Trojrozměrný prostor V geometrii je trojrozměrný prostor (3D prostor, 3D, nebo zřídka tridimenzionální prostor) matematický prostor, ve kterém jsou potřeba tři hodnoty (souřadnice) k určení polohy bodu. Nejčastěji se jedná o trojrozměrný euklidovský prostor, tedy euklidovský prostor o třech rozměrech, který modeluje fyzikální prostor. Obecnější trojrozměrné prostory se nazývají 3-variety. Tento pojem se může také hovorově vztahovat na podmnožinu prostoru, trojrozměrnou oblast (nebo 3D doménu), tj. těleso. Technicky lze n-tici čísel chápat jako kartézské souřadnice umístění v n-rozměrném euklidovském prostoru. Množina těchto n-tic se běžně označuje R^n a lze ji ztotožnit s dvojicí tvořenou n-rozměrným euklidovským prostorem a kartézským souřadnicovým systémem. Když n = 3, nazývá se tento prostor trojrozměrný euklidovský prostor (nebo jednoduše "euklidovský prostor", je-li kontext jasný). V klasické fyzice slouží jako model fyzikálního vesmíru, ve kterém existuje veškerá známá hmota. Když se zvažuje teorie relativity, lze ji považovat za lokální podprostor časoprostoru. Ačkoli tento prostor zůstává nejpřesvědčivějším a nejužitečnějším způsobem, jak modelovat svět tak, jak je vnímán, je to pouze jeden příklad z mnoha různých prostorů ve třech dimenzích nazývaných 3-variety. V tomto klasickém příkladu, kdy tři hodnoty odkazují na měření v různých směrech (souřadnicích), lze zvolit libovolné tři směry za předpokladu, že tyto směry neleží ve stejné rovině. Navíc, pokud jsou tyto směry po dvou kolmé, jsou tři hodnoty často označeny pojmy šířka/šířka, výška/hloubka a délka.
Tamilská literatura
Tamilská literatura má bohatou a dlouhou literární tradici, která trvá více než dva tisíce let. Nejstarší dochovaná díla vykazují známky zralosti, což naznačuje ještě delší období vývoje. Přispěvateli do tamilské literatury jsou především Tamilové z jižní Indie, včetně území, které nyní tvoří Tamilnádu, Kérala, srílanští Eelamští Tamilové a tamilská diaspora. Historie tamilské literatury kopíruje historii Tamilnádu a úzce sleduje společenské, ekonomické, politické a kulturní trendy různých období.
Raná sangamská literatura, datovaná před 300 př. n. l., obsahuje antologie různých básníků zabývajících se mnoha aspekty života, včetně lásky, války, společenských hodnot a náboženství. Následovaly rané eposy a morální literatura, jejichž autory byli vaišnavští, šaivští, ádživíjští, džinističtí a buddhističtí autoři a básníci až do 5. století n. l. Od 6. do 12. století n. l. vznikaly tamilské básně oddanosti psané Álváry (mudrci vaišnavismu) a Nájanmary (mudrci šaivismu), které předznamenaly velké hnutí bhakti, které později zachvátilo celý indický subkontinent.
Během středověku byla napsána některá z nejvelkolepějších klasických děl tamilské literatury, jako je Kambaramayanam a Periya Puranam, a mnozí básníci byli podporováni imperiálními říšemi Čóla a Pandja. Pozdější středověk byl svědkem mnoha různých drobných literárních děl a také příspěvků několika muslimských a evropských autorů.
Obrození tamilské literatury proběhlo od konce 19. století, kdy byla díla náboženského a filozofického charakteru psána stylem, který umožňoval běžným lidem lépe je pochopit. Moderní tamilské literární hnutí začalo Subramanií Bharathím, mnohostranným indickým nacionalistickým básníkem a autorem, a rychle ho následovali mnozí, kteří začali využívat sílu literatury k ovlivňování mas. S růstem gramotnosti začala tamilská próza vzkvétat a zrát. Začaly se objevovat povídky a romány. Vyvinula se také moderní tamilská literární kritika. Popularita tamilského kina také vzájemně obohacujícím způsobem interaguje s tamilskou literaturou.
Indická literatura
Starověká
Starověká meitejština
Pálí
Prakrt
Sanskrit
Tamil
Sangamská
Védická
Raný středověk
Kannadština (vyhynulá kannadština)
Malajálamština
Órijština
Teluguština
Středověk až raný novověk
Ásámština
Avadhština
Bengálština
Braj
Bhojpurština
Angličtina
Gudžarátština
Hindština
Kašmírština
Kokborok
Konkánština
Maithilština
Maráthština
Meitejština
Mizorština
Nepálština
Paňdžábština
Rájasthánština
Sindhština
Urdština
Turecká poezie
Turecká poezie má bohatou a pestrou historii, která sahá až do starověku. První písemné záznamy turecké poezie pocházejí z 8. století našeho letopočtu a jsou psány v runovém písmu Orchon. Tato poezie byla převážně epická a vyprávěla příběhy o hrdinech a jejich činech.
V 11. století se Turci obrátili na islám a turecká poezie začala být ovlivňována perskou a arabskou poezií. Tato poezie byla často lyrická a zabývala se tématy lásky, ztráty a spirituality.
Ve 19. století se turecká poezie začala modernizovat a přijala vlivy z evropské literatury. Jedním z nejvýznamnějších básníků tohoto období byl Tevfik Fikret, který psal o sociálních a politických otázkách.
V 20. století pokračovala turecká poezie v rozvoji a objevila se řada nových hnutí. Jedním z nejvýznamnějších z nich bylo hnutí Garip, které vzniklo ve 40. letech 20. století. Básníci Garipu se snažili vytvořit lidovější poezii, která by byla přístupná všem vrstvám společnosti.
V 50. letech 20. století vzniklo hnutí İkinci Yeni, které se vyznačovalo používáním abstraktních a experimentálních jazyků. Jedním z nejvýznamnějších básníků İkinci Yeni byl Turgut Uyar.
V současnosti turecká poezie pokračuje v rozvoji a existuje mnoho různých stylů a hnutí. Někteří z nejvýznamnějších současných tureckých básníků patří Edip Cansever, Cemal Süreya a Sezai Karakoç.
Někteří z nejvýznamnějších tureckých básníků
Tevfik Fikret (1867-1915)
Yahya Kemal Beyatli (1884-1958)
Nazim Hikmet (1902-1963)
Orhan Veli Kanik (1914-1950)
Melih Cevdet Anday (1915-2002)
Oktay Rifat (1914-1988)
Turgut Uyar (1927-1985)
Edip Cansever (1928-1986)
Cemal Süreya (1931-1990)
Sezai Karakoç (1933-)
Témata turecké poezie
Turecká poezie se zabývá širokou škálou témat, včetně lásky, ztráty, spirituality, společnosti a politiky. Někteří básníci se také zabývají tématy identity a místa Turecka ve světě.
Styl turecké poezie
Turecká poezie je psána v široké škále stylů, od tradičního do moderního. Někteří básníci používají jednoduchý a přímý jazyk, zatímco jiní používají složitější a experimentálnější jazyk.
Vliv turecké poezie
Turecká poezie měla velký vliv na světovou literaturu. Někteří z nejvýznamnějších tureckých básníků byli přeloženi do mnoha jazyků a jejich díla byla chválena kritiky i čtenáři.
Lisování Lisování je proces výroby, při kterém se kapalná nebo tvářitelná surovina tvaruje pomocí pevného rámu zvaného forma nebo matrice. Sama forma může být vyrobena pomocí vzoru nebo modelu finálního objektu. Forma je vydlabaný blok, který se plní kapalinou nebo tvářitelným materiálem, jako je plast, sklo, kov nebo keramická surovina. Kapalina uvnitř formy ztvrdne nebo ztuhne a přizpůsobí se jejímu tvaru. Forma je protějšek odlitku. Velmi běžný proces dvoudílného lisování používá dvě formy, jednu pro každou polovinu objektu. Článkované formy mají více částí, které se spojí dohromady a vytvoří kompletní formu, a poté se rozeberou, aby se uvolnil hotový odlitek; jsou drahé, ale nezbytné, když má tvar odlitku složité převisy. Lisování po částech používá řadu různých forem, z nichž každá vytváří část složitého objektu. To se obecně používá pouze pro větší a cennější objekty. Vyfukování je výrobní proces pro tvarování a spojování dutých plastových nebo skleněných částí. Výrobce, který vyrábí formy, se nazývá výrobce forem. K usnadnění vyjmutí ztvrdlé/ztuhlé látky z formy se obvykle používá separační prostředek. Mezi typická použití lisovaných plastů patří lisovaný nábytek, lisované domácí potřeby, lisované obaly a stavební materiály.
Reliéf Reliéf je sochařská metoda, při níž vytesané části zůstávají připevněny k pevnému podkladu ze stejného materiálu. Termín reliéf pochází z latinského slovesa relevo, což znamená zvedat. Vytvořit sochu v reliéfu znamená vyvolat dojem, že sochařský materiál byl vyvýšen nad pozadí. Když je reliéf vytesán do plochého povrchu kamene (reliéfní socha) nebo dřeva (reliéfní řezba), pole je ve skutečnosti sníženo, takže nesochařské oblasti se zdají být vyšší. Tento přístup vyžaduje hodně vytesávání pozadí, což trvá dlouho. Na druhou stranu reliéf šetří tvorbu zadní části subjektu a je méně křehký a bezpečněji upevněný než socha v kole, zvláště stojící postava, kde jsou kotníky potenciálně slabým bodem, zejména v kameni. V jiných materiálech, jako je kov, hlína, štuková omítka, keramika nebo papír-mâché, lze tvar jednoduše přidat nebo zvednout z pozadí. Monumentální bronzové reliéfy se vyrábějí odléváním. Existují různé stupně reliéfu v závislosti na stupni výčnělku sochařské formy z pole, pro které se v angličtině stále někdy používají italské a francouzské termíny. Celý rozsah zahrnuje vysoký reliéf (italsky alto-rilievo, francouzsky haut-relief), kde je zobrazeno více než 50 % hloubky a mohou zde být podříznuté oblasti, střední reliéf (italsky mezzo-rilievo), nízký reliéf (italsky basso-rilievo, francouzsky: bas-relief) a plochý reliéf (italsky rilievo schiacciato), kde je rovina jen velmi mírně nižší než sochařské prvky. Existuje také zapuštěný reliéf, který byl omezen převážně na starověký Egypt (viz níže). Rozdíl mezi vysokým a nízkým reliéfem je však nejjasnější a nejdůležitější a tyto dva jsou obecně jedinými termíny používanými k diskusi o většině děl. Definice těchto termínů je poněkud proměnlivá a mnoho děl kombinuje oblasti ve více než jednom z nich, zřídka mezi nimi klouže v jedné postavě; někteří spisovatelé proto raději vyhýbají se všem rozdílům. Opakem reliéfní sochy je protireliéf, intaglio nebo cavo-rilievo, kde je forma vyřezána do pole nebo pozadí, nikoli z něj vystupuje; toto je ve monumentální soše velmi vzácné. Ve všech těchto termínech mohou být nebo nemusí být použity spojovníky, i když se zřídka vyskytují v "zapuštěném reliéfu" a jsou obvyklé v "bas-relief" a "counter-relief". Díla v této technice jsou popsána jako "v reliéfu" a zejména v monumentální soše je samotné dílo "reliéf". Reliéfy jsou běžné po celém světě na stěnách budov a v různých menších prostředích a sekvence několika panelů nebo sekcí reliéfu může představovat rozšířený příběh. Reliéf je vhodnější pro zobrazování složitých subjektů s mnoha postavami a velmi aktivními pózami, jako jsou bitvy, než volně stojící "socha v kole". Většina starověkých architektonických reliéfů byla původně malována, což pomohlo definovat formy v nízkém reliéfu. Předmětem reliéfů je pro snadnou referenci v tomto článku obvykle předpokládáno, že jsou to obvykle postavy, ale socha v reliéfu často zobrazuje dekorativní geometrické nebo listové vzory, jako jsou arabesky v islámském umění, a může být libovolného předmětu. Skalní reliéfy jsou ty, které jsou vytesány do pevné skály pod širým nebem (pokud jsou uvnitř jeskyní, ať už přírodních nebo umělých, je pravděpodobnější, že se jim bude říkat "skalní"). Tento typ se nachází v mnoha kulturách, zejména v těch ve starověkém Blízkém východě a buddhistických zemích. Stéle je samostatný stojící kámen; mnoho z nich nese reliéfy.
Reliéf Reliéf je sochařská metoda, při níž jsou vytesané části spojeny s pevným pozadím ze stejného materiálu. Termín reliéf pochází z latinského slovesa relevo, zvednout. Vytvořit sochu v reliéfu znamená vyvolat dojem, že sochařský materiál byl zvednut nad rovinu pozadí. Když je reliéf vytesán do plochého povrchu kamene (reliéfní socha) nebo dřeva (reliéfní řezba), je pole ve skutečnosti sníženo, takže nevytesané oblasti se zdají být vyšší. Tento přístup vyžaduje hodně vytesávání pozadí, což trvá dlouho. Na druhou stranu reliéf šetří tvarování zadní části předmětu a je méně křehký a bezpečnější než socha v rondelu, zejména stojící postava, kde kotníky jsou potenciálně slabým bodem, zvláště v kameni. U jiných materiálů, jako je kov, hlína, štuková omítka, keramika nebo papír-mâché, lze tvar jednoduše přidat nebo zvednout z pozadí. Monumentální bronzové reliéfy se vyrábějí odléváním. Existují různé stupně reliéfu v závislosti na stupni vyčnívání sochařské formy z pole, pro které se někdy v angličtině stále používají italské a francouzské termíny. Celá škála zahrnuje vysoký reliéf (italsky alto-rilievo, francouzsky haut-relief), kde je zobrazeno více než 50 % hloubky a mohou existovat podříznuté oblasti, střední reliéf (italsky mezzo-rilievo), nízký reliéf (italsky basso-rilievo, francouzsky bas-relief) a nízký reliéf (italsky rilievo schiacciato), kde je rovina jen velmi mírně nižší než sochařské prvky. Existuje také zapuštěný reliéf, který byl omezen převážně na starověký Egypt (viz níže). Rozlišení mezi vysokým a nízkým reliéfem je však nejjasnější a nejdůležitější a tyto dva jsou obecně jediné termíny používané k diskusi o většině prací. Definice těchto pojmů je poněkud proměnlivá a mnoho prací kombinuje oblasti ve více než jedné z nich, zřídka mezi nimi klouže v jedné postavě; proto někteří spisovatelé raději vyhýbají se všem rozdílům. Opakem reliéfní plastiky je kontrreliéf, intaglio nebo cavo-rilievo, kde je tvar vyřezán do pole nebo pozadí, spíše než aby z něj vycházel; toto je ve monumentální sochařství velmi vzácné. Pomlčky se mohou nebo nemusí používat ve všech těchto termínech, i když se zřídka vidí v „zapuštěném reliéfu“ a jsou obvyklé v „bas-relief“ a „counter-relief“. Díla v této technice jsou popisována jako „v reliéfu“ a zejména v monumentálním sochařství je samotné dílo „reliéf“. Reliéfy jsou běžné po celém světě na stěnách budov a v různých menších prostředích a sled několika panelů nebo sekcí reliéfu může představovat rozšířené vyprávění. Reliéf je vhodnější pro zobrazování komplikovaných předmětů s mnoha postavami a velmi aktivními pózami, jako jsou bitvy, než samostatná „socha v rondelu“. Většina starověkých architektonických reliéfů byla původně malovaná, což pomohlo definovat formy v nízkém reliéfu. Předmět reliéfů je pro pohodlnou referenci v tomto článku považován obvykle za postavy, ale socha v reliéfu často zobrazuje dekorativní geometrické nebo listové vzory, jako jsou arabesky v islámském umění, a může mít jakýkoli předmět. Skalní reliéfy jsou ty, které jsou vytesány do pevné skály pod širým nebem (pokud jsou uvnitř jeskyní, ať už přírodních nebo člověkem vytvořených, je pravděpodobnější, že se jim bude říkat „vytesané do skály“). Tento typ se vyskytuje v mnoha kulturách, zejména v kulturách starověkého Blízkého východu a buddhistických zemích. Stéle je jediný stojící kámen; mnoho z nich nese reliéfy.
Architektonická sochařství Architektonické sochařství je využívání sochařských technik architektem a/nebo sochařem při navrhování budovy, mostu, mauzolea či jiného takového projektu. Socha je obvykle integrována se strukturou, ale za architektonické sochařství jsou považována i samostatně stojící díla, která jsou součástí původního návrhu. Pojem je synonymem monumentálního sochařství nebo jeho podmnožinou. Je definováno také jako „nedílná součást budovy nebo sochařství vytvořeného speciálně k dekoraci nebo zdobení architektonické struktury“. Architektonické sochařství využívali stavitelé v průběhu dějin téměř na každém kontinentu kromě předkoloniální Austrálie. Architektonické sochařství má v dějinách architektury bohatou tradici. Například starověké egyptské chrámy byly zdobeny monumentálními reliéfy a sochami bohů a faraonů. V klasickém Řecku se sochařství používalo k zdobení chrámů, jako je například vlys na Parthenonu, který vypráví příběh boje Kentaurů s Lapithy. V římské architektuře se sochařství využívalo k dekoraci triumfálných oblouků, pomníku a lázní. V době středověku se architektonické sochařství používalo k výzdobě katedrál a klášterů. Například západní průčelí katedrály v Chartres je pokryto stovkami soch, které znázorňují biblické postavy a scény. V gotické architektuře se sochařství často používalo k vyprávění příběhů ze Starého a Nového zákona. V renesanci se architektonické sochařství používalo k výzdobě paláců a vil. Například fasáda florentského Palazzo Medici-Riccardi je zdobena reliéfy od sochaře Desideria da Settignana. V barokní architektuře se sochařství používalo k vytváření velkolepých dekorativních schémat, jak je vidět například na fasádě kostela Sant'Andrea della Valle v Římě. V 19. století se architektonické sochařství používalo k výzdobě vládních budov a památníku. Například socha Svobody v New Yorku je příkladem neoklasicistního architektonického sochařství. V secesní architektuře se sochařství používalo k vytváření organických a dekorativních prvků, jak je vidět například na fasádě domu v Barceloně. Ve 20. století se architektonické sochařství používalo k vyjadřování abstraktních a modernistických ideálů. Například sochaři jako Henry Moore a Barbara Hepworth vytvářeli abstraktní sochy pro budovy a parky. V současné architektuře se architektonické sochařství používá k vytváření odvážných a inovativních návrhů, jak je vidět například na fasádě budovy Walt Disney v Los Angeles. Architektonické sochařství hraje v dějinách architektury významnou a trvalou úlohu. Je nedílnou součástí estetického a symbolického výrazu budov a dalších architektonických struktur.
Medaile je malý přenosný umělecký předmět, tenký disk, obvykle z kovu, který nese motiv, obvykle na obou stranách. Obvykle mají nějaký pamětní účel a mnoho z nich je předáváno jako ocenění. Mohou být určeny k nošení, zavěšeny na oblečení nebo špercích nějakým způsobem, i když tomu tak nebylo vždy. Mohou být raženy jako mince raznicemi nebo odlity do formy. Medaile může být udělena osobě nebo organizaci jako forma uznání za sportovní, vojenské, vědecké, kulturní, akademické nebo jiné úspěchy. Vojenská vyznamenání a ocenění jsou přesnější pojmy pro určité typy státních vyznamenání. Medaile mohou být také vytvořeny k prodeji na památku konkrétních osob nebo událostí nebo jako umělecká díla sama o sobě. V minulosti byly medaile objednané pro jednotlivce, obvykle s jejich portrétem, často používány jako forma diplomatického nebo osobního daru, bez pocitu, že jsou oceněním za chování příjemce. Umělec, který vytváří medaile nebo medailony, se nazývá „medailér“. Medaile jsou již dlouho oblíbenými sběratelskými předměty a v numismatice tvoří třídu nazývanou buď exonumia, nebo militaria. Při správném použití tohoto termínu jsou medailony větší, začínají na průměru asi 10 cm a jsou jako takové obvykle příliš velké na to, aby se daly pohodlně nosit, ačkoli v hovorovém použití se „medailon“ často používá k označení medaile používané jako přívěsek náhrdelníku (jako v případě módního stylu „medailonového muže“ 60. a 70. let) nebo pro jiné typy medailí. Medailony se mohou také nazývat „stolní medaile“, protože jsou příliš velké na to, aby se nosily, a lze je vystavit pouze na zdi, stolní desce, psacím stole nebo skříňce.
Environmentální umění je škála uměleckých praktik, která zahrnuje jak historické přístupy k přírodě v umění, tak novější ekologické a politicky motivované typy děl. Environmentální umění se vyvinulo od formálních zájmů, například monumentálních zemních prací využívajících zemi jako sochařský materiál, směrem k hlubšímu vztahu se systémy, procesy a jevy ve vztahu ke společenským zájmům. Integrované sociální a ekologické přístupy vyvinuté jako etický, obnovovací postoj se objevily v 90. letech. Během posledních deseti let se environmentální umění stalo ústředním bodem výstav po celém světě, protože sociální a kulturní aspekty změny klimatu se dostávají do popředí. Termín "environmentální umění" často zahrnuje "ekologické" zájmy, ale není pro ně specifický. Především oslavuje umělcovo spojení s přírodou pomocí přírodních materiálů. Tento koncept je nejlépe pochopitelný ve vztahu k historickému earth/land artu a vyvíjejícímu se oboru ekologického umění. Oborem je interdisciplinární v tom smyslu, že umělci environmentálního umění přijímají myšlenky z vědy a filozofie. Praxe zahrnuje tradiční média, nová média a kritické sociální formy produkce. Dílo zahrnuje celou škálu krajinných/environmentálních podmínek od venkova, přes předměstí a města až po městský/venkovský průmysl.
Zvukové umění je umělecká činnost, ve které je zvuk využíván jako primární médium nebo materiál. Podobně jako mnoho žánrů současného umění může být zvukové umění svou povahou interdisciplinární nebo používané v hybridních formách. Podle Brandona LaBelleho zvukové umění jako praxe „využívá, popisuje, analyzuje, provádí a zkoumá stav zvuku a proces, kterým funguje“.
V západním umění patří mezi rané příklady Luigiho Russoovy Intonarumori neboli šumové intonátory (1913) a následné experimenty dadaistů, surrealistů, Situační internacionály a na akcích Fluxus a dalších Happenings. Vzhledem k rozmanitosti zvukového umění se často vede debata o tom, zda zvukové umění spadá do oblasti výtvarného umění, experimentální hudby nebo obojího.
Mezi další umělecké linie, z nichž zvukové umění vychází, patří konceptuální umění, minimalismus, site-specific art, zvuková poezie, elektroakustická hudba, mluvené slovo, avantgardní poezie, zvuková scénografie a experimentální divadlo.
Charakteristiky zvukového umění:
Zaměření na zvuk: Zvuk je primárním materiálem a prostředkem výrazu.
Experimentální přístup: Zvukové umění často zkoumá nové a neobvyklé způsoby práce se zvukem.
Interdisciplinární povaha: Zvukové umění může zahrnovat prvky z různých uměleckých disciplín, jako je hudba, výtvarné umění a divadlo.
Hybridní formy: Zvukové umění se často kombinuje s jinými uměleckými formami, jako jsou instalace, performance a digitální média.
Konceptuální základ: Zvukové umění často zkoumá konceptuální otázky týkající se zvuku, poslechu a vnímání.
Formy zvukového umění:
Instalace: Zvukové instalace jsou prostorové díla, která využívají zvuk jako klíčový prvek. Mohou být statické nebo interaktivní.
Performance: Zvukové performance jsou živá vystoupení, která využívají zvuk jako médium. Mohou zahrnovat hudbu, spoken word, zvukové efekty a jiné prvky.
Zvukové sochy: Zvukové sochy jsou objekty, které vytvářejí nebo zesilují zvuk. Mohou být statické nebo pohyblivé.
Zvukové krajiny: Zvukové krajiny jsou umělecká díla, která vytvářejí nebo zaznamenávají zvukové prostředí. Mohou být reálné nebo imaginární.
Elektroakustická hudba: Elektroakustická hudba je hudba, která je vytvořena nebo zpracována pomocí elektronických zařízení. Může zahrnovat zvukové záznamy, syntetizované zvuky a elektronické efekty.
Význam zvukového umění:
Rozšiřuje hranice umění: Zvukové umění zpochybňuje tradiční představy o tom, co je umění, a otevírá nové možnosti uměleckého vyjádření.
Zkoumá vztah mezi zvukem a posluchačem: Zvukové umění zkoumá, jak zvuk ovlivňuje naše vnímání, emoce a myšlenky.
Vytváří nové zvukové zkušenosti: Zvukové umění poskytuje posluchačům nové a neobvyklé způsoby, jak zažít zvuk.
Zvyšuje povědomí o zvukovém prostředí: Zvukové umění upozorňuje na význam zvukového prostředí a jeho dopad na náš život.
Podporuje kreativitu a inovace: Zvukové umění inspiruje umělce k tomu, aby experimentovali s novými zvuky a způsoby jejich použití.