Dadaismus Dadaismus byl umělecké hnutí evropské avantgardy na počátku 20. století s ranými centry v Curychu ve Švýcarsku v kabaretu Voltaire (v roce 1916), založeném Hugem Ballem s jeho společnicí Emmy Henningsovou, a v Berlíně v roce 1917. [2] [3] Newyorský dadaismus začal kolem roku 1915, [4] [5] a po roce 1920 dadaismus vzkvétal v Paříži. Dadaistické aktivity trvaly až do poloviny 20. let 20. století. Historický kontext Dadaismus se vyvinul jako reakce na první světovou válku. Dadaistické hnutí tvořili umělci, kteří odmítali logiku, rozum a estetiku moderní kapitalistické společnosti a místo toho vyjadřovali ve svých dílech nesmysl, iracionalitu a protiměšťácký protest. [6] [7] [8] Umění tohoto hnutí začínalo především jako performativní umění, ale nakonec zahrnovalo vizuální, literární a zvuková média, včetně koláže, zvukové poezie, střihové tvorby a sochařství. Dadaističtí umělci vyjadřovali svou nespokojenost s násilím, válkou a nacionalismem a udržovali politické vazby s radikální politikou levice a krajní levice. [10] [11] [12] [13] Původ jména O původu názvu hnutí neexistuje žádný konsenzus. Běžný příběh je, že německý umělec Richard Huelsenbeck náhodně zasunul řezač papíru (otvírák dopisů) do slovníku, kde přistál na "dada", hovorovém francouzském výrazu pro koníčka. Jean Arp napsal, že Tristan Tzara vynalezl toto slovo v 18:00 6. února 1916 v Café de la Terrasse v Curychu. [14] Jiní poznamenávají, že to naznačuje první slova dítěte, evokující dětinskost a absurditu, která skupinu oslovovala. Ještě jiní spekulují, že toto slovo mohlo být zvoleno tak, aby vyvolalo podobný význam (nebo žádný význam) v jakémkoli jazyce, což odráželo internacionalismus hnutí. [15] Předchůdci dadaismu Kořeny dadaismu leží v předválečné avantgardě. Termín anti-umění, předchůdce dadaismu, zavedl Marcel Duchamp kolem roku 1913, aby charakterizoval díla, která zpochybňují přijímané definice umění. [16] Kubismus a vývoj koláže a abstraktního umění by ovlivnily odpoutání hnutí od omezení reality a konvence. Dílo francouzských básníků, italských futuristů a německých expresionistů by ovlivnilo dadaistické odmítnutí těsné korelace mezi slovy a významem. [17] Také díla jako Ubu Roi (1896) Alfreda Jarryho a balet Parade (1916-17) Erika Satieho by byla charakterizována jako proto-dadaistická díla. [18] Zásady dadaismu Zásady dadaistického hnutí byly poprvé shromážděny v Dadaistickém manifestu Huga Balla v roce 1916. Ball je považován za zakladatele dadaistického hnutí. [19] Dadaistické hnutí zahrnovalo veřejná shromáždění, demonstrace a vydávání uměleckých/literárních časopisů; vášnivé zpravodajství o umění, politice a kultuře byla témata často diskutovaná v různých médiích. Klíčové osobnosti dadaismu Mezi klíčové osobnosti hnutí patřili Jean Arp, Johannes Baader, Hugo Ball, Marcel Duchamp, Max Ernst, Elsa von Freytag-Loringhoven, George Grosz, Raoul Hausmann, John Heartfield, Emmy Henningsová, Hannah Höchová, Richard Huelsenbeck, Francis Picabia, Man Ray, Hans Richter, Kurt Schwitters, Sophie Taeuber-Arpová, Tristan Tzara a Beatrice Woodová, mimo jiné. Vliv dadaismu Toto hnutí ovlivnilo pozdější styly, jako jsou avantgardní a downtown hudební hnutí, a skupiny včetně surrealismu, nového realismu, pop artu a Fluxusu. [20]
Barva je jedna ze základních vlastností světla. Vnímáme ji díky tomu, že světlo o různé vlnové délce dopadá na světločivné buňky v našem oku, které pak vyvolají signál, který je zpracován v mozku. Barvu světla můžeme popsat pomocí tří základních parametrů:
Odstín (anglicky hue) je vlastnost, která určuje, zda je barva červená, oranžová, žlutá, zelená, modrá nebo fialová.
Sytost (anglicky saturation) určuje, jak moc je barva nasycená. Syté barvy jsou ty, které mají hodně daného odstínu, zatímco nesyté barvy jsou ty, které jsou blízké bílé nebo šedé.
Jas (anglicky lightness) určuje, jak moc je barva světlá nebo tmavá. Světlé barvy jsou ty, které mají hodně bílé, zatímco tmavé barvy jsou ty, které mají hodně černé.
Odstín je nejdůležitější vlastnost barvy, protože určuje, jak ji vnímáme. Sytost a jas jsou sekundární vlastnosti, které ovlivňují, jak se barva jeví.
Barvy můžeme míchat, abychom získali nové odstíny. Primární barvy jsou červená, žlutá a modrá. Sekundární barvy jsou zelená, oranžová a fialová, které vzniknou smícháním dvou primárních barev. Terciární barvy jsou barvy, které vzniknou smícháním primární a sekundární barvy.
Barvy mají různé psychologické účinky. Například červená je spojována s láskou, vzrušením a nebezpečím, zatímco modrá je spojována s klidem, mírem a chladem. Barvy mohou být také použity k vytváření iluzí, například k tomu, aby se zdály objekty větší nebo menší, než ve skutečnosti jsou.
Barvy hrají důležitou roli v našem každodenním životě. Používáme je k vyjádření sebe sama, k vytváření nálad a k ovlivňování chování druhých. Barvy jsou všude kolem nás a mají velký vliv na to, jak vnímáme svět.
Johann Wolfgang von Goethe
Životopis
Johann Wolfgang von Goethe, považovaný za největšího a nejvlivnějšího spisovatele německého jazyka, se narodil 28. srpna 1749 ve Svobodném císařském městě Frankfurt nad Mohanem. Byl všestrannou osobností, působil jako básník, dramatik, romanopisec, přírodní filosof, státník, vědec a kritik.
Po studiu na univerzitách v Lipsku a Štrasburku se v roce 1775 usadil ve Výmaru. Zde se seznámil s vévodou Karlem Augustem, který ho pověřil vysokými úřady ve státní správě. Goethe se tak stal členem tajné rady vévodství, dohlížel na doly a dálnice a podílel se na reformě univerzity v Jeně.
Goethe byl průkopníkem literárního hnutí Sturm und Drang. Mezi jeho nejznámější díla patří divadelní hry jako "Faust", "Utrpení mladého Werthera" a "Viléma Meistera léta tovaryšská". Psal také básně, prózu a vědecké traktáry o botanice, anatomii a barvách.
V roce 1788 se vydal na cestu do Itálie, která ho hluboce ovlivnila. Po návratu vydal svou zásadní vědeckou práci "Metamorfóza rostlin". V roce 1791 se stal ředitelem divadla ve Výmaru a navázal přátelství s dramatikem a historikem Friedrichem Schillerem. Spolu s ním se podílel na formování tzv. výmarského klasicismu.
Goethe zemřela 22. března 1832 ve Výmaru ve věku 82 let. Jeho dílo mělo a dodnes má zásadní vliv na západní literaturu, filosofii a politické myšlení.
Rodina a osobní život
Goethe byl ženatý s Christiane Vulpiusovou od roku 1806 až do její smrti v roce 1816. Měli spolu několik dětí, ale čtyři z nich zemřely v raném věku. Goethe měl také nemanželskou dceru Ottilii von Goethe.
Dílo
Divadelní hry: "Faust", "Utrpení mladého Werthera", "Viléma Meistera léta tovaryšská"
Básně: "Římské elegie", "Benátské epigramy"
Próza: "Wilhelm Meisterův putovní život", "Výběr a spříznění"
Vědecké traktáry: "Metamorfóza rostlin", "O barvách"
Estetická kritika: "Pravidla pro herce"
Odkaz
Goetheovo dílo je považováno za vrchol německé literatury a ovlivnilo spisovatele, filozofy a vědce po celém světě. Jeho jméno je spojeno s literárním hnutím Sturm und Drang, výmarským klasicismem a romantismem. Je uznáván jako jeden z nejvýznamnějších autorů světové literatury.
Barevnost Barevnost, chroma a sytost jsou atributy vnímané barvy týkající se chromatické intenzity. Jak je formálně definováno Mezinárodní komisí pro osvětlení (CIE), popisují tři různé aspekty chromatické intenzity, ale tyto pojmy se často používají volně a zaměnitelně v kontextech, kde nejsou tyto aspekty jasně rozlišeny. Přesný význam těchto pojmů se liší podle toho, na jakých dalších funkcích závisí. Barevnost je "atribut vizuálního vnímání, podle kterého se zdá, že vnímaná barva oblasti je více či méně chromatická (jakákoli barva, která neobsahuje bílou, šedou nebo černou)". [1] [2] Barevnost vyvolaná objektem závisí nejen na jeho spektrální odrazivosti, ale také na síle osvětlení a s touto silou se zvyšuje, pokud není jas velmi vysoký (Huntův efekt). Chroma je "barevnost oblasti posuzovaná jako podíl jasu podobně osvětlené oblasti, která se jeví bílá nebo vysoce propustná". [3] [2] V důsledku toho je chroma většinou závislá pouze na spektrálních vlastnostech, a proto se považuje za popisující barvu objektu. [4] Je to to, jak se zdá být taková barva objektu odlišná od šedé stejné světlosti. [5] Sytost je "barevnost oblasti posuzovaná v poměru k jejímu jasu", [6] [2] což je ve skutečnosti vnímaná absence bělosti světla přicházejícího z této oblasti. Objekt s danou spektrální odrazivostí vykazuje přibližně konstantní sytost pro všechny úrovně osvětlení, pokud není jas velmi vysoký. [7] Protože barevnost, chroma a sytost jsou definovány jako atributy vnímání, nelze je jako takové fyzicky měřit, ale lze je kvantifikovat ve vztahu k psychometrickým škálám, které mají být percepčně rovnoměrné – například chromové škály Munsellova systému. Zatímco chroma a světlost objektu jsou jeho barevnost a jas posuzované v poměru ke stejné věci ("jas podobně osvětlené oblasti, která se jeví bílá nebo vysoce propustná"), sytost světla přicházejícího z tohoto objektu je ve skutečnosti chroma objektu posuzovaná v poměru k jeho světlosti. Na Munsellově odstínové stránce tedy linie jednotné sytosti obvykle vycházejí z blízkosti černého bodu, zatímco linie jednotné chromy jsou vertikální. [7]
Viditelné spektrum je část elektromagnetického spektra, kterou je lidské oko schopno vidět. Elektromagnetické záření v tomto rozsahu vlnových délek se nazývá viditelné světlo (nebo jednoduše světlo). Optické spektrum je někdy považováno za stejné jako viditelné spektrum, ale někteří autoři definují tento pojem šířeji, aby zahrnoval také ultrafialovou a infračervenou část elektromagnetického spektra. Typické lidské oko reaguje na vlnové délky přibližně od 380 do 750 nanometrů. Z hlediska frekvence to odpovídá pásmu v blízkosti 400–790 terahertz. Tyto hranice nejsou přesně definovány a mohou se lišit u jednotlivých osob. Za optimálních podmínek se tyto limity lidského vnímání mohou rozšířit na 310 nm (ultrafialové) a 1100 nm (blízké infračervené). Spektrum neobsahuje všechny barvy, které může lidský zrakový systém rozlišit. Nasycené barvy, jako je například růžová, nebo fialové variace, jako je magenta, zde chybí, protože je lze vytvořit pouze smícháním více vlnových délek. Barvy obsahující pouze jednu vlnovou délku se také nazývají čisté barvy nebo spektrální barvy. Viditelné vlnové délky procházejí zemskou atmosférou prakticky neoslabeny přes oblast "optického okna" elektromagnetického spektra. Příkladem tohoto jevu je, když čistý vzduch rozptyluje modré světlo více než červené světlo, a proto se polední obloha jeví modrá (kromě oblasti kolem Slunce, která se jeví bílá, protože světlo se zde nerozptyluje tolik). Optické okno se také nazývá "viditelné okno", protože se překrývá s rozsahem lidské viditelné odezvy. Okno blízkého infračerveného záření (NIR) leží těsně mimo lidské vidění, stejně jako okno středně vlnového infračerveného záření (MWIR) a okno dlouhovlnného nebo dalekého infračerveného záření (LWIR nebo FIR), ačkoli je mohou vnímat jiná zvířata.
Teorie barev
Teorie barev je soubor praktických rad pro míchání barev a vizuální efekty konkrétních barevných kombinací.
Terminologie barev
Barevná terminologie založená na barevném kole a jeho geometrii rozděluje barvy na primární, sekundární a terciární.
Primární barvy: Červená, žlutá a modrá.
Sekundární barvy: Oranžová, zelená a fialová. Vznikají smícháním dvou primárních barev.
Terciární barvy: Vznikají smícháním primární a sekundární barvy.
Historie teorie barev
Porozumění teorii barev sahá až do starověku.
Aristoteles (zemřel 322 př. n. l.) a Klaudios Ptolemaios (zemřel 168 n. l.) již diskutovali o tom, které barvy lze smícháním jiných barev vytvořit.
Al-Kindi (zemřel 873) a Ibn al-Haytham (zemřel 1039) zkoumali vliv světla na barvu.
Ibn Síná (zemřel 1037), Nasir al-Din al-Tusi (zemřel 1274) a Robert Grosseteste (zemřel 1253) zjistili, že na rozdíl od Aristotelova učení existuje více barevných cest od černé k bílé.
Moderní přístupy k teorii barev
Modernější přístupy k principům teorie barev lze nalézt v dílech Leona Battisty Albertiho (kolem 1435) a zápiscích Leonarda da Vinciho (kolem 1490).
Formalizace "teorie barev" začala v 18. století, zpočátku v rámci stranické kontroverze ohledně Isaac Newtonovy teorie barev (Opticks, 1704) a povahy primárních barev. Od té doby se vyvinula jako nezávislá umělecká tradice s pouze povrchním odkazem na kolorimetrii a vědu o zraku.
C ♯ (C křížek) je hudební tón, který leží o půltón výše než C a o diatonický půltón níže než D; je to druhý půltón v solmizační stupnici. C křížek je tedy enharmonicky shodný s D♭. Je to druhý půltón ve francouzské solmizační stupnici a je tam známý jako do dièse. V některých evropských notacích je známý jako Cis. V rovnoměrně temperovaném ladění je také enharmonicky shodný s H (H dvojitý křížek/Hisis). Když se vypočítá v rovnoměrně temperovaném ladění s referencí A nad středním C jako 440 Hz, frekvence C♯4 (C♯ nad středním C) je přibližně 277,183 Hz. Viz výška tónu (hudba) pro diskusi o historických variacích ve frekvenci.
Anselm Kieffer Anselm Kieffer je německý malíř a sochař, který se narodil 8. března 1945 v německém městě Donuaeschingen. Vystudoval u Petera Drehera a Horsta Antes. Ve své tvorbě používá nejrůznější materiály, jako je sláma, popel, hlína, olovo a šelak. Při vytváření děl čerpá inspiraci z básní Paula Celana, které se věnují německé historii a hrůzám holocaustu, stejně jako z duchovních konceptů kabaly. Celé Kiefferovo dílo je charakteristické vyrovnáváním se s minuloстью a otevřeným přístupem k tabuizovaným a kontroverzním otázkám nedávné historii. Prvky nacistické vlády se ve své tvorbě odrážejí velmi často, například obraz Margarethe (olej a sláma na plátně) vznikl pod vlivem Celanovy známé básně „Todesfuge“ (Smrt fugou). Pro jeho díla je typická neústupná snaha čelit temné minulosti a nevyužitému potencionální společnosti, při níž často volí velkoformátové konfrontační formát, který dokonale odpovídá daným tématům. Dále je pro jeho díla charakteristické užívání symbolů a jmen historicky významných osobností, legendárních bytoстей a historicky významných míst. Jedná se o zakódované symboly, jejichž pomocí se Kieffer snaží vyrovnat s minuloстью. Díky tomu je jeho tvorba spojována s hnutími nového symbolismus a neoexpresionismus. Od roku 1992 žije a pracuje ve Francii. Od roku 2008 žije a pracuje převážně v Paříži. V roce 2018 získal rakouské státní obča
Koláž
Koláž je umělecká technika, která se používá především ve výtvarném umění, ale také v hudbě. Koláž vzniká spojením různých materiálů, které dohromady vytvářejí nový celek. (Srovnejte s paštišem, což je "slepení" dohromady.)
Koláž může někdy zahrnovat výstřižky z časopisů a novin, stuhy, barvy, kousky barevných nebo ručně vyrobených papírů, části jiných uměleckých děl nebo textů, fotografie a jiné nalezené předměty, které jsou nalepeny na kus papíru nebo plátna.
Původ koláže lze vysledovat stovky let zpět, ale tato technika se znovu objevila v počátku 20. století jako nová umělecká forma. Termín "papier collé" vytvořili Georges Braque a Pablo Picasso na počátku 20. století, kdy se koláž stala výraznou součástí moderního umění.
Typy koláže
Existuje mnoho různých typů koláže, včetně:
Fotografická koláž: Koláž vytvořená z fotografií.
Papírová koláž: Koláž vytvořená z papíru, například z výstřižků z časopisů nebo novin.
Tkaninová koláž: Koláž vytvořená z látek, například z kousků látky nebo stuh.
Objektová koláž: Koláž vytvořená z trojrozměrných objektů, například z nalezených předmětů nebo hraček.
Digitální koláž: Koláž vytvořená pomocí digitálních nástrojů, například pomocí počítačového programu.
Techniky koláže
Existuje mnoho různých technik koláže, včetně:
Lepení: Nalepení materiálů na podklad pomocí lepidla.
Sešívání: Sešití materiálů k sobě pomocí nitě nebo drátu.
Letování: Spojování materiálů pomocí pájky.
Svařování: Spojování materiálů pomocí svářečky.
Montáž: Uspořádání a sestavení materiálů do nového celku.
Umělci, kteří používají koláž
Mnoho umělců používalo koláž ve své práci, včetně:
Georges Braque
Pablo Picasso
Kurt Schwitters
Hannah Höch
Romare Bearden
Robert Rauschenberg
Jasper Johns
Louise Bourgeois
Kara Walker
Wangechi Mutu
Koláž v moderním umění
Koláž je důležitou součástí moderního umění. Používá se k vytváření nových a inovativních uměleckých děl, která by nebylo možné vytvořit pomocí tradičních metod. Koláž také umožňuje umělcům vyjadřovat své myšlenky a pocity jedinečným a osobním způsobem.
Jean Dubuffet byl francouzský malíř a sochař z École de Paris (Pařížská škola). Jeho idealistický přístup k estetice přijal tzv. „nízké umění“ a vyhýbal se tradičním standardům krásy ve prospěch toho, co považoval za autentičtější a humanističtější přístup k tvorbě obrazu. Je možná nejznámější jako zakladatel uměleckého hnutí art brut a pro sbírku děl – Collection de l'art brut – kterou toto hnutí vytvořilo. Dubuffet se těšil plodné umělecké kariéře ve Francii i v Americe a během svého života se zúčastnil mnoha výstav. Časný život a vzdělávání Jean Philippe Arthur Dubuffet se narodil 31. července 1901 v Le Havre ve Francii. Jeho otec byl obchodník s vínem a jeho matka byla učitelka hudby. Dubuffet projevoval umělecký talent již od útlého věku a v roce 1918 začal studovat malířství na Académie Julian v Paříži. Později studoval na École des Beaux-Arts, ale nakonec odešel, protože nesouhlasil s tradičním výukovým stylem. Umělecká kariéra V roce 1924 měl Dubuffet svou první samostatnou výstavu v galerii Simon v Paříži. Jeho rané práce byly ovlivněny fauvismem a expresionismem, ale později vyvinul svůj vlastní jedinečný styl, který se vyznačoval použitím hrubých textur a sytých barev. Ve 40. letech 20. století začal Dubuffet sbírat díla vytvořená lidmi mimo tradiční umělecký establishment, jako jsou duševně nemocní a děti. Tuto sbírku nazval Collection de l'art brut a považoval ji za zdroj inspirace pro svou vlastní tvorbu. V 50. a 60. letech 20. století se Dubuffet stal jedním z nejvýznamnějších umělců hnutí art brut. Jeho díla byla vystavována v předních galeriích a muzeích po celém světě a on získal řadu ocenění a poct. Odkaz Jean Dubuffet zemřel v Paříži 12. května 1985 ve věku 83 let. Je považován za jednoho z nejvlivnějších umělců 20. století a jeho dílo mělo trvalý dopad na vývoj současného umění. Styl a techniky Dubuffetův styl byl charakteristický použitím hrubých textur, sytých barev a primitivních motivů. Často používal materiály, jako je písek, štěrk a juta, a jeho obrazy byly často vytvářeny pomocí techniky zvané „grattage“, při které se na povrch obrazu škrábe a odstraňuje barva. Témata a náměty Dubuffet se ve své tvorbě často zabýval tématy dětství, šílenství a sexuality. Věřil, že tyto okrajové oblasti společnosti mohou poskytnout cenný pohled na lidskou přirozenost. Význam Dubuffetův přínos k umění 20. století je nesporný. Byl průkopníkem hnutí art brut a jeho dílo pomohlo rozšířit hranice toho, co se považuje za umění. Jeho práce měla také trvalý dopad na vývoj současného umění a nadále inspiruje umělce dodnes.