Japonský cyberpunk Japonský cyberpunk je cyberpunk vytvořený v Japonsku. Existují dva odlišné subžánry japonského cyberpunku: japonské cyberpunk filmy hrané a manga a anime. Japonský cyberpunk film Japonský cyberpunk film, známý také jako extrémní japonský cyberpunk, je podžánr undergroundového filmu produkovaného v Japonsku od 80. let 20. století. Má určité podobnosti s "nízkým životem, vysokou technologií" cyberpunku, jak je chápán na Západě; liší se však svým zobrazením průmyslových a kovových obrazů a nesrozumitelným vyprávěním. Hlavními režiséry spojenými s japonským cyberpunkem jsou Shinya Tsukamoto, Shozin Fukui a Sogo Ishii. Původ žánru lze vysledovat k filmu Burst City z roku 1982, než byl žánr primárně definován filmem Tetsuo: The Iron Man z roku 1989. Má kořeny v japonské punkové subkultuře, která vznikla z japonské punkové hudební scény v 70. letech 20. století. Punkové filmy Sogo Ishiie z konce 70. let a počátku 80. let představily tuto subkulturu do japonské kinematografie a připravily půdu pro japonský cyberpunk. Japonský cyberpunk manga a anime Japonský cyberpunk se také vztahuje na subžánr manga a anime s cyberpunk tématy. Tento subžánr začal v roce 1982 debutem mangy Akira od Katsuhira Otoma, jejíž anime filmová adaptace z roku 1988 (kterou režíroval Otomo) později subžánr popularizovala. Akira inspirovala vlnu japonských cyberpunk děl, včetně mangy a anime seriálů jako Ghost in the Shell, Battle Angel Alita, Cowboy Bebop a Serial Experiments Lain. Cyberpunk anime a manga ovlivnily globální populární kulturu a inspirovaly četná díla v animaci, komiksech, filmech, hudbě, televizi a videohrách.
Cestovatelský dokument Cestovatelský dokument je dokumentární film, televizní program nebo online seriál, který popisuje cestování obecně nebo turistické atrakce, aniž by doporučoval konkrétní balíčky nebo cestovní kanceláře. Cestopisný film je raný typ cestovatelského dokumentu, který slouží jako průzkumný etnografický film. Etnografické filmy byly natočeny pro diváky, aby viděli druhou polovinu a mohli se vztahovat ke světu v relativních vztazích. Tyto filmy jsou podívanou, která překračuje kulturní rozdíly, jak vysvětluje Allison Griffithová ve svém deníku. Před 30. lety 20. století bylo těžké vidět význam dokumentárních filmů v hollywoodské kinematografii, ale 30. léta přinesla změnu v historii těchto filmů s popularitou nezávislých filmařů. Tento žánr byl zastoupen televizními pořady, jako je Across the Seven Seas, který představoval cestopisy produkované třetími stranami, a příležitostnými putovními prezentacemi cestopisů v divadlech a dalších místech. Britský komik a herec Michael Palin natočil v tomto žánru několik seriálů, počínaje seriálem Cesta kolem světa za 80 dní (1989). PBS má několik cestopisných pořadů, včetně těch, které moderují Rick Steves a Burt Wolf.
Kyberpunk Kyberpunk je podžánr science fiction, který se odehrává v dystopické futuristické společnosti. Zaměřuje se na kombinaci "nízké vrstvy a vysoké technologie", s futuristickými technologickými a vědeckými úspěchy, jako je umělá inteligence a kyberware, které jsou postaveny proti společenskému rozpadu, dystopii nebo úpadku. Velká část kyberpunku má kořeny v hnutí New Wave science fiction ze 60. a 70. let 20. století, kdy spisovatelé jako Philip K. Dick, Michael Moorcock, Roger Zelazny, John Brunner, J. G. Ballard, Philip José Farmer a Harlan Ellison zkoumali dopad drogové kultury, technologie a sexuální revoluce, přičemž se vyhýbali utopickým tendencím dřívější science fiction. Komikové knihy zkoumající témata kyberpunku se začaly objevovat již od Judge Dredda, který byl poprvé vydán v roce 1977. Vlivný debutový román Williama Gibsona Neuromancer, vydaný v roce 1984, pomohl upevnit kyberpunk jako žánr, který čerpal z punkové subkultury a rané hackerské kultury. Frank Millerův Ronin je příkladem kyberpunkového grafického románu. Mezi další vlivné autory kyberpunku patřili Bruce Sterling a Rudy Rucker. Japonský subžánr kyberpunku začal v roce 1982 debutem mangy Akira od Katsuhira Otoma, jejíž filmová adaptace z roku 1988 (také režírovaná Otomou) později tento subžánr zpopularizovala. Mezi rané filmy tohoto žánru patří Blade Runner od Ridleyho Scotta z roku 1982, jeden z několika děl Philipa K. Dicka, která byla zfilmována (v tomto případě Sní androidi o elektrických ovečkách?). "První kyberpunkový televizní seriál" byl televizní seriál Max Headroom z roku 1987, který se odehrával v futuristické dystopii ovládané oligarchií televizních sítí, kde počítačové hackování hrálo ústřední roli v mnoha dějových liniích. Filmy Johnny Mnemonic (1995) a New Rose Hotel (1998), oba založené na povídkách Williama Gibsona, komerčně i kriticky propadly, zatímco trilogie Matrix (1999-2003) a Judge Dredd (1995) patřily k nejúspěšnějším kyberpunkovým filmům. K novějším kyberpunkovým médiím patří Blade Runner 2049 (2017), pokračování původního filmu z roku 1982; Dredd (2012), který nebyl pokračováním původního filmu; Ghost in the Shell (2017); Alita: Battle Angel (2019), založený na japonské manze Battle Angel Alita z 90. let; televizní seriál Altered Carbon z roku 2018 na Netflixu, založený na stejnojmenném románu Richarda K. Morgana z roku 2002; remake videohry na hrdiny Final Fantasy VII z roku 1997 z roku 2020; a videohra Cyberpunk 2077 (2020), založená na stolní hře na hrdiny Cyberpunk z roku 1988 od R. Talsorian Games.
Dokumentární drama
Dokumentární drama je žánr televize a filmu, který se vyznačuje dramatizovanými rekonstrukcemi skutečných událostí. Je popisováno jako hybrid dokumentu a dramatu a "fakticky podložené ztvárnění skutečných událostí". Dokumentární dramata se typicky snaží držet známých historických faktů, přičemž si ponechávají určitou míru dramatické licence v okrajových detailech, například když existují mezery v historických záznamech. Dialogy mohou, ale nemusí, obsahovat skutečná slova skutečných lidí, jak jsou zaznamenána v historických dokumentech. Producenti dokumentárních dramat se někdy rozhodnou natáčet své rekonstruované události na skutečných místech, kde se historické události odehrály. Dokumentární drama, ve kterém je historická věrnost klíčová, se obecně liší od filmu, který je pouze "na základě skutečných událostí", což je pojem, který implikuje větší míru dramatické licence, a od pojmů historické drama, což je širší kategorie, která může také zahrnovat zcela smyšlené události smíšené se skutečnými, a historická fikce, příběhy, které obecně obsahují fiktivní postavy a zápletky odehrávající se v historickém prostředí nebo na pozadí historických událostí.
Jako portmanteau je dokumentární drama někdy zaměňováno s dokufikcí. Na rozdíl od dokufikce – která je v podstatě dokumentem natáčeným v reálném čase a obsahujícím některé fiktivní prvky – se dokumentární drama natáčí až po událostech, které zobrazuje.
Charakteristika dokumentárního dramatu
Zobrazuje skutečné události pomocí dramatizovaných rekonstrukcí.
Snaží se držet známých historických faktů.
Může si dovolit určitou míru dramatické licence v okrajových detailech.
Dialogy mohou nebo nemusí obsahovat skutečná slova skutečných lidí.
Může být natáčeno na skutečných místech historických událostí.
Liší se od filmů "na základě skutečných událostí", které mají větší míru dramatické licence.
Liší se od historických dramat, která mohou zahrnovat smyšlené události.
Liší se od historické fikce, která se obecně zaměřuje na fiktivní postavy a zápletky v historickém prostředí.
Příklady dokumentárních dramat
Černobyl (2019)
When They See Us (2019)
The Crown (2016-současnost)
Band of Brothers (2001)
12 let otrokem (2013)
Význam dokumentárního dramatu
Dokumentární dramata hrají důležitou roli v našem chápání historie. Mohou oživit minulé události a učinit je relevantnějšími a přístupnějšími pro současné publikum. Mohou také pomoci vyplnit mezery v historických záznamech a poskytnout nám nový pohled na známé události.
Animovaný dokument (také známý jako anidok) je audiovizuální forma, která kombinuje animaci a dokument. Tuto formu bychom neměli zaměňovat s dokumenty o historii animovaných filmů a televizních pořadů, které obsahují ukázky.
Animované dokumenty se od tradičních dokumentů liší tím, že používají animaci k vyprávění skutečných příběhů. Animace může být použita k zobrazení událostí, které by bylo obtížné nebo nemožné zachytit pomocí živého záznamu, nebo k vytvoření vizuálního stylu, který doplňuje nebo rozšiřuje téma filmu.
Animované dokumenty mohou být použity k prozkoumání široké škály témat, od osobních příběhů až po velké historické události. Často se používají k vyprávění příběhů, které jsou obtížné nebo nemožné vyprávět pomocí živého záznamu, například příběhů o traumatu, zneužívání nebo válce. Animované dokumenty mohou být také použity k vytvoření vizuálních metafor a symbolů, které pomáhají divákům porozumět složitým tématům.
Animované dokumenty mají dlouhou a bohatou historii. První známý animovaný dokument byl vytvořen v roce 1918 Winsorem McCayem a jmenoval se The Sinking of the Lusitania. Od té doby bylo vytvořeno mnoho dalších animovaných dokumentů, včetně takových klasik, jako je Waltz with Bashir (2008) a Persepolis (2007).
Animované dokumenty jsou jedinečnou a mocnou formou vyprávění, která může být použita k prozkoumání široké škály témat. Jejich schopnost kombinovat animaci a dokument jim umožňuje vyprávět příběhy, které by bylo obtížné nebo nemožné vyprávět pomocí živého záznamu. Animované dokumenty jsou důležitou součástí filmového světa a budou pravděpodobně i nadále hrát významnou roli v našem chápání světa kolem nás.
Charakteristika animovaného dokumentu
Animované dokumenty mají řadu charakteristických rysů, které je odlišují od tradičních dokumentů. Tyto vlastnosti zahrnují:
Použití animace: Animované dokumenty používají animaci k vyprávění skutečných příběhů. Animace může být použita k zobrazení událostí, které by bylo obtížné nebo nemožné zachytit pomocí živého záznamu, nebo k vytvoření vizuálního stylu, který doplňuje nebo rozšiřuje téma filmu.
Zaměření na osobní příběhy: Animované dokumenty se často zaměřují na osobní příběhy. Tyto příběhy mohou být o čemkoli, od každodenních zkušeností až po traumatizující události. Animované dokumenty poskytují filmařům jedinečnou možnost vyprávět příběhy, které jsou často obtížné nebo nemožné vyprávět pomocí živého záznamu.
Použití vizuálních metafor a symbolů: Animované dokumenty často používají vizuální metafory a symboly k vyjádření složitých myšlenek a emocí. Tyto metafory a symboly mohou pomoci divákům porozumět tématům filmu na hlubší úrovni.
Experimentální přístup: Animované dokumenty často experimentují s formou a stylem. Filmaři mohou používat různé animační techniky a vizuální styly k vytvoření jedinečných a nezapomenutelných zážitků.
Historie animovaného dokumentu
Animované dokumenty mají dlouhou a bohatou historii. První známý animovaný dokument byl vytvořen v roce 1918 Winsorem McCayem a jmenoval se The Sinking of the Lusitania. Tento film zobrazoval potopení RMS Lusitania německou ponorkou U-20 a byl jedním z prvních příkladů použití animace k vyprávění skutečného příběhu.
Ve 30. a 40. letech 20. století se animované dokumenty staly populárními jako způsob, jak informovat veřejnost o důležitých otázkách. Vlády a další organizace často používaly animované dokumenty k šíření propagandy a k vzdělávání veřejnosti o tématech, jako je válka, zdraví a bezpečnost.
V 50. a 60. letech 20. století se animované dokumenty staly sofistikovanějšími a začaly se používat k prozkoumávání širší škály témat. Filmaři začali používat animaci k vyprávění osobních příběhů a k vytváření vizuálních metafor a symbolů, které pomáhaly divákům porozumět složitým myšlenkám a emocím.
V 70. a 80. letech 20. století se animované dokumenty staly ještě experimentálnějšími. Filmaři začali používat různé animační techniky a vizuální styly k vytvoření jedinečných a nezapomenutelných zážitků. Animované dokumenty se také staly populárními jako způsob, jak kritizovat vládu a společnost.
V 90. letech 20. století se animované dokumenty staly mainstreamovějšími. Byly nominovány na Oscary a další prestižní ceny a byly vysílány v televizi a promítány v kinech. Animované dokumenty se staly uznávanou formou vyprávění, která mohla být použita k prozkoumání široké škály témat.
V 21. století pokračovaly animované dokumenty v rozvoji a staly se ještě sofistikovanějšími. Filmaři používají animaci k vyprávění příběhů, které by bylo obtížné nebo nemožné vyprávět pomocí živého záznamu, a k vytváření vizuálních metafor a symbolů, které pomáhají divákům porozumět složitým myšlenkám a emocím. Animované dokumenty jsou dnes důležitou součástí filmového světa a budou pravděpodobně i nadále hrát významnou roli v našem chápání světa kolem nás.
Kaligrafismus (výslovnost [kalligraˈfizmo], „kaligrafismus“) je italský filmový styl týkající se některých filmů natočených v Itálii v první polovině 40. let 20. století a obdařených expresivní složitostí, která je izoluje od obecného kontextu. Kaligrafismus je v ostrém kontrastu s Telefoni Bianchi – komediemi amerického stylu a je spíše umělecký, vysoce formalistický, expresivní ve složitosti a zabývá se především současným literárním materiálem, [1] především díly italského realismu od autorů jako Corrado Alvaro, Ennio Flaiano, Emilio Cecchi, Francesco Pasinetti, Vitaliano Brancati, Mario Bonfantini a Umberto Barbaro. [2]
Charakteristika kaligrafismu
Kaligrafismus se vyznačuje následujícími charakteristikami:
Stylizovaná vizuální estetika: Filmy kaligrafismu mají často vysoce stylizovanou vizuální estetiku, která využívá expresivní osvětlení, kompozici a pohyb kamery k vytvoření jedinečné a nápadné atmosféry.
Komplexní narativní struktura: Filmy kaligrafismu často používají komplexní narativní struktury, které zkoumají různé perspektivy a časové osy, aby vytvořily bohatý a poutavý zážitek.
Intenzivní emoční projev: Filmy kaligrafismu se často vyznačují intenzivním emočním projevem, který využívá herecké výkony, hudbu a vizuální prvky k vytvoření hlubokého a rezonujícího zážitku.
Literární adaptace: Filmy kaligrafismu často adaptují literární díla, která se zabývají vážnými tématy, jako je láska, ztráta, identita a sociální nespravedlnost.
Filozofická hloubka: Filmy kaligrafismu často obsahují filozofickou hloubku a zkoumají existenciální otázky a lidskou povahu.
Historie kaligrafismu
Kaligrafismus se vyvinul v Itálii během první poloviny 40. let 20. století jako reakce na fašistický režim. Filmaři té doby hledali způsoby, jak vyjádřit své politické a společenské názory, aniž by byli cenzurováni. Kaligrafismus jim umožnil vytvořit filmy, které byly kritické vůči režimu, aniž by přímo útočily na něj.
Významní režiséři kaligrafismu
Mezi významné režiséry kaligrafismu patří:
Luchino Visconti
Vittorio De Sica
Roberto Rossellini
Giuseppe De Santis
Pietro Germi
Vliv kaligrafismu
Kaligrafismus měl významný vliv na vývoj italského neorealismu a dalších filmových hnutí. Jeho stylizovaná vizuální estetika a komplexní narativní struktury pomohly vytvořit jedinečný a nezapomenutelný filmový zážitek.
Současný kaligrafismus
Kaligrafismus i dnes zůstává vlivným filmovým stylem. Současní filmaři stále čerpají inspiraci z jeho stylizované vizuální estetiky a komplexních narativních struktur, aby vytvořili filmy, které jsou kritické, myšlenkově podnětné a emocionálně rezonující.
Korejské melodrama
Korejské melodrama je podžánr melodramatu, který čerpá převážně z domácích korejských vyprávěcích a divadelních forem prostřednictvím adaptací tradičních lidových pohádek a pansori. Tento žánr byl také ovlivněn japonským divadelním "šimpou" a ranými hollywoodskými filmy.
Termín melodrama původně pochází z řeckého slova melos, které znamená hudba. V současných korejských melodramatech však typické pulzující a svůdné melodie nahradila minimální hudba.
Padesát až sedmdesát procent filmů produkovaných v Koreji je klasifikováno jako melodramata. Tyto filmy obvykle zobrazují opomíjené kouty společnosti a jejich přehnané emoce a okolnosti vzbuzují u diváka empatii.
Charakteristika korejských melodramat
Zaměření na rodinné vztahy: Korejská melodramata často zkoumají složitou dynamiku rodinných vztahů, včetně lásky, nenávisti, žárlivosti a oběti.
Exagerované emoce: Korejská melodramata jsou známá svými extrémními projevy emocí, jako je pláč, křik a vzlykot.
Osudová láska: Mnoho korejských melodramat se točí kolem tématu osudové lásky, která je často tragická nebo nesplněná.
Sociální problémy: Korejská melodramata často zkoumají sociální problémy, jako je chudoba, diskriminace a útlak.
Silné ženské postavy: Korejská melodramata často představují silné a nezávislé ženské postavy, které se vyrovnávají s různými překážkami.
Příklady korejských melodramat
"Winter Sonata" (2002)
"Stairway to Heaven" (2003)
"Full House" (2004)
"Autumn in My Heart" (2000)
"My Love from the Star" (2013)
Dopad korejských melodramat
Korejská melodramata měla významný dopad na korejskou společnost a kulturu. Poskytly únik z každodenních starostí a přispěly k šíření korejské kultury po celém světě.
Korejská melodramata také pomohla zvýšit povědomí o sociálních problémech a přispěla ke změnám ve společenských normách.
Společensky instruktážní filmy představují žánr vzdělávacích filmů, které se snaží vést děti a dospělé k určitému chování. Původně je během druhé světové války produkovala americká vláda jako „filmy budování postojů“, tento žánr se stal běžným zdrojem výuky na základních a středních školách ve Spojených státech od konce 40. let do počátku 70. let. Filmy pokrývaly témata jako zdvořilost, gramatika, společenská etiketa a randění, osobní hygiena a péče, zdraví a kondice, občanská a morální odpovědnost, sexualita, bezpečnost dětí, národní loajalita, rasové a sociální předsudky, mladistvá delikvence, užívání drog a bezpečnost řidiče; tento žánr také zahrnuje filmy pro dospělé, které pokrývají témata jako manželství, obchodní etiketa, obecná bezpečnost, domácí ekonomika, kariérové poradenství a jak vyrovnat rozpočety. Podmnožina je známá jako hygienické filmy zabývající se duševní hygienou a sexuální hygienou.
Experimentální film neboli avantgardní kinematografie je způsob tvorby filmu, který důsledně přehodnocuje filmové konvence a zkoumá nenarativní formy nebo alternativy k tradičním vyprávěcím nebo pracovním metodám. Mnoho experimentálních filmů, zejména těch raných, souvisí s uměním v jiných disciplínách: malbou, tancem, literaturou a poezií, nebo vznikají z výzkumu a vývoje nových technických prostředků. Zatímco některé experimentální filmy byly distribuovány prostřednictvím hlavních kanálů nebo dokonce vznikly v komerčních studiích, naprostá většina z nich byla produkována s velmi nízkými rozpočty, s minimálním štábem nebo jednotlivcem a jsou buď samofinancovány, nebo podporovány malými granty. Experimentální filmaři obvykle začínají jako amatéři a někteří používají experimentální filmy jako odrazový můstek do komerční filmové tvorby nebo přecházejí na akademické pozice. Cílem experimentální tvorby filmů může být vyjádření osobní vize umělce nebo podpora zájmu o nové technologie, nikoli zábava nebo generování příjmů, jako je tomu v případě komerčních filmů.
Sandálovky (nebo také peplum, pl. pepla) jsou podžánrem historických, mytologických nebo biblických eposů, které se odehrávají převážně ve starověkém Řecku či Římě nebo ve středověku. Většinou je vyráběla Itálie. Tyto filmy se snažily napodobit velkorozpočtové historické hollywoodské eposy té doby, jako byl Samson a Dalila (1949), Quo vadis (1951), Roucho (1953), Desatero přikázání (1956), Ben Hur (1959), Spartakus (1960) a Kleopatra (1963). Sandálovky dominovaly italskému filmovému průmyslu v letech 1958 až 1965, kdy je v roce 1965 nahradily špagetové westerny a eurospy filmy. Termín „peplum“ (latinské slovo označující starořecký oděv peplos) zavedli francouzští filmoví kritici v 60. letech 20. století. Termíny „peplum“ a „sandálovky“ používali filmoví kritici s despektem. Později je začali používat i fanoušci těchto filmů, podobně jako termíny „špagetový western“ nebo „střílečky“. V anglických verzích se peplum filmy dají okamžitě odlišit od hollywoodských protějšků díky používání „neohrabaného a nedostatečného“ anglického dabingu. V roce 1977 natočil a režíroval Antonio Avati 100minutový dokument o historii italského žánru peplum s názvem Kolossal: i magnifici Maciste (také známý jako Kino Kolossal).