachaise.
Zde je několik dalších podrobností o životě a díle Loie Fuller:
Fuller byla velmi všestranná umělkyně. Kromě tance také malovala, psala a režírovala.
Byla také vášnivou sběratelkou umění a vlastnila díla od mnoha známých umělců, včetně Édouarda Maneta a Henriho Matisse.
Fuller byla také známá svou filantropií. Podporovala mnoho charitativních organizací a často vystupovala na benefičních akcích.
Fuller byla velmi vlivná postava v pařížské avantgardě. Byla přítelkyní mnoha umělců a spisovatelů, včetně Oscara Wildea a Marcela Prousta.
Fuller je dodnes považována za jednu z nejvlivnějších tanečnic v historii. Její práce měla trvalý dopad na tanec, divadlo a vizuální umění.
Dalcrozova eurhythmika Dalcrozova eurhythmika, také známá jako Dalcrozova metoda nebo zkráceně eurhythmika, je jednou z několika vývojových metod používaných k výuce hudby studentům, mezi které patří také Kodályova metoda, Orffova škola a Suzukiho metoda. Eurhythmika byla vyvinuta na počátku 20. století švýcarským hudebníkem a pedagogem Émilem Jaques-Dalcrozem. Dalcrozova eurhythmika učí pomocí pohybu konceptům rytmu, struktury a hudebního vyjádření a je konceptem, kterým je Dalcroze nejznámější. Zaměřuje se na to, aby student získal fyzické povědomí a zkušenost s hudbou prostřednictvím tréninku, který probíhá všemi smysly, zejména kinestetickými. Eurhythmika často představuje hudební koncept prostřednictvím pohybu, než se studenti dozvědí o jeho vizuálním znázornění. Tato posloupnost se překládá do zvýšeného povědomí o těle a spojení rytmu s fyzickou zkušeností pro studenta, čímž se kinesteticky posilují koncepty. Eurhythmika má široké uplatnění a přínosy a lze ji vyučovat různým věkovým skupinám. Hodiny eurhythmiky pro všechny věkové kategorie mají společný cíl – poskytnout studentovi hudby pevný rytmický základ prostřednictvím pohybu, aby se zlepšilo hudební vyjádření a porozumění.
Jazzový tanec je taneční styl a představení, které vzniklo ve Spojených státech v polovině 20. století. Jazzový tanec může odkazovat na lidový jazz, broadwayský nebo dramatický jazz. Tyto dva typy rozšiřují afroamerické lidové taneční styly, které vznikly s jazzovou hudbou. Lidový jazzový tanec zahrnuje pohyby ragtimu, charlestonu, lindy hopu a mamba. Mezi populární lidové jazzové tanečníky patří The Whitman Sisters, Florence Mills, Ethel Waters, Al Minns a Leon James, Frankie Manning, Norma Miller, Dawn Hampton a Katherine Dunham. Dramatický jazzový tanec předváděný na divadelní scéně prosazovali Jack Cole, Bob Fosse, Eugene Louis Faccuito a Gus Giordano. Pojem "jazzový tanec" byl používán způsoby, které mají jen málo nebo vůbec nic společného s jazzovou hudbou. Od 40. let 20. století používají hollywoodské filmy a broadwayské show tento pojem k popisu choreografií Boba Fosseho a Jerome Robbinse. V 90. letech 20. století jej používaly vysoké školy a univerzity pro označení kurzů nabízených katedrami tělesné výchovy, ve kterých studenti tančili na různé formy popové hudby, zřídka na jazz.
Afroamerický tanec Afroamerický tanec je forma tance, kterou vytvořili Afričané v diaspoře, konkrétně ve Spojených státech. Tanec se vyvíjel v různých prostorech v afroamerických komunitách ve Spojených státech, nikoli ve studiích, školách nebo společnostech. Tyto tance se obvykle zaměřují na lidový a společenský tanec, i když taneční představení často doplňují tyto aspekty. Tance kladou velký důraz na improvizaci a vyznačují se neustálými změnami a vývojem. Existuje řada významných afroamerických společností moderního tance, které se inspirují afroamerickým kulturním tancem, mezi ně patří Whitey's Lindy Hoppers, Alvin Ailey American Dance Theater, Dance Theatre of Harlem a Katherine Dunham Company. Hollywood a Broadway také poskytly afroamerickým umělcům příležitost sdílet svou práci a veřejnosti je podpořit. Afroamerický tanec zažil mnoho vln vynalézavosti, zejména ve 20. století. Harlemská renesance byla pro toto umění obzvláště důležitým obdobím a výrazně ovlivnila moderní tanec. Afroamerický tanec byl důležitou součástí soutěže, tradice a kulturního vyjádření a hraje nedílnou roli v afroamerické kultuře. Mnoho z těchto tanečních pohybů bylo také přivlastněno bílými tanečníky a dostalo se do hlavního proudu médií.