Umělecká fotografie je fotografie vytvářená v souladu s vizí fotografa jako umělce, který používá fotografii jako médium pro kreativní vyjádření. Cílem umělecké fotografie je vyjádřit myšlenku, poselství nebo emoci. To ji odlišuje od reprezentativní fotografie, jako je fotožurnalismus, která poskytuje dokumentární vizuální zprávu o konkrétních subjektech a událostech a doslova představuje objektivní realitu spíše než subjektivní záměr fotografa; a komerční fotografie, jejímž primárním zaměřením je reklama na produkty nebo služby.
Umělecká fotografie má dlouhou a bohatou historii, která sahá až do počátků fotografie. První umělecké fotografie byly vytvořeny v polovině 19. století fotografy, jako byli William Henry Fox Talbot a Gustave Le Gray. Tito fotografové začali používat fotografii k zachycení svých osobních vizí a emocí spíše než k pouhému dokumentování reality.
V 20. století se umělecká fotografie stala významným uměleckým hnutím. Fotografové jako Alfred Stieglitz, Edward Weston a Ansel Adams pomohli definovat uměleckou fotografii jako samostatnou uměleckou formu. Tito fotografové kladli důraz na formální kvality fotografie, jako je kompozice, světlo a tón.
Dnes je umělecká fotografie uznávaným uměleckým médiem. Je vystavována v galeriích a muzeích po celém světě a sbírána sběrateli umění. Umělecká fotografie nadále hraje důležitou roli v současném uměleckém světě a poskytuje fotografům jedinečný způsob, jak vyjádřit své kreativní vize.
Charakteristika umělecké fotografie
Umělecká fotografie se vyznačuje řadou charakteristik, které ji odlišují od jiných typů fotografie. Tyto vlastnosti zahrnují:
Kreativní vyjádření: Umělecká fotografie je formou kreativního vyjádření. Fotografové používají fotografii k vyjádření svých osobních vizí, emocí a myšlenek.
Estetická kvalita: Umělecké fotografie jsou často považovány za esteticky příjemné. Fotografové používají formální kvality fotografie, jako je kompozice, světlo a tón, k vytvoření vizuálně působivých obrazů.
Technická dokonalost: Umělecké fotografie jsou často technicky dokonalé. Fotografové používají vysoce kvalitní vybavení a pečlivě plánují své snímky, aby zajistili, že jejich fotografie budou ostré, dobře osvětlené a dobře komponované.
Trvalá hodnota: Umělecké fotografie jsou často považovány za trvalé dílo umění. Jsou často vystavovány v galeriích a muzeích a sbírány sběrateli umění.
Druhy umělecké fotografie
Existuje mnoho různých typů umělecké fotografie. Některé z nejběžnějších typů zahrnují:
Krajinářská fotografie: Krajinářská fotografie zachycuje přírodní scenérie. Fotografové často používají krajinářskou fotografii k vyjádření svého smyslu pro úžas a úctu vůči přírodě.
Portrétní fotografie: Portrétní fotografie zachycuje lidi. Fotografové často používají portrétní fotografii k zachycení osobnosti a emocí svých subjektů.
Záběr z ruky: Záběr z ruky zachycuje momenty ze života. Fotografové často používají záběry z ruky k vyprávění příběhů nebo k zachycení emocí každodenních situací.
Abstraktní fotografie: Abstraktní fotografie zachycuje formy a vzory, které se nenacházejí v přírodě. Fotografové často používají abstraktní fotografii k prozkoumání formálních kvalit fotografie.
Umělecká fotografie a technologie
Technologie měla na uměleckou fotografii významný vliv. Digitální fotografie usnadnila fotografům vytváření a úpravu svých obrazů. Díky digitální fotografii mají fotografové také přístup k širší škále fotografických technik a efektů.
Technologie však měla na uměleckou fotografii také negativní dopad. Někteří lidé tvrdí, že digitální fotografie snížila hodnotu fotografie tím, že umožnila fotografům snadno manipulovat se svými obrazy. Jiní tvrdí, že digitální fotografie umožnila fotografům vytvářet kreativnější a inovativnější obrazy.
Budoucnost umělecké fotografie je nejistá. Je však jasné, že technologie bude i nadále hrát důležitou roli v tomto uměleckém médiu.
Nalezený předmět (fr. objet trouvé) neboli readymade (fr. prêt-à-porter) je umělecké dílo vytvořené z neupravených nebo často jen mírně pozměněných předmětů, které nejsou běžně považovány za materiály pro výrobu umění, často proto, že již mají svou ne-uměleckou funkci. Poprvé veřejně využil tento nápad Pablo Picasso, když na svůj obraz nazvaný Zátiší se židlí z rákosí (1912) nalepil vytištěný obrázek židle. Marcel Duchamp pak tento koncept údajně zdokonalil o několik let později, když vytvořil sérii readymade, která se skládala z naprosto nezměněných běžných předmětů, které Duchamp vybral a označil za umění. Nejslavnějším příkladem je Fontána (1917), standardní pisoár zakoupený v železářství a vystavený na podstavci, opřený o záda. V nejpřísnějším slova smyslu se termín "readymade" vztahuje výhradně na díla vytvořená Marcelem Duchampem, který si tento termín vypůjčil z oděvního průmyslu (fr. prêt-à-porter, doslova "připravené k nošení"), když žil v New Yorku, a zejména na díla z let 1913 až 1921. Nalezené předměty získávají svou identitu jako umění díky označení, které jim dal umělec, a díky společenské historii, která je s předmětem spojena. To může být naznačeno buď jeho anonymním opotřebením (jako v kolážích Kurta Schwitterse), nebo jeho rozpoznatelností jako spotřebitelské ikony (jako v sochách Haima Steinbacha). Velmi důležitým faktorem je také souvislost, do které je umístěn. Myšlenka povýšení všedních předmětů tímto způsobem byla původně šokující výzvou vůči přijímanému rozlišení mezi tím, co bylo považováno za umění, a tím, co nebylo. Přestože je dnes ve světě umění přijímána jako životaschopná praxe, nadále vzbuzuje otázky, jako například výstava Tracey Eminové My Bed v Tate Gallery v rámci Turner Prize, která doslova spočívala v přenesení její neupravené a rozházené postele obklopené odhozenými šaty a dalším nepořádkem přímo z její ložnice do Tate. V tomto smyslu dává umělec divákovi čas a prostor k přemýšlení o předmětu. Nalezené předměty tak mohou vyvolat u pozorovatele filozofické úvahy od znechucení přes lhostejnost až po nostalgii a empatii. Jako umělecká forma bývají nalezené předměty součástí uměleckého výstupu - přinejmenším myšlenky o něm, tj. označení předmětu za umění umělcem - které je téměř vždy podpořeno názvem. Obvykle dochází k určité míře úpravy nalezeného předmětu, i když ne vždy v takové míře, že jej nelze rozpoznat, jako je tomu u readymade. Nedávná kritická teorie by však tvrdila, že pouhé označení a přemístění jakéhokoli předmětu, včetně readymade, představuje úpravu předmětu, protože mění naše vnímání jeho užitečnosti, jeho životnosti nebo jeho statusu.
Řezbářství
Řezbářství je činnost, při níž se používají nástroje k vytvarování něčeho z materiálu odstraňováním jeho částí. Tuto techniku lze použít na jakýkoli materiál, který je dostatečně pevný, aby držel tvar, i když z něj byly odstraněny kusy, a přitom dostatečně měkký, aby se daly části oškrábat dostupnými nástroji. Řezbářství, jako prostředek k výrobě kamenných nebo dřevěných soch, se liší od metod používajících měkké a tvárné materiály, jako je hlína, ovoce a tavené sklo, které lze tvarovat do požadovaných forem, dokud jsou měkké, a poté v této formě ztvrdnou. Řezbářství obvykle vyžaduje mnohem více práce než metody používající tvárné materiály.
Druhy řezbářství
Mezi druhy řezbářství patří:
Řezbářství kostí
Řezbářství štěpů
Řezbářství ovoce
Řezbářství tykví nebo tykvové umění
Řezbářství ledu nebo ledová socha
Řezbářství ze slonoviny
Řezbářství kamene
Petroglyf
Řezbářství zeleniny
Thaeng yuak (řezbářství banánových stonků)
Řezbářství dřeva
Řezbářství tuláků
Řezbářství stromů
Arborglyf
Historie mediálního umění Historie mediálního umění je interdisciplinární obor výzkumu, který zkoumá současný vývoj a také historii a genealogii nového mediálního umění, digitálního umění a elektronického umění. Na jedné straně se historie mediálního umění zabývá současnou interakcí umění, technologie a vědy. Na druhé straně si klade za cíl odhalit historické vztahy a aspekty „posmrtného života“ (Aby Warburg) v novém mediálním umění prostřednictvím historického komparativního přístupu. Tento výzkumný směr zahrnuje otázky historie médií a vnímání, tzv. archetypů, stejně jako ikonografie a historie idejí. Jedním z hlavních úkolů historie mediálního umění je navíc poukázat na roli digitálních technologií pro současné postindustriální společnosti a čelit marginalizaci uměleckých praktik a uměleckých předmětů: „Digitální technologie zásadně změnily způsob, jakým se umění vytváří. Za posledních čtyřicet let se mediální umění stalo významnou součástí naší síťové informační společnosti. Přestože existují dobře navštěvované mezinárodní festivaly, kolaborativní výzkumné projekty, výstavy a zdroje dokumentace databází, výzkum mediálního umění je na univerzitách, v muzeích a archivech stále okrajový. V našich hlavních kulturních institucích zůstává do značné míry podfinancovaný.“ Samotný pojem nové mediální umění má pro tento obor velký význam. Nové mediální umění je zastřešující pojem, který zahrnuje umělecké formy, které jsou produkovány, upravovány a přenášeny prostřednictvím digitálních technologií, nebo v širším smyslu využívají „nové“ a vznikající technologie, které pocházejí z vědeckého, vojenského nebo průmyslového kontextu. Většina autorů, kteří se snaží „vymezit“ estetický objekt nového mediálního umění, zdůrazňuje aspekty interactivity, procesuálnosti, multimédií a reálného času. Těžiště nového mediálního umění spočívá v kulturních, politických a sociálních implikacích, stejně jako v estetických možnostech – více či méně jeho „mediální specifickosti“ – digitálních médií. Vědci proto uznávají funkci mediálních technologií v novém mediálním umění nejen jako „nosiče“ významu, ale spíše jako prostředek, který zásadně formuje samotný význam uměleckého díla. Navíc je oblast nového mediálního umění stále více ovlivňována novými technologiemi, které překonávají tradiční chápání (uměleckých) médií. To se projevuje ve vztahu k technologiím, které pocházejí z oblasti biotechnologií a biologických věd a které jsou využívány v uměleckých praktikách, jako je bioart, genetické umění a transgenní umění. Pojem nové mediální umění tedy neimplikuje ustálený „žánr“ umělecké produkce. Místo toho se jedná o oblast, která zdůrazňuje nové technologie (aby se vytvořil jasný rozdíl s tradičními uměleckými médii a žánry). Seznam žánrů, které jsou běžně zahrnuty pod označení nové mediální umění, ilustruje jeho široký záběr a zahrnuje mimo jiné virtuální umění, softwarové umění, internetové umění, herní umění, glitch art, telematické umění, bioart/genetické umění, interaktivní umění, počítačovou animaci a grafiku a hacktivismus a taktická média. Tyto poslední dva „žánry“ se zejména silně zaměřují na vzájemné působení umění a (politického) aktivismu.
Sociální socha je pojem používaný k popisu rozšířeného pojetí umění, které vymyslel umělec a spoluzakladatel německé Strany zelených, Joseph Beuys. Beuys vytvořil termín "sociální socha", aby ztělesnil své chápání potenciálu umění transformovat společnost. Jako umělecké dílo zahrnuje sociální socha lidskou činnost, která se snaží strukturovat a utvářet společnost nebo životní prostředí. Ústřední myšlenkou sociálního sochaře je umělec, který vytváří struktury ve společnosti pomocí jazyka, myšlenek, činů a předmětů.
Historie sociální sochy
Koncept sociální sochy se poprvé objevil v 60. letech 20. století v díle Josepha Beuyse. Beuys byl německý umělec, který se zajímal o vztah mezi uměním a společností. Věřil, že umění má moc měnit svět a že umělci mají zodpovědnost využívat své umění k pozitivním změnám.
Beuys vytvořil řadu sociálních soch, včetně "7000 dubů" a "Fat Corner". Tyto sochy byly vytvořeny s cílem vyvolat diskusi o společenských a politických otázkách. Například "7000 dubů" byl projekt, ve kterém Beuys zasadil 7000 dubů v městských oblastech po celém světě. Cílem projektu bylo zvýšit povědomí o důležitosti životního prostředí a potřebě chránit přírodní zdroje.
Charakteristika sociální sochy
Sociální socha se vyznačuje několika klíčovými charakteristikami:
Je interaktivní: Sociální socha je určena k tomu, aby zapojila diváky a vyvolala u nich reakci.
Je efemérní: Sociální socha často existuje pouze po krátkou dobu. Je určena k tomu, aby byla prožita v daném okamžiku a poté zmizela.
Je politická: Sociální socha často vyjadřuje politický názor nebo komentář. Je určena k tomu, aby vyvolala diskusi o společenských a politických otázkách.
Příklady sociální sochy
Existuje mnoho příkladů sociální sochy, vytvořené různými umělci. Zde jsou některé z nejznámějších:
7000 dubů od Josepha Beuyse
Fat Corner od Josepha Beuyse
The Dinner Party od Judy Chicago
The Gates od Christa a Jeanne-Claude
The Floating Piers od Christa a Jeanne-Claude
Sociální socha v dnešní době
Koncept sociální sochy je stále relevantní i dnes. Umělci nadále vytvářejí sociální sochy, aby vyvolali diskusi o společenských a politických otázkách. Sociální socha je mocný nástroj, který lze využít k pozitivním změnám ve světě.
Reliéf Reliéf je sochařská technika, při níž jsou vytesané části připevněny k pevnému pozadí ze stejného materiálu. Termín reliéf pochází z latinského slovesa relevo, zvednout. Vytvořit sochu v reliéfu znamená dát dojem, že vytesaný materiál byl vyvýšen nad pozadí. Když je reliéf vytesán do plochého povrchu kamene (reliéfní sochařství) nebo dřeva (reliéfní řezba), pole je ve skutečnosti sníženo, takže nevytesané oblasti se zdají být vyšší. Tento přístup vyžaduje hodně dlabání pozadí, což trvá dlouho. Na druhou stranu reliéf šetří tvarování zadní části objektu a je méně křehký a bezpečněji upevněný než socha v rondelu, zejména socha stojící postavy, kde jsou kotníky potenciálně slabým místem, zejména v kameni. V jiných materiálech, jako je kov, hlína, sádrová štuka, keramika nebo papír-mâché, lze tvar jednoduše přidat nebo vyvýšit z pozadí. Monumentální bronzové reliéfy se vyrábějí odléváním. Existují různé stupně reliéfu v závislosti na stupni výčnělku vytesané formy z pole, pro které se v angličtině stále někdy používají italské a francouzské výrazy. Celá řada zahrnuje vysoký reliéf (italský alto-rilievo, francouzský haut-relief), kde je zobrazeno více než 50 % hloubky a mohou zde být podříznuté oblasti, střední reliéf (italský mezzo-rilievo), nízký reliéf (italský basso-rilievo, francouzsky: bas-relief) a mělko-reliéf (italský rilievo schiacciato), kde je rovina jen velmi málo nižší než vytesané prvky. Existuje také vpadlý reliéf, který byl omezen především na starověký Egypt (viz níže). Rozdíl mezi vysokým a nízkým reliéfem je však nejjasnější a nejdůležitější a tyto dva termíny se obecně používají k diskusi o většině děl. Definice těchto termínů je poněkud variabilní a mnoho děl kombinuje oblasti ve více než jednom z nich, zřídka mezi nimi přechází v jediné postavě; někteří autoři proto raději vyhýbají se všem rozdílům. Opakem reliéfního sochařství je kontrareliéf, intaglio nebo cavo-rilievo, kde je forma vyřezána do pole nebo pozadí, nikoli z něj vystupuje; to je ve monumentálním sochařství velmi vzácné. Ve všech těchto termínech se mohou nebo nemusí používat spojovníky, ačkoli ve výrazech "sunk relief" se téměř nevidí a ve výrazech "bas-relief" a "counter-relief" jsou obvyklé. Díla v této technice jsou popisována jako "v reliéfu" a zejména v monumentálním sochařství je samotné dílo "reliéf". Reliéfy jsou běžné po celém světě na stěnách budov a v různých menších prostředích a posloupnost několika panelů nebo částí reliéfu může představovat rozšířený příběh. Reliéf je vhodnější pro zobrazení komplikovaných námětů s mnoha postavami a velmi aktivními pózami, jako jsou bitvy, než volně stojící "socha v rondelu". Většina starověkých architektonických reliéfů byla původně malovaná, což pomohlo definovat tvary v nízkém reliéfu. Předmětem reliéfů je pro pohodlnou referenci v tomto článku obvykle považováno za postavy, ale sochařství v reliéfu často zobrazuje dekorativní geometrické nebo listové vzory, jako jsou arabesky v islámském umění, a může mít jakýkoli předmět. Skalní reliéfy jsou ty, které jsou vytesány do pevné skály pod širým nebem (pokud jsou uvnitř jeskyní, ať už přírodních nebo člověkem vytvořených, je pravděpodobnější, že se jim bude říkat "skalní řezba"). Tento typ se vyskytuje v mnoha kulturách, zejména v těch ze starověkého Blízkého východu a buddhistických zemích. Stéle je jediný stojící kámen; mnoho z nich nese reliéfy.
Aukce uměleckých děl
Aukce uměleckých děl je prodej uměleckých děl, ve většině případů v aukční síni. V Anglii se tento způsob prodeje datuje do poslední třetiny 17. století, kdy byla ve většině případů potlačena jména dražitelů. V červnu 1693 John Evelyn zmiňuje "velkou aukci obrazů (lorda Melfort) v Banqueting House, Whitehall" [1] [2] a tuto praxi často zmiňují i jiní současní a pozdější spisovatelé. [1] Obvykle se dlouho před datem aukce sestaví a zveřejní aukční katalog, který obsahuje seznam uměleckých děl, která mají být prodána. Mezi nejznámější aukční domy patří Christie's a Sotheby's. Nejstarším aukčním domem je Stockholms Auktionsverk. Byl založen ve Švédsku v roce 1674.
Průběh aukce
Aukce se obvykle koná v aukční síni a řídí ji dražitel. Dražitel začne vyvolávat jednotlivá umělecká díla a přijímá nabídky od účastníků aukce. Nejvyšší nabídce je pak umělecké dílo přiděleno.
Účastníci aukce
Účastníky aukce mohou být jednotlivci, sběratelé, obchodníci s uměním a muzea. Někteří účastníci mohou nakupovat umělecká díla pro vlastní sbírku, zatímco jiní je mohou nakupovat za účelem zisku.
Typy aukcí
Existují různé typy aukcí, včetně:
Aukce s vyvolávací cenou: V tomto typu aukce je stanovena minimální cena, pod kterou nebude umělecké dílo prodáno.
Aukce bez vyvolávací ceny: V tomto typu aukce neexistuje žádná minimální cena a umělecké dílo je prodáno nejvyšší nabídce.
Tajná aukce: V tomto typu aukce účastníci aukce podávají své nabídky písemně a nejvyšší nabídce je pak umělecké dílo přiděleno.
Ceny uměleckých děl
Ceny uměleckých děl se mohou značně lišit v závislosti na různých faktorech, včetně:
Kvalita uměleckého díla: Čím vyšší je kvalita uměleckého díla, tím vyšší je jeho cena.
Vzáácnost uměleckého díla: Čím vzácnější je umělecké dílo, tím vyšší je jeho cena.
Umělec: Díla známých a uznávaných umělců mají obvykle vyšší cenu než díla neznámých umělců.
Historický význam: Díla, která mají historický význam, mají obvykle vyšší cenu než díla, která nemají žádný historický význam.
Investice do umění
Investice do umění může být riskantní, ale může být také lukrativní. Hodnota uměleckých děl může v průběhu času růst, což může investorům přinést značné zisky. Je však důležité si uvědomit, že hodnota uměleckých děl může také klesat, což může investorům přinést ztráty.
Výtvarná výchova je oblast vzdělávání, která vychází z druhů umění, které lze vidět, výtvarné umění – kresba, malba, sochařství, grafika a design ve šperkařství, keramice, tkaní, textiliích atd. a design aplikovaný v praktičtějších oblastech, jako je komerční grafika a bytové zařízení. Mezi současná témata patří fotografie, video, film, design a počítačová grafika. Výtvarná výchova se může zaměřovat na to, aby žáci vytvářeli umění, učili se kritizovat nebo oceňovat umění nebo na nějakou kombinaci těchto dvou přístupů.
Cíle výtvarné výchovy
Cílem výtvarné výchovy je rozvíjet u žáků:
Schopnost vizuálně vnímat a interpretovat svět kolem sebe
Schopnost vyjadřovat své myšlenky a pocity prostřednictvím vizuálních prostředků
Znalost a porozumění různých uměleckých stylů, technik a materiálů
Schopnost kriticky analyzovat a oceňovat umělecká díla
Schopnost využívat výtvarné umění k sebevyjádření a komunikaci
Obsah výtvarné výchovy
Obsah výtvarné výchovy se může lišit v závislosti na věku a úrovni žáků, ale obecně zahrnuje následující oblasti:
Kresba: Žáci se učí základním kreslířským technikám, jako je kreslení čar, tvarů a perspektivy.
Malba: Žáci se učí různým malířským technikám, jako je akvarel, tempera a olej.
Sochařství: Žáci se učí vytvářet sochy z různých materiálů, jako je hlína, sádra a dřevo.
Grafika: Žáci se učí různým grafickým technikám, jako je linoryt, sítotisk a lept.
Design: Žáci se učí základům designu, jako je kompozice, barva a typografie.
Dějiny umění: Žáci se učí o historii umění, různých uměleckých stylech a významných umělcích.
Kritika umění: Žáci se učí, jak analyzovat a kritizovat umělecká díla.
Metody výtvarné výchovy
Metody výtvarné výchovy se mohou lišit v závislosti na věku a úrovni žáků, ale obecně zahrnují následující přístupy:
Praktická tvorba: Žáci vytvářejí vlastní umělecká díla.
Diskuse: Žáci diskutují o uměleckých dílech a uměleckých pojmech.
Prezentace: Žáci prezentují svá umělecká díla a myšlenky.
Exkurze: Žáci navštěvují muzea a galerie, aby se dozvěděli více o umění.
Projekty: Žáci pracují na dlouhodobých projektech, které jim umožňují prozkoumat různá témata a techniky.
Význam výtvarné výchovy
Výtvarná výchova má mnoho výhod pro žáky, včetně:
Rozvoj kreativity a představivosti
Zlepšení vizuální gramotnosti
Zvýšení sebevědomí a sebevyjádření
Rozvoj kritického myšlení a řešení problémů
Posílení spolupráce a komunikace
Příprava na kariéru v oblasti umění nebo designu
Závěr
Výtvarná výchova je důležitou součástí vzdělávání všech žáků. Poskytuje jim příležitost rozvíjet svou kreativitu, vizuální gramotnost a kritické myšlení. Výtvarná výchova také pomáhá žákům vyjádřit své myšlenky a pocity, spolupracovat s ostatními a připravit se na kariéru v oblasti umění nebo designu.
Galerie umění Galerie umění je místnost nebo budova, ve které je vystaveno vizuální umění. V západních kulturách byla od poloviny 15. století galerií jakákoli dlouhá, úzká krytá chodba podél zdi, poprvé použitá ve smyslu místa pro umění v 1590. letech. Dlouhá galerie v alžbětinských a jakobínských domech sloužila mnoha účelům včetně vystavování umění. Historicky bylo umění vystavováno jako důkaz postavení a bohatství a pro náboženské umění jako předměty rituálu nebo zobrazování příběhů. První galerie byly v palácích aristokracie nebo v kostelích. Jak rostly sbírky umění, budovy byly věnovány umění a staly se prvními uměleckými muzei. Mezi moderní důvody, proč může být umění vystavováno, patří estetické potěšení, vzdělávání, historická ochrana nebo marketingové účely. Tento termín se používá pro označení zařízení s odlišnými sociálními a ekonomickými funkcemi, veřejnými i soukromými. Instituce, které uchovávají stálou sbírku, mohou být nazývány buď "galerií umění" nebo "muzeem umění". V případě druhého názvu se místnosti, ve kterých je umění vystaveno v budově muzea, nazývají galerie. Galerie umění, které neudržují sbírku, jsou buď komerčními podniky pro prodej uměleckých děl, nebo podobnými prostory provozovanými uměleckými družstvy nebo neziskovými organizacemi. Galerie umění hrají jako součást uměleckého světa důležitou roli při udržování sítě spojení mezi umělci, sběrateli a uměleckými odborníky, kteří definují výtvarné umění.
Umělecké centrum Umělecké centrum se liší od umělecké galerie nebo muzea umění. Umělecké centrum je funkční komunitní centrum se specifickým posláním podporovat uměleckou praxi a poskytovat zázemí, jako je divadelní prostor, galerijní prostor, místa pro hudební vystoupení, dílny, vzdělávací zařízení, technické vybavení atd. Ve Spojených státech jsou „art centra“ obecně buď zařízení zaměřená na vystavování, vytváření a zpřístupňování umělecké tvorby umělecky zaměřeným jednotlivcům, nebo budovy, které se pronajímají především umělcům, galeriím nebo společnostem zabývajícím se uměleckou tvorbou. Ve Velké Británii byla v roce 1927 v Liverpoolu založena Bluecoat Society of Arts díky úsilí skupiny umělců a milovníků umění, kteří od roku 1907 obývali Bluecoat Chambers. Většina britských uměleckých center vznikla po druhé světové válce a postupně se změnila z převážně středostavovských míst na módní alternativní centra v 60. a 70. letech a nakonec v 80. letech začala sloužit celé komunitě s programem umožňujícím přístup vozíčkářům a osobám se zdravotním postižením a skupinám. Ve zbytku Evropy je mezi většinou uměleckých center běžné, že jsou částečně financovány vládou, protože jsou považovány za pozitivní vliv na společnost a ekonomiku podle filozofie rýnského modelu. Mnoho z těchto organizací vzniklo v 70., 80. a 90. letech jako okupované prostory a později byly legalizovány.