Nová muzikologie je široké odvětví muzikologie, které se od 80. let 20. století zaměřuje na kulturní studia, estetiku, kritiku a hermeneutiku hudby. Vznikla částečně jako реакce na tradiční muzikologii – zaměřenou na primární výzkum – z počátku 20. století a poválečného období. Mnoho postupů nové muzikologie se považuje za standardní, ačkoli tento název se častěji vztahuje k historickému obratu než k jakékoli konkrétní sadě myšlenek nebo principů. Ačkoli byla výrazně ovlivněna feminismem, genderovými studiemi, queer teorií, postgraduálními studiemi a kritickou teorií, nová muzikologie byla primárně charakterizována široce pojatým eklekticismem.
Hlavní rysy nové muzikologie
Mezioborový přístup: Nová muzikologie čerpá z celé řady oborů, včetně sociologie, antropologie, kulturních studií a literární kritiky.
Kulturní kontext: Nová muzikologie chápe hudbu jako součást širšího kulturního kontextu a zkoumá její vztah k dalším formám umění, sociálním institucím a politickým ideologiím.
Hermeneutika: Nová muzikologie se zabývá způsoby, jakými lidé interpretují a chápají hudbu, a zkoumá role posluchačů, interpretů a kritiků.
Kritická teorie: Nová muzikologie často využívá kritickou teorii k analýze moci a ideologie v hudbě a k odhalování skrytých významů a předpokladů.
Metodologie nové muzikologie
Nová muzikologie využívá širokou škálu metodologií, včetně:
Etnomuzikologie: Studium hudby v jejím kulturním kontextu.
Analýza diskurzu: Studium způsobů, jakými se o hudbě píše a mluví.
Semiotika: Studium znaků a významů v hudbě.
Recepční estetika: Studium toho, jak posluchači interpretují a reagují na hudbu.
Významné osobnosti nové muzikologie
Mezi významné osobnosti nové muzikologie patří:
Susan McClary: Americká muzikoložka známá svou prací o genderové a queer teorii v hudbě.
Lawrence Grossberg: Americký kulturní teoretik, který psal o vztahu hudby a populární kultury.
Philip Tagg: Britský muzikolog, který se zabývá kritickou analýzou populární hudby.
Richard Taruskin: Americký muzikolog, který psal o historii a kultuře ruské hudby.
Příklady nové muzikologie
Příklady nové muzikologie zahrnují:
Studie Susan McClaryové o opeře Carmen od George Bizeta, která zkoumá genderové role a sexualitu v opeře.
Analýza Lawrence Grossberga o hip-hopové kultuře, která zkoumá vztah hudby k rase, třídě a identitě.
Kritická analýza populární hudby Philippa Tagga, která odhaluje skryté ideologie a hodnoty v textech a hudbě populárních písní.
Studie Richarda Taruskina o ruské národní opeře, která zkoumá vztah hudby k politice a národní identitě.
Nová muzikologie dnes
Nová muzikologie zůstala vlivným odvětvím muzikologie a její postupy a myšlenky se stále častěji využívají v hudební analýze a kritice. Nová muzikologie se však také stala terčem kritiky za svou eklekticismus a nedostatek jasných metodologických rámců. Přesto nová muzikologie zůstala důležitým nástrojem pro zkoumání hudby v jejím kulturním kontextu a pro odhalování skrytých významů a předpokladů v hudebních dílech.
Ekomuzikologie je oblast studia, která zkoumá vztahy mezi hudbou nebo zvukem a přírodním prostředím. [1] Je to studie, která zahrnuje řadu akademických oborů včetně muzikologie, biologie, ekologie a antropologie. Ekomuzikologie kombinuje tyto obory, aby zkoumala, jak zvuk produkují přírodní prostředí a obecněji, jak jsou kulturní hodnoty a obavy o přírodu vyjadřovány prostřednictvím zvukových médií. [2] Ekomuzikologie zkoumá způsoby, jakými je hudba komponována tak, aby replikovala přírodní obraznost, stejně jako to, jak jsou zvuky produkované v přírodním prostředí používány v hudební kompozici. [1] Ekologické studie zvuků produkovaných zvířaty v jejich přirozeném prostředí jsou také považovány za součást oboru ekomuzikologie. [3] Ve 21. století se studie v oboru ekomuzikologie také stále více zajímají o udržitelnost hudební produkce a vystoupení. [4] Ekomuzikologie se zabývá studiem hudby, kultury a přírody a zvažuje hudební a zvukové otázky, jak textové, tak performativní, související s ekologií a přírodním prostředím. V podstatě jde o směs ekokritiky a muzikologie (spíše než „ekologie“ a „muzikologie“), v holistické definici Charlese Seegera. [5] [6] Ekomuzikologie je považována spíše za oblast výzkumu než za konkrétní akademický obor. [7] Protože se ekomuzikologie zaměřuje na širokou škálu oborů i oblastí výzkumu, lze si ji představit jako prostor, ve kterém se provádějí studie zvuku ve vztahu k životnímu prostředí. [8] Právě relevance ekomuzikologie pro tak širokou škálu dalších oblastí výzkumu je to, co ji činí poněkud nejednoznačnou k definování. [1] Na jedné straně je ekomuzikologie jedinečnou oblastí výzkumu, která pomáhá vytvářet spojení mezi různými hudebně-environmentálními studiemi. Jako kolektivní pojem je však často obtížné ekomuzikologii zarámovat do statické sady popisných definic. Muzikolog Aaron S. Allen, autor několika publikovaných prací o ekomuzikologii, definuje ekomuzikologii jako „studium hudby, kultury a přírody ve všech složitostech těchto pojmů. Ekomuzikologie zvažuje hudební a zvukové otázky, jak textové, tak performativní, související s ekologií a přírodním prostředím.“ [1]
Samplování (hudba) Samplování je v hudbě opakované použití části (nebo vzorku) zvukové nahrávky v jiné nahrávce. Vzorky mohou obsahovat prvky jako rytmus, melodii, řeč, zvukové efekty nebo delší části hudby a mohou být vrstveny, ekvalizovány, zrychlovány nebo zpomalovány, přelaďovány, smyčkovány nebo jinak manipulovány. Obvykle se integrují pomocí elektronických hudebních nástrojů (samplerů) nebo softwaru, jako jsou digitální zvukové pracovní stanice. Proces podobný samplování vznikl ve 40. letech 20. století s hudbou concrète, experimentální hudbou vytvářenou stříháním a smyčkováním pásky. V polovině 20. století se objevily klávesové nástroje, které přehrávaly zvuky nahrané na pásce, jako například Mellotron. Termín samplování byl poprvé použit koncem 70. let 20. století tvůrci Fairlight CMI, syntezátoru se schopností nahrávat a přehrávat krátké zvuky. S pokrokem technologie se objevily levnější samostatné samplery s větší pamětí, jako například E-mu Emulator, Akai S950 a Akai MPC. Samplování je základem hiphopové hudby, která vznikla, když producenti v 80. letech 20. století začali samplovat funkové a soulové nahrávky, zejména bicí breaky. Ovlivnilo mnoho dalších hudebních žánrů, zejména elektronickou hudbu a pop. Vzorky jako Amen break, bicí break "Funky Drummer" a orchestrální hit byly použity v tisících nahrávkách a mezi nejvíce samplované umělce patří James Brown, Loleatta Holloway, Fab Five Freddy a Led Zeppelin. První album vytvořené výhradně ze vzorků, Endtroducing od DJ Shadowa, bylo vydáno v roce 1996. Samplování bez povolení může porušit autorská práva nebo může být považováno za fair use. Vyřízení povolení k použití vzorku může být složité a nákladné; vzorky z dobře známých zdrojů mohou být neúměrně drahé. Soudy zaujímaly různé postoje k tomu, zda je samplování bez povolení povoleno. Ve sporech Grand Upright Music, Ltd. v. Warner Bros. Records Inc (1991) a Bridgeport Music, Inc. v. Dimension Films (2005) americké soudy rozhodly, že nelicencované samplování, byť minimální, představuje porušení autorských práv. VMG Salsoul v Ciccone (2016) však zjistil, že nelicencované vzorky představovaly de minimis kopírování a neporušovaly autorská práva. V roce 2019 rozhodl Evropský soudní dvůr, že modifikované, nerozpoznatelné vzorky mohou být použity bez povolení. Ačkoli někteří umělci samplovaní jinými si stěžovali na plagiátorství nebo nedostatek kreativity, mnoho komentátorů tvrdilo, že samplování je tvůrčí akt.
Digitální hudební technologie
Tento článek se zaměřuje na digitální hudební technologie a analogové technologie zmiňuje pouze pro poskytnutí historického kontextu. Podrobnější informace o analogových hudebních technologiích naleznete v článku Hudební technologie (elektrické).
Digitální hudební technologie zahrnuje digitální nástroje, počítače, elektronické efektové jednotky, software nebo digitální zvukové vybavení, které hudebník, skladatel, zvukový technik, DJ nebo hudební producent používá k tvorbě, interpretaci [1] nebo nahrávání hudby.
Tento pojem se vztahuje na elektronická zařízení, nástroje, počítačový hardware a software používané při interpretaci, přehrávání, nahrávání, skládání, mixování, analýze a úpravách hudby.
Historie digitální hudební technologie
Počátky digitální hudební technologie sahají do 50. let 20. století, kdy byly vyvinuty první digitální počítače. Tyto počítače byly původně používány k vědeckým a technickým výpočtům, ale brzy byly rozpoznány jejich možnosti pro hudební tvorbu.
V 60. letech 20. století byly vyvinuty první digitální syntezátory, které umožňovaly hudebníkům vytvářet nové a inovativní zvuky. V 70. letech 20. století byly vyvinuty první digitální sampler, které umožňovaly hudebníkům nahrávat a přehrávat zvukové vzorky.
V 80. letech 20. století došlo k rychlému rozvoji digitální hudební technologie díky zavedení osobních počítačů a MIDI (Musical Instrument Digital Interface). MIDI umožnilo hudebníkům propojit různá digitální hudební zařízení a vytvářet složité hudební systémy.
V 90. letech 20. století se digitální hudební technologie stala ještě dostupnější díky zavedení digitálních zvukových pracovních stanic (DAW). DAW umožňují hudebníkům nahrávat, upravovat a mixovat hudbu v počítači.
V 21. století se digitální hudební technologie nadále rychle rozvíjí. Zavedení internetu umožnilo hudebníkům sdílet a spolupracovat na hudbě z celého světa. Nové technologie, jako je virtuální realita a umělá inteligence, otevírají nové možnosti pro hudební tvorbu a interpretaci.
Výhody digitální hudební technologie
Digitální hudební technologie nabízí řadu výhod oproti analogovým technologiím. Mezi tyto výhody patří:
Přesnost: Digitální hudební technologie umožňuje hudebníkům vytvářet a upravovat hudbu s velkou přesností.
Flexibilita: Digitální hudební technologie umožňuje hudebníkům snadno upravovat a experimentovat s hudbou.
Možnost opakování: Digitální hudební technologie umožňuje hudebníkům opakovat a opravovat chyby bez ztráty kvality zvuku.
Automatizace: Digitální hudební technologie umožňuje hudebníkům automatizovat úkoly, jako je mixování a mastering.
Dostupnost: Digitální hudební technologie je mnohem dostupnější než analogové technologie.
Nevýhody digitální hudební technologie
Digitální hudební technologie má také některé nevýhody, mezi které patří:
Složitost: Digitální hudební technologie může být pro začátečníky složitá na pochopení a používání.
Náklady: Digitální hudební technologie může být drahá, zejména pro profesionální hudebníky.
Latence: Digitální hudební technologie může způsobit latenci, což je zpoždění mezi tím, kdy hudebník hraje na nástroj, a tím, kdy je zvuk slyšet.
Ztráta kvality zvuku: Digitální hudební technologie může vést ke ztrátě kvality zvuku, zejména při používání komprimovaných formátů souborů.
Závislost na technologii: Digitální hudební technologie je závislá na technologii, což znamená, že hudebníci mohou mít problémy, pokud jejich zařízení selže.
Budoucnost digitální hudební technologie
Budoucnost digitální hudební technologie je slibná. Očekává se, že se technologie bude i nadále rychle rozvíjet a otevírat nové možnosti pro hudební tvorbu a interpretaci. Mezi některé z trendů, které pravděpodobně budou pokračovat, patří:
Zvýšená dostupnost: Digitální hudební technologie se stane ještě dostupnější, což umožní více lidem vytvářet a užívat si hudbu.
Nové technologie: Budou vyvíjeny nové technologie, které ještě více rozšíří možnosti digitální hudební technologie.
Umělá inteligence: Umělá inteligence bude hrát stále větší roli v digitální hudební technologii, což umožní hudebníkům vytvářet a interpretovat hudbu novými a inovativními způsoby.
Virtuální realita: Virtuální realita bude poskytovat hudebníkům nové způsoby, jak vytvářet a interpretovat hudbu.
Digitální hudební technologie bude i nadále hrát zásadní roli v hudebním průmyslu. Očekává se, že technologie bude i nadále rychle inovovat a otevírat nové možnosti pro hudební tvorbu a interpretaci.
Hudba jihovýchodní Asie
Hudba jihovýchodní Asie zahrnuje četné hudební tradice a styly mnoha zemí jihovýchodní Asie. Tento subregion se skládá z jedenácti zemí, jmenovitě Brunej, Kambodža, Východní Timor, Indonésie, Laos, Malajsie, Myanmar, Filipíny, Singapur, Thajsko a Vietnam, které pojmou stovky etnických skupin. V důsledku regionálních skupin hovořících mnoha jazyky po celém subregionu Asie existují tisíce stylů hudby. Regionalismus je obvykle přijímán a oslavován, ale někdy je lidmi potlačován, i když se země jihovýchodní Asie snaží budovat národní kultury. Hinduismus, buddhismus, islám a křesťanství jsou v jihovýchodní Asii nejvyššími vírami. Od historických dob až do současnosti byla instrumentální a vokální hudba centralizována a zaměřena na náboženský život subregionální Asie. Urbanizace pomohla asimilovat hudební a náboženské praktiky. Přestože modernizace představuje významnou hrozbu pro odlišné regionální hudební tradice, většina zemí v regionu si zachovala svůj vlastní jedinečný styl a povahu hudby, která zahrnuje různá období vývoje v hudbě, kultuře a víře.
Nástroje
Hudební nástroje jihovýchodní Asie jsou stejně rozmanité jako její hudební styly. Mezi běžné nástroje patří:
Gamelan: Sada bicích nástrojů vyrobených z bronzu nebo mosazi, které se hrají pomocí paliček.
Angklung: Bambusový nástroj složený z řady bambusových trubek, které jsou naladěny na různé výšky tónu.
Kulintang: Sada gongů zavěšených vodorovně na rámu, které se hrají pomocí paliček.
Rebab: Strunný nástroj s kokosovou ořechovou rezonanční skříní a lukem.
Pipa: Čínský strunný nástroj s hruškovitým tělem a čtyřmi strunami.
Styly
Hudba jihovýchodní Asie se vyznačuje širokou škálou stylů, které odrážejí kulturní rozmanitost regionu. Mezi nejběžnější styly patří:
Tradiční hudba: Tradiční hudba jihovýchodní Asie je často spojena s náboženskými obřady, folklorními tancem a divadelními představeními.
Populární hudba: Populární hudba jihovýchodní Asie je ovlivněna západními hudebními styly, jako je pop, rock a hip-hop.
Elektronická hudba: Elektronická hudba jihovýchodní Asie je stále populárnější a spojuje tradiční hudební prvky s moderními elektronickými zvuky.
Jazzová hudba: Jazzová hudba jihovýchodní Asie je směsicí tradičních a západních jazzových stylů.
Vliv
Hudba jihovýchodní Asie měla významný vliv na hudbu celého světa. Gamelan, například, byl přijat hudebníky v Evropě a Americe. Angklung se stal populárním nástrojem pro hudební terapii. A kulintang byl použit v mnoha filmových soundtrackech.
Budoucnost
Hudba jihovýchodní Asie je živou a rozvíjející se tradicí. Vzhledem k rostoucí globalizaci a kulturní výměně je pravděpodobné, že hudba jihovýchodní Asie bude i nadále ovlivňovat a inspirovat hudebníky po celém světě.
Nordická lidová hudba
Nordická lidová hudba zahrnuje řadu tradic severoevropských zemí, zejména skandinávských. Severoevropské země jsou Island, Norsko, Švédsko, Dánsko a Finsko. Mnoho regionů těchto zemí sdílí určité tradice, z nichž mnohé se výrazně odlišují. Finsko, Estonsko, Lotyšsko a severozápadní Rusko lze seskupit podle sdílených kulturních podobností, na rozdíl od Norska, Švédska, Dánska a atlantických ostrovů Islandu a Faerských ostrovů. Grónská kultura Inuitů má své vlastní hudební tradice ovlivněné skandinávskou kulturou. Finsko sdílí mnoho kulturních podobností jak s Pobaltím, tak se skandinávskými národy. Sámové ve Švédsku, Norsku, Finsku a Rusku mají svou vlastní jedinečnou kulturu s vazbami na sousední kultury.
Nástroje
Nordická lidová hudba používá širokou škálu nástrojů, včetně strunných, dechových a bicích. Některé z nejběžnějších nástrojů patří:
Strunné nástroje: housle, viola, violoncello, kontrabas, kytara, loutna
Dechové nástroje: flétna, klarinet, hoboj, fagot, trubka, trombon, tuba
Bicí nástroje: buben, tamburína, činely
Styly
Nordická lidová hudba se vyznačuje řadou stylů, od tradičních tanců po balady a instrumentální hudbu. Některé z nejběžnějších stylů patří:
Tanec: polka, valčík, mazurka, švédština
Balady: epické příběhy zpívané acapella nebo s doprovodem
Instrumentální hudba: skladby pro sólové nástroje nebo soubory
Vliv
Nordická lidová hudba měla významný vliv na západní klasickou hudbu. Například skladatelé jako Edvard Grieg a Jean Sibelius používali ve své hudbě lidové melodie a rytmy. Lidová hudba také ovlivnila populární hudbu v Severní Evropě a za jejími hranicemi.
Současná nordická lidová hudba
V posledních letech zaznamenala nordická lidová hudba oživení. Mnoho mladých hudebníků objevuje a reinterpretuje tradiční melodie a rytmy. Výsledkem je nová generace lidové hudby, která je zároveň tradiční i moderní.
Význam
Nordická lidová hudba je důležitou součástí kulturního dědictví severoevropských zemí. Poskytuje okno do historie, tradic a hodnot těchto kultur. Lidová hudba je také živou a vyvíjející se tradicí, která nadále inspiruje a obohacuje posluchače i hudebníky.
Alžírská hudba
Alžírská hudba je pro cizince téměř synonymem pro raï; tento hudební žánr si získal velkou popularitu ve Francii, Španělsku a dalších částech Evropy.
Po několik století byla alžírská hudba ovlivněna styly zděděnými z Al-Andalus, které nakonec vytvořily jedinečnou severoafrickou variaci těchto poetických forem. Alžírská hudba začala zahrnovat suity nazývané nuubaat (jednotné číslo nuuba). Pozdějšími deriváty jsou rabaab a hawzii.
Nuubaat
Nuubaat je sada hudebních skladeb, které jsou typické pro alžírskou klasickou hudbu. Obvykle se skládají z pěti až sedmi částí, z nichž každá má své vlastní tempo, rytmus a melodii. Nuubaat se často hraje na svatbách, festivalech a dalších slavnostních příležitostech.
Rabaab
Rabaab je strunný nástroj, který je ústředním prvkem alžírské lidové hudby. Má jednu nebo dvě struny a hraje se smyčcem. Rabaab se často používá k doprovodu zpěvu a tance.
Hawzii
Hawzii je styl alžírské lidové hudby, který se vyznačuje svým rychlým tempem a živou melodií. Hawzii se často hraje na svatbách a dalších oslavách.
Raï
Raï je styl alžírské populární hudby, který vznikl v 80. letech 20. století. Je charakteristický svým synkopovaným rytmem, elektrickými nástroji a texty, které často pojednávají o lásce, ztrátě a sociálních problémech. Raï si získal velkou popularitu po celém světě a stal se jedním z nejznámějších žánrů alžírské hudby.
Další hudební žánry
Kromě nuubaat, rabaab, hawzii a raï existuje v Alžírsku mnoho dalších hudebních žánrů. Mezi ně patří:
Andaluská nubah: Styl klasické hudby, který je ovlivněn hudebními tradicemi Al-Andalus.
Berberská hudba: Tradiční hudba berberských národů Alžírska.
Chaabi: Styl populární hudby, který vznikl v Alžíru ve 20. letech 20. století.
Hip hop: Styl populární hudby, který vznikl ve Spojených státech a stal se populárním po celém světě, včetně Alžírska.
Hofii: Styl lidové hudby, který je typický pro oblast Oran.
Nuubaat: Styl klasické hudby, který je podobný nuubaat, ale je kratší a má jednodušší strukturu.
Zindalii: Styl lidové hudby, který je typický pro oblast Tlemcen.
Alžírská hudba je bohatá a rozmanitá, s širokou škálou stylů, které odrážejí kulturní dědictví země. Od klasických stylů nuubaat až po moderní styly raï, alžírská hudba má co nabídnout každému hudebnímu nadšenci.
Mikronésie Mikronésie je subregion Oceánie, která se skládá z přibližně 2 000 malých ostrovů v severozápadním Tichém oceánu. Má úzce sdílenou kulturní historii se třemi dalšími ostrovními regiony: námořní jihovýchodní Asií na západě, Polynésií na východě a Melanésií na jihu - stejně jako s širší komunitou austronéských národů. Region má tropické mořské klima a je součástí oceánské říše. Zahrnuje čtyři hlavní souostroví - Karolinské ostrovy, Gilbertovy ostrovy, Mariany a Marshallovy ostrovy - a také četné ostrovy, které nejsou součástí žádného souostroví. Politická kontrola oblastí v Mikronésii se liší v závislosti na ostrově a je rozdělena mezi šest suverénních národů. Některé z Karolinských ostrovů jsou součástí Palau a některé jsou součástí Federativních států Mikronésie (často zkráceně „FSM“ nebo „Mikronésie“ - nezaměňovat se s totožným názvem pro celý region). Gilbertovy ostrovy (spolu s Fénixovými ostrovy a Linejskými ostrovy v Polynésii) tvoří Kiribati. Mariany jsou přidruženy ke Spojeným státům; některé z nich patří k území Guamu a zbytek patří ke Společenství Severních Marian. Ostrov Nauru je samostatným suverénním národem. Marshallovy ostrovy patří k Republice Marshallových ostrovů. Suverenita Wakeova ostrova je sporná: nárokují si ji jak Spojené státy, tak Marshallovy ostrovy. Spojené státy mají faktické vlastnictví Wakeova ostrova, který je pod přímou správou letectva Spojených států. Navzdory skutečnosti, že pojem „Mikronésie“ je od roku 1832 poměrně dobře zavedený a od té doby se používá ve většině populárních prací, tato sada neodpovídá žádné geomorfologické, archeologické, jazykové, etnické nebo kulturní jednotě, ale naopak představuje nesourodý celek, bez skutečné hluboké jednoty. Ve skutečnosti „mikronéský lid“ neexistuje jako podmnožina mořeplavných austronéských lidí, mezi které mohou patřit také Polynésané a hypotetičtí Australo-Melanéané nebo „Melanéané“. Lidské osídlení Mikronésie začalo před několika tisíciletími. Na základě současného vědeckého konsenzu pocházejí austronéské národy z prehistorické námořní migrace, známé jako austronéská expanze, z pre-hanské Formosy, kolem 3000 až 1500 př. n. l. Austronésané dosáhli nejsevernějších Filipín, konkrétně Bataneských ostrovů, kolem roku 2200 př. n. l. Austronésané byli první lidé, kteří vynalezli oceánské plachetní technologie (zejména katamarány, lodě s vyvažovadlem, stavba lodí s připevněnými výstupky a krabí plachta), které jim umožnily rychlé rozšíření na ostrovy v Indo-Pacifiku. Od roku 2000 př. n. l. asimilovali (nebo byli asimilováni) dřívějšími populacemi na ostrovech v jejich migrační cestě. Nejstarší známý kontakt Evropanů s Mikronésií byl v roce 1521, kdy Magellanova expedice přistála na Marianách. Jules Dumont d'Urville je obvykle připisován ražbě termínu „Mikronésie“ v roce 1832, ale ve skutečnosti tento termín použil Louis Domeny de Rienzi o rok dříve.
Hudba Rakouska
Obecná témata
Rakušané v hudbě
Lidový tanec
Opera
Vídeňská škola
První vídeňská škola
Druhá vídeňská škola
Žánry
Austropop
Lidová hudba
Volkstümliche Musik
Hip hop
Specifické formy
Ländler
Schrammelmusik
Vídeňský valčík
Vídeňská píseň
Jódlování
Média a představení
Hudební ceny
Amadeus Austrian Music Awards
Mozartinterpretationspreis
Mozartova medaile
Salzburská hudební cena
Hudební hitparády
Ö3 Austria Top 40
Hudební festivaly
Donaufestival
Donauinselfest
Grafenegg Festival
Innsbruckský festival staré hudby
Salzburský festival
Salzburský velikonoční festival
Styriarte
Vídeňský jarní festival
Wien Modern
Hudební média
MTV (rakouský televizní kanál)
Nacionalistické a vlastenecké písně
Národní hymna "Land der Berge, Land am Strome"
Regionální hudba
Místní formy
Innsbruck
Vídeň
Související oblasti
Lichtenštejnsko
Vídeň byla důležitým centrem hudební inovace. Skladatelé 18. a 19. století byli přitahováni do města díky patronátu Habsburků a udělali z Vídně evropské hlavní město klasické hudby. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Franz Schubert a Johann Strauss II. a další byli spojováni s městem, přičemž Schubert se narodil ve Vídni. Během barokního období ovlivnily rakouskou hudbu slovanské a maďarské lidové formy. Vídně začal svůj vzestup jako kulturní centrum na počátku 16. století a zaměřoval se na nástroje včetně loutny.
Belgická hudba je kulturní směsicí, kde se vlámské nizozemsky mluvící a valonské francouzsky mluvící tradice mísí s tradicemi německých menšin a přistěhovaleckých komunit z Demokratické Republiky Kongo nebo dalších vzdálených zemí. Flámská hudba Flámská hudba má dlouhou a bohatou historii sahající až do středověku. Jejími nejznámějšími představiteli byli skladatelé jako Josquin des Prez, Orlando di Lasso a Peter Paul Rubens. V 19. století se vlámská hudba stala známou díky dílu skladatelů jako Peter Benoit a August De Boeck. Ve 20. století se objevila nová generace skladatelů, mezi něž patřili například Karel Goeyvaerts, Henri Pousseur a Luc Brewaeys. Valonská hudba Valonská hudba je ovlivněna francouzskou a německou hudbou. Mezi její nejznámější představitele patřili skladatelé jako André Grétry, François-Joseph Gossec a Eugène Ysaÿe. V 19. století se valonská hudba stala známou díky dílu skladatelů jako César Franck a Henri Vieuxtemps. Ve 20. století se objevila nová generace skladatelů, mezi něž patřili například Georges Aperghis, Pierre Boulez a Philippe Herreweghe. Německá hudba v Belgii Německá hudba v Belgii je ovlivněna německou a rakouskou hudbou. Mezi její nejznámější představitele patřili skladatelé jako Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven a Richard Wagner. V 19. století se německá hudba v Belgii stala známou díky dílu skladatelů jako Franz Liszt a Robert Schumann. Ve 20. století se objevila nová generace skladatelů, mezi něž patřili například Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez a Mauricio Kagel. Hudba přistěhovaleckých komunit Belgie je domovem mnoha přistěhovaleckých komunit, které si s sebou přinesly svou vlastní hudbu. Mezi nejznámější patří hudba z Demokratické Republiky Kongo, Maroka, Turecka a Itálie. Tyto hudební styly se staly součástí belgické hudební scény a ovlivnily mnoho belgických umělců. Současná belgická hudba Současná belgická hudba je velmi rozmanitá a zahrnuje mnoho různých stylů. Mezi nejpopulárnější patří elektronická hudba, hip-hop, rock a pop. Mezi nejznámější belgické hudebníky současnosti patří Stromae, dEUS, Hooverphonic a Soulwax.