Washingtonská barevná škola
Washingtonská barevná škola, známá také jako Washingtonská, D.C., barevná škola, byla umělecké hnutí, které vzniklo v 50. letech 20. století ve Washingtonu, D.C. ve Spojených státech. Založili ho abstraktní expresionističtí umělci.
Hnutí vzniklo v době, kdy se společnost, umění a lidé rychle měnili. Zakladateli tohoto hnutí byli Morris Louis a Kenneth Noland, nicméně na první výstavě v roce 1965 se podíleli ještě čtyři další umělci.
Styl a techniky
Umělci Washingtonské barevné školy se zaměřovali na barvu jako primární vyjadřovací prostředek. Jejich díla byla často velká a jednoduchá, s plochými barvami a jasnými okraji. Umělci často používali akrylové barvy, které jim umožňovaly vytvářet rovnoměrné a intenzivní barvy.
Jednou z nejcharakterističtějších technik Washingtonské barevné školy byla technika "nalévání". Umělci nalili barvu na plátno a nechali ji stékat a mísit se. To jim umožnilo vytvořit organické a atmosférické efekty.
Hlavní umělci
Kromě Morrisa Louise a Kennetha Nolanda byli dalšími významnými umělci Washingtonské barevné školy:
Gene Davis
Thomas Downing
Howard Mehring
Paul Reed
Vliv
Washingtonská barevná škola měla významný vliv na vývoj amerického umění. Pomohla popularizovat abstraktní expresionismus a otevřela cestu pro další hnutí, jako byl minimalismus a postminimalismus.
Výstavy a sbírky
Díla umělců Washingtonské barevné školy byla vystavována v mnoha muzeích a galeriích po celém světě. Jejich díla jsou také součástí významných sbírek, jako je Muzeum moderního umění v New Yorku a Národní galerie umění ve Washingtonu, D.C.
Odkaz
Washingtonská barevná škola zůstává důležitým hnutím v historii amerického umění. Její zaměření na barvu a použití inovativních technik mělo trvalý dopad na vývoj abstraktního umění.
Špatná malba je název, který kritička a kurátorka Marcia Tuckerová dala trendu v americké figurativní malbě v 70. letech 20. století. Uspořádala výstavu se shodným názvem v New Museum of Contemporary Art v New Yorku, která představila díla čtrnácti umělců, kteří tehdy v New Yorku nebyli příliš známí. Výstava probíhala od 14. ledna do 28. únor 1978. Tuckerová definovala "špatnou" malbu[1] jako cílený nebo záměrný protiklad k nedávným stylům malby, nikoli ve smyslu technického selhání, špatného uměleckého úsudku nebo amatérských či outsiderkých pokusů. Tisková zpráva k výstavě[2] shrnula "špatnou" malbu jako "ironický název pro 'dobrou malbu', která se vyznačuje deformovanými figurami, směsicí uměleckohistorickými a neartistickými prvky a fantastickým a neuctivým obsahem. Ve svém popírání přesného vyobrazení a odmítání konvenčních postojů k umění je 'špatná' malba zárove 8; zábavená a dojemná a často skandální ve své provokaci standardů dobrého vkusu." "Špatná", jak naznačuje Tuckerové použití uvozovek, je tak termín schválení pro odchylky od tehdy uznávaných stylů.
Nouveau réalisme
Vznik
Nouveau réalisme (česky Nový realismus) je umělecké hnutí, které vzniklo v roce 1960. Založili ho umělecký kritik Pierre Restany a malíř Yves Klein během první kolektivní výstavy v galerii Apollinaire v Miláně.
Manifest
Pierre Restany napsal původní manifest pro skupinu s názvem "Constitutive Declaration of New Realism" (Ústavní deklarace nového realismu) v dubnu 1960, kde prohlásil: "Nouveau Réalisme - nové způsoby vnímání reality." Toto společné prohlášení bylo podepsáno 27. října 1960 v ateliéru Yvese Kleina devíti osobami: Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Pierre Restany, Daniel Spoerri, Jean Tinguely a Ultra-Lettristi, Francois Dufrêne, Raymond Hains, Jacques de la Villeglé; v roce 1961 se k nim přidali César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle a Gérard Deschamps. Umělec Christo se skupinou také vystavoval. Hnutí se rozpadlo v roce 1970.
Souvislosti
Nouveau realismus byl současný s americkým pop artem a je často považován za jeho transpozici ve Francii. Spolu s Fluxusem a dalšími skupinami byl jedním z mnoha směrů avantgardy v 60. letech. Skupina si původně zvolila jako své sídlo Nice na Francouzské riviéře, protože tam oba pocházeli Klein a Arman; nouveau realismus je proto historiky často zpětně považován za raného představitele hnutí École de Nice.
Umělecké principy
Nouveau realismus se vyznačoval používáním každodenních předmětů a materiálů v uměleckých dílech. Umělci se snažili vytvořit umění, které bylo skutečné a autentické, a odmítali tradiční umělecké techniky a materiály. Často používali nalezené předměty, jako jsou odpadky, novinové výstřižky a reklamy. Jejich díla byla často provokativní a ironická a zkoumala vztah mezi uměním a každodenním životem.
Významní umělci
Mezi nejvýznamnější umělce spojené s nouveau realismem patří:
Yves Klein (1928-1962)
Arman (1928-2005)
Martial Raysse (1936-)
Pierre Restany (1930-2003)
Daniel Spoerri (1930-)
Jean Tinguely (1925-1991)
Francois Dufrêne (1930-1985)
Raymond Hains (1926-2005)
Jacques de la Villeglé (1926-2016)
César (1921-1998)
Mimmo Rotella (1918-2006)
Niki de Saint Phalle (1930-2002)
Gérard Deschamps (1937-2012)
Odkaz
Nouveau realismus byl vlivným uměleckým hnutím, které pomohlo změnit vnímání umění ve 20. století. Jeho důraz na každodenní život a používání nalezených předmětů inspiroval mnoho pozdějších umělců. Hnutí je dodnes studováno a oceňováno pro svou inovativnost a odvahu.
Feministické umění Feministické umění je kategorie umění spojená s feministickým hnutím konce 60. a 70. let. Feministické umění zdůrazňuje společenské a politické rozdíly, které ženy zažívají ve svých životech. Očekávaným přínosem tohoto uměleckého směru je přinést světu pozitivní a chápavou změnu v naději, že povede k rovnosti nebo osvobození. Používaná média sahají od tradičních uměleckých forem, jako je malba, až po neortodoxnější metody, jako je performance art, konceptuální umění, body art, craftivism, video, film a fiber art. Feministické umění sloužilo jako inovativní hybná síla k rozšíření definice umění prostřednictvím začlenění nových médií a nové perspektivy.
Arte Povera
Arte Povera (italsky [ˈarte ˈpɔːvera]; doslova "chudé umění") bylo umělecké hnutí, které se objevilo na konci 60. a na počátku 70. let 20. století ve významných italských městech, především v Turíně. Dalšími městy, kde mělo hnutí významný vliv, byly Milán, Řím, Janov, Benátky, Neapol a Bologna. Termín zavedl italský umělecký kritik Germano Celant v roce 1967 [1] a poprvé se objevil v Itálii v době společenských otřesů na konci 60. let, kdy umělci zaujímali radikální postoje. [2] Umělci začali napadat hodnoty zavedených institucí, vlády, průmyslu a kultury. Jedny z prvních výstav umělců spojených s Arte Povera se konaly v galerii Christian Stein v Turíně, kterou provozovala Margherita Stein. [3] Výstava "IM Spazio" (Prostor myšlenek), kterou uspořádal Celant a která se konala v galerii La Bertesca v Janově v Itálii od září do října 1967, je často považována za oficiální počátek Arte Povera. [2] Celant, který se stal jedním z hlavních zastánců Arte Povera, uspořádal dvě výstavy v letech 1967 a 1968, po kterých následovala vlivná kniha Arte Povera Storie e protagonisti/Arte Povera. Histories and Protagonists, kterou vydalo nakladatelství Electa v roce 1985 a která propagovala myšlenku revolučního umění, osvobozeného od konvencí, moci struktury a trhu. Přestože se Celant snažil zahrnout radikální prvky z celé mezinárodní scény, termín se správně zaměřil na skupinu italských umělců, kteří útočili na korporátní mentalitu pomocí umění netradičních materiálů a stylů. Klíčovými osobnostmi úzce spojenými s hnutím jsou Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Enrico Castellani, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini a Gilberto Zorio. [4] Ve svých dílech často používali nalezené předměty. Mezi další rané představitele radikální změny ve výtvarném umění patří umělci proto-Arte Povera: Antoni Tàpies a hnutí Dau al Set, Alberto Burri, Piero Manzoni a Lucio Fontana a spazialismus. Obchodnice s uměním Ileana Sonnabend byla zastánkyní tohoto hnutí. [1]
Charakteristika Arte Povera
Arte Povera se vyznačovalo používáním netradičních a "chudých" materiálů, jako jsou:
Země, písek, kameny
Dřevo, kov, textil
Papír, lepenka, noviny
Rostliny, zvířata, potraviny
Umělci Arte Povera často vytvářeli díla, která byla efemérní, zranitelná a měla krátkou životnost. Tím chtěli zdůraznit pomíjivost života a umění a zpochybnit tradiční hodnoty a materiály spojované s uměním.
Témata Arte Povera
Arte Povera zkoumala řadu témat, včetně:
Vztah mezi člověkem a přírodou
Úloha umění ve společnosti
Pomíjivost života a umění
Politická a sociální kritika
Umělci Arte Povera často vytvářeli díla, která byla otevřená interpretaci a vyzývala diváky, aby se zamysleli nad složitými vztahy mezi uměním, životem a světem.
Vliv Arte Povera
Arte Povera mělo významný vliv na vývoj současného umění. Jeho důraz na netradiční materiály a efemérní díla pomohl rozšířit hranice toho, co se považuje za umění. Hnutí také inspirovalo další umělecká hnutí, jako je land art a konceptualismus.
Významní umělci Arte Povera
Mezi nejvýznamnější umělce Arte Povera patří:
Jannis Kounellis: Řecký umělec známý svými instalacemi, které často zahrnovaly živá zvířata, potraviny a nalezené předměty.
Mario Merz: Italský umělec známý svými iglu z nejrůznějších materiálů, které symbolizovaly ochranu a úkryt.
Michelangelo Pistoletto: Italský umělec známý svými zrcadlovými obrazy a instalacemi, které zkoumaly vztah mezi divákem a uměleckým dílem.
Procesuální umění
Procesuální umění je umělecký směr, ve kterém není hlavním cílem konečný produkt uměleckého díla, ale samotný proces jeho vzniku. Proces tvorby je považován za jeden z nejdůležitějších aspektů, ne-li za nejdůležitější vůbec. Mezi tyto procesy patří sbírání, třídění, uspořádávání, přiřazování, vytváření vzorů a především zahájení akcí a postupů.
Procesuální umělci viděli umění jako čistý lidský výraz. Procesuální umění obhajuje myšlenku, že proces vytváření uměleckého díla může být samo o sobě uměleckým dílem. Umělec Robert Morris předpověděl "anti-formu", proces a čas nad objektivním hotovým výrobkem.
Charakteristika procesuálního umění
Zaměření na proces: Hlavním důrazem procesuálního umění je na proces tvorby, nikoli na konečný produkt.
Anti-forma: Procesuální umělci se často stavěli proti tradičním formám umění, jako je malba a sochařství. Místo toho se zaměřili na netradiční materiály a techniky.
Čas: Procesuální umění často zahrnuje dlouhodobé procesy, které mohou trvat dny, týdny nebo dokonce roky.
Akce: Procesuální umění často zahrnuje akce, jako je sbírání, třídění a uspořádávání. Tyto akce jsou považovány za nedílnou součást uměleckého díla.
Spolupráce: Procesuální umění často zahrnuje spolupráci mezi umělci a diváky. Diváci jsou vyzýváni, aby se účastnili procesu tvorby.
Významní umělci procesuálního umění
Robert Morris: Americký umělec, který je považován za jednoho z průkopníků procesuálního umění. Jeho díla často zahrnovala netradiční materiály, jako je plsť a kaučuk.
Eva Hesse: Německo-americká umělkyně, jejíž díla zkoumala témata těla, sexuality a identity. Často používala organické materiály, jako je latex a tkanina.
Richard Serra: Americký sochař, který je známý svými monumentálními ocelovými sochami. Jeho díla často zkoumají vztah mezi prostorem a časem.
Bruce Nauman: Americký umělec, jehož díla zahrnují širokou škálu médií, včetně videa, sochařství a instalace. Jeho díla často zkoumají témata identity, jazyka a tělesnosti.
Vliv procesuálního umění
Procesuální umění mělo významný vliv na vývoj současného umění. Jeho důraz na proces a anti-formu otevřel dveře novým možnostem umělecké tvorby. Procesuální umění také pomohlo rozbít hranice mezi uměním a životem.
Postmoderní umění
Postmoderní umění je soubor uměleckých hnutí, která se snažila odporovat některým aspektům modernismu nebo některým aspektům, které vznikly nebo se vyvinuly v jeho důsledku.
Obecně jsou jako postmoderní popisována hnutí jako intermedia, instalační umění, konceptuální umění a multimédia, zejména zahrnující video.
Existuje několik charakteristik, které umění řadí k postmodernismu; patří mezi ně brikoláž, výrazné používání textu jako ústředního uměleckého prvku, koláž, zjednodušení, apropriace, performativní umění, recyklace minulých stylů a témat v moderním kontextu, jakož i prolomení bariéry mezi výtvarným a vysokým uměním a nízkým uměním a populární kulturou.
Historie postmoderního umění
Postmoderní umění vzniklo v 60. letech 20. století jako reakce na modernismus. Modernismus byl charakterizován důrazem na originalitu, individualitu a formální inovace. Postmodernisté však tvrdili, že tyto hodnoty jsou již zastaralé a že umění by mělo být více otevřené, inkluzivní a přístupné.
Postmoderní umění často zahrnuje prvky z populární kultury, jako jsou reklamy, komiksy a filmy. Umělci také často používají nalezené předměty a materiály ve své práci.
Postmoderní umění bylo kritizováno některými za to, že je příliš eklektické a povrchní. Jiní jej však chválili za jeho inovativnost a jeho schopnost oslovit širší publikum.
Některé z nejznámějších postmoderních umělců patří:
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Jasper Johns
Robert Rauschenberg
Claes Oldenburg
Nam June Paik
Cindy Sherman
Jeff Koons
Damien Hirst
Postmoderní umění dnes
Postmoderní umění je i nadále vlivným hnutím v současném umění. Mnoho současných umělců pracuje v postmoderním stylu a postmoderní prvky lze nalézt v mnoha různých uměleckých formách, včetně malby, sochařství, fotografie a videa.
Apropriace (umění) Apropriace je umělecká praktika, která spočívá v použití již existujících objektů nebo obrazů s minimálními nebo žádnými úpravami. Využívání apropriace hrálo významnou roli v dějinách umění (literatura, výtvarné umění, hudba a scénické umění). Ve výtvarném umění znamená „apropriovat“ správně převzít, vypůjčit si, recyklovat nebo vzorkovat aspekty (nebo celou formu) lidské vizuální kultury. Významné jsou v tomto ohledu ready-mades Marcela Duchampa. Základem pochopení apropriace je koncept, že nové dílo dává nový kontext tomu, co si vypůjčuje, aby vytvořilo nové dílo. Ve většině případů zůstává původní „věc“ přístupná jako originál, bez změny. Historie apropriace Apropriace se používá v umění po staletí, ale jako samostatná umělecká praktika se vyvinula až v 20. století. Prvním umělcem, který se výslovně označil za „apropriátora“, byl Marcel Duchamp. Jeho ready-mades, jako například „Fontána“ (1917), byly běžné předměty, které Duchamp vybral a umístil do uměleckého kontextu. V 60. letech 20. století se apropriace stala populární mezi umělci hnutí pop-artu, jako byli Andy Warhol, Roy Lichtenstein a Claes Oldenburg. Tito umělci používali obrazy z populární kultury, jako jsou reklamy, komiksy a filmy, a přeměňovali je na umělecká díla. V 80. letech 20. století se apropriace stala ještě kontroverznější, když ji umělci jako Sherrie Levine a Richard Prince začali používat k zpochybňování povahy originality a autorství. Levine fotografovala díla jiných umělců a poté je vydávala jako svá vlastní, zatímco Prince se zmocňoval obrazů z reklam a měnil je jen minimálně. Současná apropriace Apropriace zůstává i dnes důležitou uměleckou praktikou. Umělci ji používají k různým účelům, například k tomu, aby komentovali spotřební kulturu, zpochybňovali tradiční představy o originalitě a autorských právech nebo zkoumali vztah mezi uměním a každodenním životem. Etické otázky Apropriace může vyvolávat etické otázky, zejména pokud jde o otázku autorských práv. Někteří umělci, jako například Richard Prince, byli obviněni z krádeže díla jiných umělců. Jiní umělci, jako například Sherrie Levine, tvrdili, že jejich apropriace jsou chráněny doktrínou fair use, která umožňuje omezené použití chráněného materiálu pro účely kritiky nebo komentáře. Závěr Apropriace je složitá a mnohostranná umělecká praktika, která vyvolává důležité otázky o povaze originality, autorských práv a vztahu mezi uměním a každodenním životem. I když může být kontroverzní, zůstává i nadále důležitým nástrojem pro umělce, kteří chtějí zkoumat a komentovat svět kolem sebe.
Výtvarné umění Výtvarné umění je umělecké dílo nebo výstava, které vzniká prostřednictvím akcí prováděných umělcem nebo jinými účastníky. Může být svědkem živě nebo prostřednictvím dokumentace, spontánně vyvinuté nebo napsané, a je tradičně prezentováno veřejnosti v kontextu výtvarného umění v interdisciplinárním režimu. [1] Také známý jako umělecká akce, byl v průběhu let vyvíjen jako samostatný žánr, ve kterém je umění prezentováno živě. Měl důležitou a zásadní roli v avantgardním umění 20. století. [2] [3] Zahrnuje pět základních prvků: čas, prostor, tělo a přítomnost umělce a vztah mezi tvůrcem a veřejností. Akce, které se obecně vyvíjejí v galeriích a muzeích, se mohou konat na ulici, v jakémkoli prostředí nebo prostoru a v jakémkoli časovém období. [4] Jeho cílem je vyvolat reakci, někdy s podporou improvizace a smyslem pro estetiku. Témata jsou běžně spojena s životními zkušenostmi samotného umělce, potřebou denunciace nebo společenské kritiky a duchem transformace. [5] Termín „výtvarné umění“ a „výkon“ se začal běžně používat v 70. letech, přestože historie performance ve výtvarném umění sahá až k futuristickým produkcím a kabaretům z 10. let 20. století. [6] [1] Kritik umění a umělec John Perreault připisuje vynález tohoto termínu v roce 1969 Marjorie Strider. [7] Mezi hlavní průkopníky výtvarného umění patří Carolee Schneemann, [8] Marina Abramović, [9] Ana Mendieta, [10] Chris Burden, [11] Hermann Nitsch, Joseph Beuys, Nam June Paik, Tehching Hsieh, Yves Klein a Vito Acconci. [12] Některými z hlavních představitelů jsou v poslední době Tania Bruguera, [13] Abel Azcona, [14] Regina José Galindo, [15] Marta Minujín, [16] Melati Suryodarmo a Petr Pavlensky. Disciplína je spojena s děním a „událostmi“ hnutí Fluxus, vídeňského akcionismu, body artu a konceptuálního umění. [17]
Neoexpresionismus Neoexpresionismus je styl pozdně modernistického nebo raně postmoderního malířství a sochařství, který se objevil na konci 70. let 20. století. Neoexpresionisté byli někdy nazýváni transavantgarda, Junge Wilde nebo Neue Wilden („Noví divoši“; „Noví fauvisté“ by lépe odpovídalo významu tohoto termínu). Vyznačuje se intenzivní subjektivitou a hrubým zacházením s materiály. Neoexpresionismus se vyvinul jako reakce na konceptuální umění a minimal art 70. let. Neoexpresionisté se vrátili k zobrazování rozpoznatelných objektů, jako je lidské tělo (i když někdy abstraktním způsobem), hrubým a násilně emocionálním způsobem, často s použitím živých barev. Byl zjevně inspirován německými expresionistickými malíři, jako byli Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, James Ensor a Edvard Munch. Souvisí také s americkou lyrickou abstraktní malbou 60. a 70. let, hnutím Hairy Who v Chicagu, Bay Area Figurative School 50. a 60. let, pokračováním abstraktního expresionismu, precedenty v pop-artu a New Image Painting: vágní termín z konce 70. let, který se používal pro malíře, kteří používali výrazný figurativní styl s kreslenými motivy a drsným zpracováním, který něco dluží neoexpresionismu. Termín New Image Painting se začal používat po výstavě s názvem New Image Painting, která se konala v roce 1978 ve Whitney Museum.