Souzvuk Souzvuk je stylistický literární prostředek, který se vyznačuje opakováním stejných nebo podobných souhlásek v sousedních slovech, jejichž samohláskové zvuky jsou odlišné (např. "co mě domů", "horká noha"). Souzvuk lze považovat za protějšek opakování samohláskových zvuků známého jako asonance. Aliterace je zvláštním případem souzvuku, kdy se opakovaný souhláskový zvuk nachází v přízvučné slabice, jako v "pár přiletělo k potyčce" nebo "kolem drsného skaliska běžel otrhaný darebák". Aliterace se v poetické analýze obvykle odlišuje od ostatních typů souzvuku a má různé využití a účinky. Dalším zvláštním případem souzvuku je sykavost, použití několika sykavých zvuků, jako jsou /s/ a /š/. Příkladem je verš z Edgarova Allana Poea "Havran": "A hedvábný smutný nejistý šustot každého purpurového závěsu." (Tento příklad také obsahuje asonanci kolem zvuku "ur".) Dalším příkladem souzvuku je samotné slovo "sykavost". Souzvuk je prvkem polovičního rýmového poetického formátu, někdy nazývaného "sklonná rým". Je běžný v hip-hopové hudbě, jako například v písni Zealots od Fugees: "Rap odmítá můj magnetofon, vyvrhuje projektil /Ať Žid nebo pohan, jsem na špičce percentilu." (Toto je také příklad vnitřního rýmu.)
Geoffrey Chaucer
Geoffrey Chaucer byl anglický básník, spisovatel a úředník, nejznámější pro dílo Canterburské povídky. Je nazýván "otcem anglické literatury" nebo také "otcem anglické poezie". Byl prvním spisovatelem, který byl pohřben v tzv. Poets' Corner ve Westminsterském opatství.
Chaucer získal slávu také jako filozof a astronom, když napsal vědecké pojednání Pojednání o astrolábu pro svého desetiletého syna Lewise. Působil ve státní službě jako byrokrat, dvořan, diplomat a poslanec parlamentu.
Mezi další Chaucerova díla patří Kniha vévodkyně, Dům slávy, Legenda o dobrých ženách a Troilus a Criseyda. Je považován za zásadní osobu v legitimizaci literárního používání střední angličtiny, když dominantními literárními jazyky v Anglii byly stále anglo-normanská francouzština a latina. Chaucerův současník Thomas Hoccleve ho označil za "prvního objevitele naší krásné řeči" (tj. prvního, kdo byl schopen nalézt básnickou látku v angličtině). Téměř dva tisíce anglických slov se poprvé objevuje v Chaucerových rukopisech.
Životopis
Chaucer se narodil kolem roku 1343 v Londýně. Jeho otec, John Chaucer, byl vinař. O Chaucerově dětství a vzdělání se ví jen málo, ale pravděpodobně navštěvoval školu ve Westminsterském opatství.
V roce 1357 vstoupil Chaucer do služeb hraběte z Ulsteru, Lionela z Antverp. V roce 1366 se oženil s Philipou Roet, dvorní dámou královny Filipy. V roce 1367 byl Chaucer jmenován zástupcem krále na různých diplomatických misích.
V roce 1372 byl Chaucer jmenován komisařem cel v Londýně. V roce 1374 byl zvolen poslancem parlamentu. V roce 1377 byl jmenován správcem královských lesů v Kentu.
V roce 1386 byl Chaucer obviněn z loupeže. Byl zbaven svých úřadů a uvězněn. Později byl omilostněn, ale ztratil své postavení u dvora.
V roce 1389 se Chaucer stal členem domácnosti Johna z Gauntu, vévody z Lancasteru. V roce 1391 byl jmenován úředníkem královských prací. V roce 1399 byl Chaucer jmenován správcem přístavu v Londýně.
Chaucer zemřel 25. října 1400 v Londýně. Byl pohřben ve Westminsterském opatství.
Dílo
Chaucerovo nejznámější dílo, Canterburské povídky, je sbírka 24 příběhů vyprávěných poutníky na cestě do Canterbury. Povídky jsou psány různými styly a žánry, od náboženských legend až po komické pohádky.
Kromě Canterburských povídek napsal Chaucer také řadu dalších děl, včetně:
Kniha vévodkyně
Dům slávy
Legenda o dobrých ženách
Troilus a Criseyda
Pojednání o astrolábu
Chaucerovo dílo mělo velký vliv na anglickou literaturu. Byl prvním spisovatelem, který psal anglicky a získal mezinárodní uznání. Jeho dílo pomohlo legitimizo
Kalevala Kalevala je finský národní epos sestavený Eliasem Lönnrotem z karelského a finského ústního folklóru a mytologie. [1] Vypráví epický příběh o stvoření Země, popisuje spory a odvetné výpravy mezi obyvateli země Kalevala zvané Väinölä a země Pohjola a jejich různými protagonisty a antagonisty, stejně jako stavbu a loupež epického mýtického stroje na výrobu bohatství Sampo. [2] Kalevala je považována za národní epos Karélie a Finska [Poznámka 1] a je jedním z nejvýznamnějších děl finské literatury společně s Runebergovými Příběhy praporčíka Ståla a Kiviho Sedmi bratry. [4] [5] [6] Kalevala sehrála zásadní roli ve vývoji finské národní identity a v jazykovém boji Finska, který nakonec vedl k nezávislosti Finska na Rusku v roce 1917. [7] [8] Dílo je dobře známé i v zahraničí a částečně ovlivnilo například Tolkienovo legendárium (tj. mytologii Středozemě). [9] [10] První verze Kalevaly, nazvaná Stará Kalevala, byla vydána v roce 1835 a sestává z 12 078 veršů. Verze, která je dnes nejznámější, byla poprvé vydána v roce 1849 a sestává z 22 795 veršů rozdělených do padesáti lidových příběhů (finsky: runot). [11] Zkrácená verze, obsahující všech padesát básní, ale pouze 9732 veršů, byla vydána v roce 1862. [12] V souvislosti s Kalevalou existuje další mnohem lyričtější sbírka básní, kterou Lönnrot také sestavil, nazvaná Kanteletar z roku 1840, která je většinou považována za „sesterskou sbírku“ Kalevaly. [13] Vznik a vývoj Kalevaly Elias Lönnrot, finský jazykovědec a lékař, se poprvé setkal s karelskou lidovou poezií v roce 1828, kdy cestoval po Karélii a sbíral lidové písně a příběhy. Byl fascinován bohatstvím a rozmanitostí ústní tradice regionu a rozhodl se sestavit sbírku těchto příběhů do eposu. [14] Lönnrot strávil mnoho let sběrem a kompilací materiálů pro Kalevalu. Cestoval po Karélii a Finsku a sbíral písně a příběhy od místních zpěváků a vypravěčů. Využil také písemné zdroje, jako byly rukopisy a tisky, které obsahovaly lidové písně a příběhy. [15] První verzi Kalevaly, nazvanou Stará Kalevala, vydal Lönnrot v roce 1835. Tato verze obsahovala 12 078 veršů a byla rozdělena do padesáti runot. Lönnrot však nebyl s touto verzí spokojen a rozhodl se ji přepracovat a rozšířit. [16] V následujících letech Lönnrot pokračoval ve sběru materiálů pro Kalevalu a revidoval a přepracovával původní text. V roce 1849 vydal druhou, rozšířenou verzi Kalevaly, která se stala známou jako Nová Kalevala. Tato verze obsahovala 22 795 veršů a byla rozdělena do padesáti runot. [17] Nová Kalevala je verze, která je dnes nejznámější a nejčastěji se vydává. Je považována za mistrovské dílo finské literatury a je důležitou součástí finské národní identity. [18] Obsah Kalevaly Kalevala je epický příběh, který vypráví o stvoření Země, o sporech a odvetných výpravách mezi obyvateli země Kalevala zvané Väinölä a země Pohjola a o jejich různých protagonistech a antagonistech, stejně jako o stavbu a loupež epického mýtického stroje na výrobu bohatství Sampo. [2] Příběh začíná stvořením světa bohyní vzduchu Ilmatar. Ilmatar porodí syna Väinämöinena, který se stane hrdinou a vůdcem lidu Kalevala. Väinämöinen cestuje po světě a zpívá písně, které vytvářejí zemi a moře. [19] Lidé z Kalevaly jsou v konfliktu s lidmi z Pohjoly, kteří jsou vedeni zlým čarodějem Louhi. Louhi ukradne Sampo, mýtický stroj na výrobu bohatství, a lid Kalevala se vydává na cestu, aby jej získal zpět. [20] Cesta do Pohjoly je plná nebezpečí a výzev. Lid Kalevala musí překonat řadu překážek, bojovat s monstry a čelit kouzlům Louhi. Nakonec se jim podaří získat Sampo zpět, ale Louhi je zničí. [21] Zničení Sampo přináší smutek a zkázu do Kalevaly. Väinämöinen však zpívá píseň, která přináší nový život a naději. Příběh končí odchodem Väinämöinena z Kalevaly a jeho cestou na západ. [22] Význam Kalevaly Kalevala je více než jen epický příběh. Je to také důležitý zdroj finské mytologie, historie a kultury. [23] Kalevala obsahuje bohatou sbírku lidových písní, příběhů a legend, které byly předávány z generace na generaci. Je také důležitým zdrojem informací o finských zvycích, tradicích a víře. [24] Kalevala sehrála zásadní roli ve vývoji finské národní identity. V době, kdy byla Kalevala poprvé vydána, byla Finsko součástí Ruské říše a Finové usilovali o větší autonomii. Kalevala pomohla sjednotit finský lid a inspirovala hnutí za finskou nezávislost. [25] Kalevala je také významným dílem světové literatury. Je to jeden z nejdelších a nejkompletnějších eposů na světě a je považován za mistrovské dílo finské literatury. Kalevala byla přeložena do více než padesáti jazyků a měla vliv na mnoho dalších spisovatelů a umělců. [26]
Ottava rima Ottava rima je rýmovaná sloka italského původu. Původně se používala pro dlouhé básně na hrdinská témata, později se stala populární při psaní burleskně-hrdinských děl. Její nejstarší známé použití je v dílech Giovanniho Boccaccia. Sloka ottava rima v angličtině se skládá z osmi jambických veršů, obvykle jambických pentametrů. Každá sloka se skládá ze tří střídavých rýmů a jednoho dvojitého rýmu podle schématu ABABABCC. Forma je podobná starší sicilské oktávě, ale vyvíjela se samostatně a není s ní příbuzná. Sicilská oktáva vychází ze středověkého strambotta a byla zásadním krokem ve vývoji sonetu, zatímco ottava rima souvisí s kanzonou, což je forma sloky. Etymologie Název "ottava rima" pochází z italštiny a znamená "osmá rýmovaná". Název odkazuje na skutečnost, že sloka se skládá z osmi veršů. Historie Ottava rima se poprvé objevila v italské literatuře v 14. století. Prvním známým básníkem, který ji použil, byl Giovanni Boccaccio ve svém eposu "Dekameron". Forma se rychle stala populární a používali ji mnozí významní italští básníci, včetně Francesca Petrarcy, Ludovica Ariosta a Torquata Tassa. V 16. století byla ottava rima zavedena do anglické literatury Edmundem Spenserem, který ji použil ve svém eposu "The Faerie Queene". Forma se stala populární i u dalších anglických básníků, včetně Johna Miltona, Williama Wordswortha a Lorda Byrona. Použití Ottava rima se tradičně používala pro dlouhé narativní básně. Její složitá rýmovací schéma a pravidelný rytmus ji činí vhodnou pro vyprávění příběhů. Forma byla také použita pro lyrickou poezii, burleskní díla a politickou satiru. Příklady Zde je příklad sloky ottava rima z "Dekameronu" Giovanniho Boccaccia: > Nelle pianure tra 'l Gange e 'l Nilo > Fioria un tempo la città di Fiesole, > Di torri e di palazzi adorna molto, > E di popolo abbondevole e gaio. > I cittadini suoi con gran diletto > Si davano a' diletti ed a le feste, > Di donne e cavalier leggiadri e gai, > Di giochi e di cantar molto si piacea. Zde je příklad sloky ottava rima z "The Faerie Queene" Edmunda Spensera: > A gentle knight was pricking on the plaine, > Ycladd in mightie armes and silver shielde, > Wherein old dints of deepe wounds did remaine, > The which he did by many a cruell fielde > Achieve of foemen, vanquished on that shield. > His face was goodly, and his countenance > Bright, steadfast, and demure; he newly seem'd > An hardie warriour, fit for any fraie. Závěr Ottava rima je všestranná a krásná rýmovaná forma, která se používá již po staletí. Její složité rýmovací schéma a pravidelný rytmus ji činí vhodnou pro vyprávění příběhů, lyrickou poezii a další básnické žánry.
Strofa Strofa je skupina veršů v básni, která je obvykle oddělena od ostatních prázdným řádkem nebo odsazením. Strofy mohou mít pravidelný rým a metrická schémata, ale nemusí je mít. Existuje mnoho různých forem strof. Některé strofické formy jsou jednoduché, jako čtyřřádkové čtyřverší. Jiné formy jsou složitější, jako například spenserovská sloka. Fixní veršované básně, jako jsou sestiny, lze definovat podle počtu a formy jejich slok. Strofa byla také známa pod pojmy jako šarže, fit a stave. Termín strofa má podobný význam jako strofa, ačkoli strofa někdy odkazuje na nepravidelnou sadu řádků, na rozdíl od pravidelných, rýmovaných slok. I když je termín „strofa“ převzat z italštiny, v italštině se běžněji používá slovo „strofa“. V hudbě se skupiny řádků obvykle označují jako verše. Strofa v poezii je analogická s odstavcem v próze: související myšlenky jsou seskupeny do jednotek.
Petrarcovský sonet
Petrarcovský sonet, známý také jako italský sonet, je sonet pojmenovaný po italském básníkovi Francescu Petrarcovi, [1] ačkoli jej nevytvořil sám Petrarca, ale řada renesančních básníků. [2] Díky stavbě italštiny se rýmové schéma petrarcovského sonetu v tomto jazyce dodržuje snáze než v angličtině. Původní italská forma sonetu se skládá z celkem čtrnácti jedenáctislabičných veršů (v anglických sonetech se používá jambický pětistopý verš [3]) ve dvou částech, první část je oktáva a druhá sestína.
Oktáva
Oktáva, první část petrarcovského sonetu, se skládá z osmi veršů s rýmovým schématem ABBAABBA. Tato část sonetu obvykle představuje problém nebo situaci, kterou básník zkoumá.
Sestína
Sestína, druhá část petrarcovského sonetu, se skládá ze šesti veršů s rýmovým schématem CDECDE nebo CDCDCD. Tato část sonetu poskytuje řešení nebo komentář k problému představenému v oktávě.
Témata a styl
Petrarcovské sonety často zkoumají témata lásky, ztráty a krásy. Básníci využívají obrazů a metafor, aby vyjádřili své emoce a myšlenky. Jazyk sonetů je často propracovaný a ozdobný, s důrazem na rytmus a zvuk.
Slavní petrarcovští sonetisté
Kromě Petrarcy patřili mezi slavné petrarcovské sonetisty také:
Dante Alighieri
Giovanni Boccaccio
Ludovico Ariosto
Torquato Tasso
William Shakespeare
John Milton
Vliv na anglickou literaturu
Petrarcovský sonet měl významný vliv na anglickou literaturu. Angličtí básníci jako William Shakespeare, John Milton a Edmund Spenser se inspirovali petrarcovskou formou a tématy. Petrarcovský sonet zůstává oblíbenou formou poezie dodnes.
Vizualní poezie Vizualní poezie je styl poezie, který využívá grafické a vizuální designové prvky k vyjádření svého významu. Tento styl kombinuje výtvarné umění a psaný projev a vytváří nové způsoby prezentace a interpretace poezie. Vizualní poezie se zaměřuje na hru s formou, což znamená, že často přebírá různé umělecké styly. Tyto styly se mohou pohybovat od změny struktury slov na stránce až po přidávání jiných druhů médií ke změně samotné básně. Některé formy vizuální poezie si mohou zachovat svou narativní strukturu, ale to není požadavek vizuální poezie. Někteří vizuální básníci vytvářejí abstraktnější díla, která se odklánějí od lingvistického významu a místo toho se silně zaměřují na kompozici slov a písmen, aby vytvořili vizuálně příjemný kus.
Strofa
Strofa je poetický termín, který původně označoval první část ódy ve starořecké tragédii, následovanou antistrofou a epodou. Termín byl rozšířen i na označení strukturálního členění básně obsahující sloky o různé délce řádků. Strofickou poezii je třeba odlišit od básní psaných řádek po řádku bez strof, jako jsou řecké epické básně nebo anglický blankvers, na které se vztahuje termín stichic.
V původním řeckém prostředí byly „strofa, antistrofa a epoda druhem sloky určené pouze pro hudbu“, jak napsal John Milton v předmluvě k Samsonovi Agonistovi, přičemž strofu zpíval řecký sbor, když se pohyboval zprava doleva přes scénu.
Sloky v řecké tragédii
Ve starořecké tragédii byla strofa první částí ódy, kterou zpíval sbor. Antistrofa byla druhou částí ódy, která byla metricky identická se strofou, ale měla odlišný text. Epoda byla třetí částí ódy, která se metricky lišila od strofy a antistrofy.
Sbor zpíval strofu, když se pohyboval zprava doleva přes scénu, antistrofu, když se pohyboval zleva doprava a epodou, když stál na místě. Toto střídání pohybů a zpěvů mělo rituální a dramatický účinek.
Strofy v moderní poezii
V moderní poezii se termín strofa používá k označení jakékoli strukturální jednotky básně, která obsahuje sloky o různé délce řádků. Strofy mohou být odděleny prázdnými řádky nebo jinými grafickými prvky.
Strofy mohou mít různé funkce v básni. Mohou sloužit k vytvoření rytmu nebo melodie, k organizaci myšlenek nebo obrazů nebo k vytvoření kontrastů mezi různými částmi básně.
Typy strof
Existuje mnoho různých typů strof, pojmenovaných podle jejich metrického vzoru nebo struktury. Některé z nejběžnějších typů strof jsou:
Čtyřverší: Sloka o čtyřech řádcích.
Pentametr: Sloka o pěti řádcích.
Hexametr: Sloka o šesti řádcích.
Sonet: Sloka o čtrnácti řádcích se specifickým rýmovým schématem.
Tercet: Sloka o třech řádcích.
Volná strofa: Sloka bez pravidelného metrického vzoru nebo rýmového schématu.
Strofy jsou základním stavebním kamenem poezie. Mohou být použity k vytvoření široké škály efektů a významů. Strofy mohou být použity k organizaci myšlenek, k vytvoření rytmu nebo melodie a k vytvoření kontrastů mezi různými částmi básně.
Alegorie
Alegorie je literární nebo umělecký prostředek, který používá příběh nebo vizuální reprezentaci k vyjádření hlubšího významu, často s morálním nebo politickým poselstvím. Autoři používají alegorie po celou historii ve všech uměleckých formách, aby ilustrovali nebo předávali složité myšlenky a koncepty způsobem, který je pro diváky, čtenáře nebo posluchače srozumitelný nebo působivý.
Písemníci a řečníci obvykle používají alegorie k vyjádření (polo)skrytých nebo složitých významů prostřednictvím symbolických postav, činů, obrazů nebo událostí, které společně vytvářejí morální, duchovní nebo politický význam, který chce autor sdělit. Mnoho alegorií používá personifikaci abstraktních pojmů.
Charakteristika alegorie
Abstraktní význam: Alegorie představují abstraktní myšlenky, principy nebo hodnoty prostřednictvím konkrétních postav, událostí nebo symbolů.
Symbolicita: Postavy, události a symboly v alegorii mají symbolický význam, který odkazuje na něco jiného, obvykle na abstraktní pojem.
Dvojí význam: Alegorie mají dvojí význam: doslovný příběh a skrytý, alegorický význam.
Poučení nebo poselství: Alegorie často obsahují ponaučení nebo poselství, které autor chce sdělit.
Příklady alegorií
Platónova jeskyně: Alegorie, která zkoumá rozdíl mezi skutečností a iluzí.
Biblická kniha Kazatel: Alegorie, která zkoumá smysl života a marnost světských radostí.
Orwellova Farma zvířat: Alegorie, která kritizuje totalitarismus a komunismus.
Bunyanův Cesta poutníka: Alegorie, která popisuje křesťanskou cestu.
Swiftův Gulliverovy cesty: Alegorie, která satirizuje lidskou přirozenost a společnost.
Účel alegorie
Alegorie slouží různým účelům, včetně:
Ilustrování složitých myšlenek: Alegorie mohou pomoci vysvětlit složité myšlenky a koncepty tím, že je představí prostřednictvím příběhu nebo vizuální reprezentace.
Vyjádření skrytých významů: Alegorie mohou být použity k vyjádření myšlenek nebo názorů, které by mohly být jinak kontroverzní nebo nepochopené.
Zprostředkování morálního nebo politického poselství: Alegorie mohou být použity k šíření morálních nebo politických poselství a k ovlivňování chování lidí.
Zábava a vzdělávání: Alegorie mohou být také používány pro zábavu a vzdělávání, protože mohou poskytnout poutavý způsob, jak se dozvědět o důležitých myšlenkách a problémech.
Asemické písmo Asemické písmo je bezslovná otevřená sémantická forma psaní. Slovo asemický / eɪ ˈ s iː m ɪ k / znamená „nemá žádný specifický sémantický obsah“ nebo „bez nejmenší jednotky významu“. S nespecifičností asemického písma přichází vakuum významu, které je ponecháno čtenáři k vyplnění a interpretaci. To vše je podobné způsobu, jakým bychom odvozovali význam z abstraktního uměleckého díla. Asemické písmo se odlišuje od tradic abstraktního umění v použití gestačního omezení asemickým autorem a zachování fyzických charakteristik psaní, jako jsou řádky a symboly. Asemické písmo je hybridní umělecká forma, která spojuje text a obraz do jednoty a poté je uvolňuje pro libovolné subjektivní interpretace. Lze jej srovnat s volným psaním nebo psaním pro jeho vlastní dobro, nikoli psaním za účelem vytvoření verbálního kontextu. Otevřená povaha asemických děl umožňuje, aby význam vycházel z lingvistického porozumění; asemický text lze „číst“ podobným způsobem bez ohledu na přirozený jazyk čtenáře. Více významů pro stejný symbolismus je další možností pro asemické dílo, tj. asemické písmo může být polysémantické nebo mít nulový význam, nekonečné významy nebo se jeho význam může časem vyvíjet. Asemická díla nechávají čtenáři rozhodnout, jak přeložit a prozkoumat asemický text; v tomto smyslu se čtenář stává spoluautorem asemického díla. V roce 1997 vizuální básníci Tim Gaze a Jim Leftwich poprvé použili slovo asemický k pojmenování svých kvazikaligrafických písemných gest. Poté je začali distribuovat do básnických časopisů online i v tisku. Autoři zkoumali subverbální a subliterární formy psaní a textovou asemiku jako kreativní možnost a jako záměrnou praxi. Od konce 90. let 20. století se asemické písmo rozvinulo do celosvětového literárního / uměleckého hnutí. Obzvláště vzrostlo na počátku 21. století, ačkoli se uznává dlouhá a složitá historie, která předchází činnosti současného asemického hnutí, zejména pokud jde o abstraktní kaligrafii, bezeslovné psaní a verbální psaní poškozené nad rámec srozumitelnosti. Jim Leftwich nedávno uvedl, že asemický stav asemického díla je nemožným cílem a že není možné vytvořit umělecké / literární dílo zcela bez významu. Začal také používat termín „pansemický“. V roce 2020 také vysvětlil: „Termín ‚pansemie‘ nenahradil termín ‚asemie‘ v mém myšlení (ani ‚pansemický‘ nenahradil ‚asemickou‘); pouze mi pomohl rozšířit mé chápání teorie a praxe asemického psaní“. Jiní, jako je autor Travis Jeppesen, zjistili, že termín asemický je problematický, protože „se zdá, že naznačuje psaní bez významu.“