Mysore Mysore (oficiálně Mysuru) je metropolitní město v jižním indickém státě Karnataka. Je třetím nejlidnatějším městem státu a podle Swachh Survekshan je jedním z nejčistších měst v Indii. Je sídlem dynastie Wadiyarů a bylo hlavním městem království Mysore po téměř šest století, od roku 1399 do roku 1947. V současné době je sídlem okresu Mysore a divize Mysore. Známé svými historickými stavbami a paláci, včetně slavného paláce Mysore, a proslulé svou kulturou, je Mysore známé jako "město paláců", "historické město" a "kulturní hlavní město Karnataky". Pro své nedotčené a klidné prostředí je také známé jako "ráj důchodců". Mysore leží na úpatí kopců Chamundi. Město Mysore se nachází v nadmořské výšce 770 m nad mořem, geograficky na 12° 18′ 26″ severní šířky a 76° 38′ 59″ východní délky. Nachází se asi 140 km jihozápadně od hlavního města státu Bangalore a rozkládá se na ploše 156 km2 (město + sousední města). Počet obyvatel města v kombinaci s jeho sousedními městy v metropolitní oblasti je v roce 2023 asi 1 288 000. Většinu rozvoje města v moderní době lze přičíst maharadžům z Mysore a dynastii Wadiyarů, kteří byli patrony umění a kultury. Hyder Ali a Tipu, když byli krátce u moci, také významně přispěli k ekonomickému růstu města a království vysazováním morušovníků a hedvábí v regionu a bojem ve čtyřech válkách proti Britům. V současné době je za správu města odpovědná městská korporace Mysore. Během svátků Dasara přijíždí do Mysore statisíce turistů z celého světa. Město je také jmenovcem různých uměleckých forem a kultur, jako jsou Mysore Dasara a malba Mysore; jídla jako sladká pochoutka Mysore Pak, snídaně jako Mysore Dosa a Mysore Masala Dosa; značky jako Mysore Sandal Soap, Mysore Paints; a stylů a kosmetiky jako Mysore Peta, tradiční hedvábný turban, a saris z hedvábí Mysore. Mysore je také známé listy betelu a svou vlastní speciální odrůdou jasmínového květu, který se láskyplně nazývá "Mysore Mallige". Turismus je pro město vedle tradičních odvětví životně důležitým průmyslem. Vnitroměstská veřejná doprava v Mysore zahrnuje autobus a meziměstská veřejná doprava zahrnuje železnici, autobus a letadlo.
Karnataka Karnataka je stát v jihozápadní Indii. Vznikl jako stát Mysore 1. listopadu 1956 přijetím zákona o reorganizaci států a v roce 1973 byl přejmenován na Karnataka. Stát byl součástí regionu Karnátaka v britské terminologii. Jeho hlavním a největším městem je Bengaluru (Bangalore). Karnataka sousedí s Lakšadvípským mořem na západě, Goou na severozápadě, Maháráštrou na severu, Telanganou na severovýchodě, Ándhrapradéšem na východě, Tamil Nádu na jihovýchodě a Kéralou na jihozápadě. Je to jediný jižní stát, který má pozemní hranice se všemi čtyřmi dalšími jižními indickými státy. Stát pokrývá plochu 191 791 km², což představuje 5,83 % celkové geografické rozlohy Indie. Je to šestý největší indický stát podle rozlohy. S 61 130 704 obyvateli podle sčítání lidu z roku 2011 je Karnataka osmým největším státem podle počtu obyvatel a zahrnuje 31 okresů. Kanadština, jeden z klasických jazyků Indie, je nejpoužívanějším a úředním jazykem státu. Mezi další jazyky menšin patří urdština, konkanština, maráthština, tuluština, tamilština, telugština, malajálamština, kodavština a beary. V Karnatace se také nachází několik vesnic v Indii, kde se primárně mluví sanskrtem. Přestože bylo navrženo několik etymologií pro název Karnataka, všeobecně přijímaná je ta, že Karnataka je odvozena od kannadských slov karu a nádu, což znamená "vyvýšená země". Karu Nádu lze také číst jako karu, což znamená "černá", a nadu, což znamená "region", jako odkaz na černou bavlněnou půdu nalezenou v oblasti Bayalu Seeme ve státě. Britové používali slovo Karnátaka, někdy Karnatak, k popisu obou stran indického poloostrova jižně od Krišny. Karnataka má starobylost, která sahá až do paleolitu, a byla domovem některých z nejmocnějších říší starověké a středověké Indie. Filozofové a hudební bardi, které tyto říše podporovaly, zahájili sociálně-náboženská a literární hnutí, která přetrvávají dodnes. Karnataka významně přispěla k oběma formám indické klasické hudby, tradicím Karnátaka a Hindustani. Ekonomika Karnataky je pátou největší ze všech indických států s hrubým domácím produktem 20,5 bilionu ₹ (260 miliard USD) a hrubým domácím produktem na obyvatele 305 000 ₹ (3 800 USD). Karnataka má patnácté nejvyšší hodnocení mezi indickými státy v indexu lidského rozvoje.
Tingatinga je styl malby, který vznikl ve východní Africe. Tingatinga je jednou z nejrozšířenějších forem turisticky orientovaných obrazů v Tanzanii, Keni a sousedních zemích. Žánr je pojmenován po svém zakladateli, tanzanském malíři Edwardu Tingatingovi. Tinga Tinga také inspirovala dětské animované pohádky, konkrétně Tinga Tinga Tales. Tingatinga se tradičně vyrábí na sololitu pomocí několika vrstev barvy na kola, což vytváří brilantní a vysoce syté barvy. Mnoho prvků stylu souvisí s požadavky turisticky orientovaného trhu; například obrazy jsou obvykle malé, aby se daly snadno přepravovat, a náměty mají oslovit Evropany a Američany (např. velká pětka a další divoká fauna). V tomto smyslu lze obrazy Tingatinga považovat za formu „letištní malby“. Samotné kresby lze popsat jako naivní i karikaturní; humor a sarkasmus jsou často explicitní. Historie Tingatinga vznikla v 60. letech 20. století v Tanzanii. Edward Tingatinga, zakladatel stylu, se narodil v roce 1932 v Makondské vesnici Hanga v jižní Tanzanii. Vyrůstal v chudé rodině a neměl formální umělecké vzdělání. V mladém věku začal Tingatinga pracovat jako malíř značek. Když se mu nepodařilo najít práci v Dar es Salaamu, hlavním městě Tanzanie, vrátil se do své rodné vesnice a začal malovat. Tingatingovy první obrazy byly malovány na hliníkových plechách a dřevěných deskách. Používal barvy na jízdní kola, které byly jediným typem barvy, který si mohl dovolit. Jeho obrazy byly naivní a karikaturní a často zobrazovaly scény z každodenního života v Tanzanii. Tingatingovy obrazy si rychle získaly popularitu u turistů. V roce 1972 otevřel Tingatinga v Dar es Salaamu galerii, kde prodával své obrazy. Galerie měla úspěch a Tingatingův styl se stal známým po celém světě. Tingatinga zemřel v roce 1972 při autonehodě. Jeho styl však žije dál a dnes existuje mnoho umělců, kteří malují v jeho tradici. Charakteristiky Tingatinga obrazy jsou známé svými jasnými barvami, naivním stylem a humornými náměty. Obrazy jsou obvykle malé, aby se daly snadno přepravovat, a jsou často malovány na sololitu nebo hliníkových plechách. Umělci Tingatinga používají k vytváření svých obrazů několik vrstev barvy na kola. Barva na kola je levná a snadno se s ní pracuje, což z ní činí ideální médium pro tvorbu turisticky orientovaných obrazů. Obrazy Tingatinga často zobrazují scény z každodenního života v Tanzanii. Umělci mohou také malovat zvířata, rostliny a jiné předměty. Obrazy jsou často humorné a satirické a často obsahují sociální nebo politické komentáře. Vliv Tingatinga měla významný vliv na současné africké umění. Styl byl přijat mnoha dalšími africkými umělci a pomohl popularizovat naivní a karikaturní styl malby. Tingatinga byla také použita v mnoha dalších uměleckých formách, včetně sochařství, keramiky a textilu. Styl byl také použit v animovaných filmech a televizních pořadech. Tingatinga je dnes jedním z nejznámějších a nejoblíbenějších stylů afrického umění. Obrazy jsou ceněny pro svou krásu, humor a jedinečný styl.
Kéralské nástěnné malby Kéralské nástěnné malby jsou fresky zobrazující hinduistickou mytologii v Kérale. Starověké chrámy a paláce v Kérale v Indii vykazují hojnost tradic nástěnných maleb, které většinou pocházejí z období od 9. do 12. století n. l., kdy se této formě umění těšila královská záštita. Původ těchto maleb lze nalézt v sanskrtských textech Chithrasoothram (Chitrasutra je součástí Višnu Dharmottara Purany, knihy napsané v sanskrtu asi před 1500 lety. Obsahuje 287 krátkých veršů v devíti kapitolách a několik prozaických pasáží v druhé kapitole. Neexistuje jiná kniha o malířství, která by byla tak podrobná jako Chitrasutra. Tato kniha odpovídá na stovky otázek o tom, co je to malba, proč existuje, jaký je její účel, role, vztah k malíři, znalcům a jiným uměním. Chitrasutra bude užitečná pro pochopení skutečné indické malby.), Tantrasamuchaya, textu z patnáctého století, jehož autorem je Narayanan, Abhilashitartha Chintamani z dvanáctého století a Silparatna od Sreekumarana ze šestnáctého století. [1] Ikonografie mytologických postav v nástěnných malbách je založena na Dhyanaslokách. [2] Nástěnné malby v jeskynním chrámu Thirunadhikkara (nyní předaném Tamilnádu) a Tiruvanchikulam jsou považovány za nejstarší pozůstatky vlastního stylu kéralských nástěnných maleb. Mezi mistrovská díla kéralského nástěnného umění patří: Šivův chrám v Ettumanoor, nástěnné malby Rámájany v paláci Mattancherry a Vadakkumnatha kshetram. Další krásné nástěnné malby jsou zobrazeny v chrámech v Trikodithanam, chrámu Vaikom, Pundarikapuram, Udayanapuram, Triprangode, Guruvayoor, Kumaranalloor, Aymanam, chrámu Vadakkunathan v Trichuru, chrámu Thodeekkalam v Kannuru a chrámu Sri Padmanabhaswamy v Thiruvananthapuram. Další místa s nástěnnými malbami jsou v kostelech v Ollur, Chalakkudy, Kanjoor, Edappally, Vechur a Mulanthuruthy [3] a v palácích, jako je palác Krishnapuram poblíž Kayamkulam a palác Padmanabhapuram.
Bay Area Figurative Movement Bay Area Figurative Movement (také známé jako Bay Area Figurative School, Bay Area Figurative Art, Bay Area Figuration a podobné variace) bylo umělecké hnutí poloviny 20. století, které tvořila skupina umělců v oblasti Sanfranciského zálivu, kteří se ve 40. a 50. letech odklonili od převládajícího stylu abstraktního expresionismu ve prospěch návratu k figuraci v malířství. Newyorská škola abstraktního expresionismu byla prvním americkým uměleckým stylem, který měl mezinárodní význam. Oblast Sanfranciského zálivu byla centrem pro nezávislou variantu abstraktního expresionismu. Bay Area Figurative Movement bylo reakcí na obojí. Toto umělecké hnutí trvající dvě desetiletí se často dělí do tří skupin nebo generací: první generace, přechodná generace a druhá generace. Mnoho umělců „první generace“ v tomto hnutí byli nadšenými fanoušky abstraktního expresionismu a pracovali tímto způsobem, dokud někteří z nich neopustili nefigurativní malbu ve prospěch práce s figurou. Mezi tyto umělce první generace Bay Area Figurative School patřili David Park, Richard Diebenkorn, Rex Ashlock, Elmer Bischoff, Glenn Wessels, Wayne Thiebaud, Raimonds Staprans a James Weeks. „Přechodná generace“ zahrnovala umělce Henriettu Berk, Nathana Oliveiru, Theophiluse Browna, Paula Wonnera, Rolanda Petersena, Johna Hultberga a Franka Lobdella. Mnoho umělců „druhé generace“ tohoto hnutí studovalo u umělců první generace nebo začali později. Mezi tyto umělce druhé generace patřili Bruce McGaw, Henry Villierme, Joan Brown, Manuel Neri a Robert Qualters. Mnoho škol a institucí v oblasti Bay Area bylo důležitých pro vývoj a zdokonalování tohoto uměleckého hnutí, včetně San Francisco Art Institute, California College of Arts and Crafts a University of California, Berkeley.
Newyorský figurativní expresionismus
Newyorský figurativní expresionismus je umělecké hnutí a odnož amerického figurativního expresionismu. Přestože hnutí sahá až do 30. let 20. století, nebylo formálně klasifikováno jako "figurativní expresionismus", dokud se tento termín neobjevil jako protiklad k poválečnému hnutí známému jako abstraktní expresionismus se sídlem v New Yorku.
Komentátoři jako Klaus Kertess, kurátor Muzea současného umění v Detroitu (MOCAD), poznamenali, že "[na prahu nové abstrakce, která vyhnala figuraci a vystoupala k všezahrnující významnosti, začala figura získávat novou a silnou vitalitu," a jinde vysvětluje, že "[během pozdních čtyřicátých a počátku padesátých let] byla figurativní tvorba spojována s konzervatismem, kterému se abstraktní umělci snažili vyhnout." Jejich reakce byla defenzivní a "náchylná k tomu, aby rozmazala obrovské rozdíly mezi figurativními malíři a přeháněla rozdíl mezi figurativním a nefigurativním. Teprve na konci šedesátých a počátku sedmdesátých let bylo postavě umožněno vrátit se z vyhnanství a dokonce si nárokovat ústřední postavení."
To však neplatilo pro všechny abstraktní expresionisty. Například Willem de Kooning (1904-1997) a Jackson Pollock (1912-1956) začali začleňovat figurativní prvky mnohem dříve. Spolu s abstraktním expresionistou Conradem Marca-Rellim (1913-2000) a dalšími stavěli na postavě jako na rámci pro rozšiřování svých jinak abstraktních pláten.
Mezi rané newyorské figurativní expresionisty patřili Max Weber (1881-1961) a Marsden Hartley (1877-1943), známí svou prací s mýtem a spiritualitou. Další raní představitelé zahrnovali lyrickou zdrženlivost Miltona Averyho (1885-1965) a jasnou, přímou tvorbu Edwina Dickinsona (1891-1978).
Vlivy
Německý expresionismus je nejvýraznějším vlivem, ale reprezentační malba má kořeny ve starých mistrech a historické malbě.
Hlavní osobnosti
Max Weber
Marsden Hartley
Milton Avery
Edwin Dickinson
Známá díla
Marsden Hartley, "Lobster Fishermen", 1941
Max Weber, "Aurora", 1937
Edwin Dickinson, "Portrét Bialy", 1924
Konceptuální umění Konceptuální umění, také známé jako konceptualismus, je druh umění, ve kterém je myšlenka (nebo myšlenky) zapojená do díla stejně důležitá nebo důležitější než tradiční estetické, technické a materiálové aspekty. Některá díla konceptuálního umění může vytvořit kdokoli pouhým sledováním souboru písemných pokynů. Tato metoda byla základem definice konceptuálního umění amerického umělce Sola LeWitta, jedné z prvních, která se objevila v tisku: „V konceptuálním umění je myšlenka nebo koncept nejdůležitějším aspektem díla.“ Když umělec používá konceptuální formu umění, znamená to, že veškeré plánování a rozhodování probíhá předem a provedení je rutinní záležitostí. Myšlenka se stává strojem, který vytváří umění. Tony Godfrey, autor knihy „Konceptuální umění“ (Art & Ideas) (1998), tvrdí, že konceptuální umění zpochybňuje povahu umění, pojem, který Joseph Kosuth povýšil na definici samotného umění ve svém průkopnickém raném manifestu konceptuálního umění „Art after Philosophy“ (1969). Myšlenka, že by mělo umění zkoumat svou vlastní povahu, byla již důležitým aspektem vlivného uměleckého kritika Clementa Greenberga, který se zabýval moderním uměním v 50. letech. Se vznikem výhradně jazykového umění v 60. letech 20. století však konceptuální umělci jako Art & Language, Joseph Kosuth (který se stal americkým editorem Art-Language) a Lawrence Weiner zahájili mnohem radikálnější zkoumání umění, než bylo dříve možné (viz níže). Jednou z prvních a nejdůležitějších věcí, které zpochybnili, byl běžný předpoklad, že úkolem umělce je vytvářet zvláštní druhy materiálních objektů. Prostřednictvím svého spojení s Young British Artists a Turner Prize v 90. letech se v běžném používání, zejména ve Velké Británii, „konceptuální umění“ stalo označením pro veškeré současné umění, které nepraktikuje tradiční dovednosti malby a sochařství. Jedním z důvodů, proč se pojem „konceptuální umění“ začal spojovat s různými současnými praktikami, které se značně odchylují od jeho původních cílů a forem, je problém s definováním samotného pojmu. Jak již v roce 1970 navrhl umělec Mel Bochner při vysvětlování, proč se mu přívlastek „konceptuální“ nelíbí, není vždy zcela jasné, co „koncept“ znamená, a hrozí nebezpečí záměny s „záměrem“. Při popisu nebo definování uměleckého díla jako konceptuálního je tedy důležité nezaměňovat to, co je označováno jako „konceptuální“, se „záměrem“ umělce.
Fluxus: Experimentální umění 60. a 70. let Fluxus bylo mezinárodní, interdisciplinární společenství umělců, skladatelů, designérů a básníků působících v 60. a 70. letech 20. století. Věnovali se experimentálním uměleckým performancím, které kladly důraz na umělecký proces spíše než na hotový produkt. Fluxus je známý svými experimentálními příspěvky do různých uměleckých médií a disciplín a vytvářením nových uměleckých forem. Mezi tyto umělecké formy patří intermédia, termín vytvořený umělcem Fluxusu Dickem Higginsem; konceptuální umění, které jako první vyvinul Henry Flynt, umělec kontroverzně spojovaný s Fluxusem; a videoart, kterou jako první představili Nam June Paik a Wolf Vostell. Nizozemský galerista a umělecký kritik Harry Ruhé popisuje Fluxus jako "nejradikálnější a nejexperimentálnější umělecké hnutí šedesátých let". Vytvářeli performanční "eventy", které zahrnovaly inscenace partitur, "neo-dada" hlukovou hudbu a časově založená díla, stejně jako konkrétní poezii, vizuální umění, urbanismus, architekturu, design, literaturu a vydavatelskou činnost. Mnoho umělců Fluxusu sdílí antikomerční a antiuměleckou citlivost. Fluxus je někdy označován jako "intermedia". Na Fluxus měly velký vliv myšlenky a praktiky skladatele Johna Cage. Zejména jeho představy, že by se člověk měl pustit do uměleckého díla bez představy o jeho konci, a jeho chápání díla jako místa interakce mezi umělcem a publikem. Proces tvorby měl přednost před hotovým produktem. Dalším významným vlivem byly ready-mades Marcela Duchampa, francouzského umělce, který působil v dadaismu (1916 – cca 1922). George Maciunas, který je obecně považován za zakladatele tohoto plynulého hnutí, vymyslel název Fluxus v roce 1961 jako název navrhovaného časopisu. Na aktivitách Fluxusu se podílelo mnoho umělců 60. let, včetně Josepha Beuyse, Willema de Riddera, George Brechta, Johna Cage, Roberta Fillioua, Ala Hansena, Dicka Higginse, Bengta af Klintberga, Alison Knowles, Addi Køpcke, Yoko Ono, Nam June Paika, Shigeko Kuboty, La Monte Younga, Mary Bauermeisterové, Josepha Byrda, Bena Pattersona, Daniela Spoerriho, Kena Friedmana, Terryho Rileyho a Wolfa Vostella. Byli nejen rozmanitou komunitou spolupracovníků, kteří se navzájem ovlivňovali, ale také, do značné míry, přáteli. Společně měli v té době radikální představy o umění a jeho roli ve společnosti. Zakladatel Fluxusu George Maciunas navrhl známý manifest, ale málokdo považoval Fluxus za skutečné hnutí, a proto manifest nebyl široce přijat. Místo toho dala řada festivalů ve Wiesbadenu, Kodani, Stockholmu, Amsterdamu, Londýně a New Yorku vzniknout volnému, ale robustnímu společenství s mnoha podobnými přesvědčeními. V souladu s pověstí, kterou si Fluxus získal jako fórum pro experimentování, někteří umělci Fluxusu začali Fluxus popisovat jako laboratoř. Fluxus sehrál důležitou roli v rozšiřování toho, co se považuje za umění.
Nueva Figuración
Nueva Figuración (překládáno jako Nová figurace nebo Neofigurace) bylo umělecké hnutí ve Španělsku a Latinské Americe, konkrétně v Argentině, Mexiku a Venezuele, které se hlásilo k nové formě figurativního umění jako reakci na abstraktní i tradiční formy zobrazování. Umělci prosazovali návrat k lidské postavě a každodenní realitě. Odmítali také estetizované formy tradičního umění a používali neformální techniky, expresionismus a koláž.
Období aktivity
1950-1970
Země
Španělsko, Argentina, Kolumbie, Mexiko, Venezuela
Hlavní představitelé
Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Rómulo Macció, Ernesto Deira, Antonio Segui, Arnold Belkin, Francisco Icaza, Jose Luis Cuevas, Jacobo Borges, Roberto Obregón, Fernando Botero, Débora Arango, Pedro Alcántara
Vlivy
Expresionismus
Charakteristika
Nueva Figuración se vyznačovala následujícími charakteristikami:
Návrat k lidské postavě a každodenní realitě
Odmítnutí estetizovaných forem tradičního umění
Používání neformálních technik, jako je expresionismus a koláž
Zdůraznění subjektivních emocí a zkušeností
Často kritický nebo satirický přístup k současné společnosti
Umělci a jejich díla
Luis Felipe Noé (Argentina)
Obra: "La Caída" (Pád)
Jorge de la Vega (Argentina)
Obra: "La Ciudad" (Město)
Rómulo Macció (Argentina)
Obra: "Los Visitantes" (Návštěvníci)
Ernesto Deira (Argentina)
Obra: "El Mundo" (Svět)
Antonio Segui (Argentina)
Obra: "Los Amantes" (Milovníci)
Arnold Belkin (Mexiko)
Obra: "La Familia" (Rodina)
Francisco Icaza (Mexiko)
Obra: "La Muerte" (Smrt)
Jose Luis Cuevas (Mexiko)
Obra: "La Máscara" (Maska)
Jacobo Borges (Venezuela)
Obra: "La Ciudad Perdida" (Ztracené město)
Roberto Obregón (Venezuela)
Obra: "El Mito" (Mýtus)
Fernando Botero (Kolumbie)
Obra: "La Familia Presidencial" (Prezidentská rodina)
Débora Arango (Kolumbie)
Obra: "El Clero" (Duchovenstvo)
Pedro Alcántara (Kolumbie)
Obra: "La Masacre" (Masakr)
Odkaz
Nueva Figuración byla důležitým uměleckým hnutím, které ovlivnilo vývoj figurativního umění v Latinské Americe. Jeho umělci se vrátili k lidské postavě a každodenní realitě a vytvořili díla, která byla často kritická nebo satirická vůči současné společnosti. Odkaz Nueva Figuración je dodnes patrný v dílech současných latinskoamerických umělců.
Minimalismus
Minimalismus je umělecký směr, který se začal prosazovat v poválečném období ve druhé polovině 20. století, především v americkém výtvarném umění v 60. a na počátku 70. let. Mezi významné umělce spojené s minimalismem patří Donald Judd, Agnes Martin, Dan Flavin, Carl Andre, Robert Morris, Anne Truitt a Frank Stella.
Minimalismus je často interpretován jako reakce na abstraktní expresionismus a modernismus a předznamenal soudobé postminimalistické umělecké praktiky, které rozšiřují nebo reflektují původní cíle minimalismu. Minimalismus v hudbě se často vyznačuje opakováním a postupnou variací, jako jsou díla La Monte Younga, Terryho Rileyho, Steve Reicha, Philipa Glasse, Juliuse Eastmana a Johna Adamse.
Termín minimalistický se často hovorově používá k označení čehokoli nebo kohokoli, kdo je střídmý nebo zbavený nepodstatných věcí. Byl proto použit k popisu her a románů Samuela Becketta, filmů Roberta Bressona, povídek Raymonda Carvera a automobilových návrhů Colina Chapmana. Toto slovo bylo poprvé použito v angličtině na počátku 20. století k popisu kompozice ruského malíře Kazimira Maleviče z roku 1915, Černý čtverec.
Charakteristika minimalismu
Minimalismus se vyznačuje následujícími charakteristikami:
Jednoduchost: Minimalistické umělecké dílo je jednoduché a čisté, bez zbytečných detailů nebo ozdob.
Geometrické tvary: Minimalistické umělecké dílo často používá geometrické tvary, jako jsou čtverce, obdélníky a kruhy.
Opakování: Minimalistické umělecké dílo často používá opakování prvků, jako jsou linie, barvy nebo tvary.
Neutrální barvy: Minimalistické umělecké dílo často používá neutrální barvy, jako je bílá, černá a šedá.
Důraz na materiál: Minimalistické umělecké dílo často klade důraz na materiál, ze kterého je vyrobeno.
Minimalismus ve výtvarném umění
Minimalistické výtvarné umění se vyznačuje použitím jednoduchých geometrických tvarů, neutrálních barev a opakováním prvků. Minimalističtí umělci často používají průmyslové materiály, jako jsou kov, sklo a beton. Minimalistické sochy jsou často velké a jednoduché, zatímco minimalistické obrazy jsou často malé a jednoduché.
Minimalismus v hudbě
Minimalistická hudba se vyznačuje použitím opakování, postupných variací a dlouhých tónů. Minimalističtí skladatelé často používají jednoduché melodie a harmonie. Minimalistická hudba je často tichá a meditativní.
Minimalismus v literatuře
Minimalistická literatura se vyznačuje použitím jednoduchého jazyka, krátkých vět a omezeného počtu postav. Minimalističtí spisovatelé často píší o každodenních událostech a zkušenostech. Minimalistická literatura je často stručná a přímočará.
Minimalismus v designu
Minimalistický design se vyznačuje použitím jednoduchých geometrických tvarů, neutrálních barev a omezeného počtu prvků. Minimalističtí designéři často používají funkční materiály, jako je dřevo, kov a sklo. Minimalistický design je často elegantní a nadčasový.
Minimalismus v životním stylu
Minimalismus lze aplikovat i na životní styl. Minimalisté se snaží žít s méně věcmi a zaměřit se na to, co je pro ně důležité. Minimalismus může pomoci lidem žít jednodušší, udržitelnější a smysluplnější životy.