August Strindberg Johan August Strindberg se narodil 22. ledna 1849 ve Stockholmu ve Švédsku a zemřel 14. května 1912 ve Stockholmu. Byl švédským dramatikem, novelistou, básníkem, esejistou a malířem. Strindberg byl plodným spisovatelem, který často čerpal ze svých osobních zkušeností. Během své čtyřicetileté kariéry napsal více než šedesát her a více než třicet děl beletrie, autobiografie, historie, kulturní analýzy a politiky. Byl odvážným experimentátorem a ikonoklastem, který zkoumal širokou škálu dramatických metod a účelů, od naturalistické tragédie, monodramatu a historických her až po své představy o expresionistických a surrealistických dramatických technikách. Již od svých prvních prací Strindberg vyvíjel inovativní formy dramatické akce, jazyka a vizuální kompozice. Je považován za „otce“ moderní švédské literatury a jeho Červený pokoj (1879) je často označován za první moderní švédský román. Ve Švédsku je Strindberg znám jako esejista, malíř, básník a především jako romanopisec a dramatik, ale v jiných zemích je znám především jako dramatik. Královské divadlo odmítlo jeho první významnou hru Mistr Olof v roce 1872. Teprve v roce 1881, když mu bylo třicet dva let, mu jeho premiéra v Novém divadle přinesla divadelní průlom. Ve svých hrách Otec (1887), Slečna Julie (1888) a Věřitelé (1889) vytvořil naturalistická dramata, která – vycházejíc ze zavedených úspěchů Ibsenových prozaických problémových her a zároveň odmítajíc jejich použití struktury dobře napsané hry – reagovala na výzvu Émila Zoly manifestu „Naturalismus v divadle“ (1881) a příkladu, který stanovil André Antoine v nově založeném Théâtre Libre (otevřeno 1887). Ve Slečně Julii nahrazuje charakterizace zápletku jako převládající dramatický prvek (na rozdíl od melodramatu a dobře napsané hry) a zdůrazňuje se určující role dědičnosti a prostředí na „kolísajících, rozpadlých“ postavách. Strindberg modeloval své krátkodobé Skandinávské experimentální divadlo (1889) v Kodani na Antoinově divadle a zkoumal teorii naturalismu ve svých esejích „O psychické vraždě“ (1887), „O moderním dramatu a moderním divadle“ (1889) a v předmluvě ke Slečně Julii, z nichž poslední je pravděpodobně nejznámějším prohlášením o zásadách divadelního hnutí. Během 90. let 19. století strávil značné množství času v zahraničí, kde se věnoval vědeckým experimentům a studiu okultismu. Řada zjevně psychotických záchvatů v letech 1894 až 1896 (označovaných jako jeho „inferno krize“) vedla k jeho hospitalizaci a návratu do Švédska. Pod vlivem myšlenek Emanuela Swedenborga se po svém uzdravení rozhodl stát „Zolou okultismu“. V roce 1898 se vrátil k psaní her s To Damascus, která je stejně jako Velká dálnice (1909) snovou hrou duchovní pouti. Jeho Sen (1902) – s jeho radikálním pokusem dramatizovat fungování nevědomí prostřednictvím zrušení konvenčního dramatického času a prostoru a štěpení, zdvojování, slučování a násobení jeho postav – byl důležitým předchůdcem expresionismu i surrealismu. Vrátil se také k psaní historického dramatu, žánru, se kterým zahájil svou kariéru dramatika. Od roku 1907 pomáhal provozovat Intimní divadlo, malé divadlo modelované podle Kammerspielhaus Maxe Reinhardta, které inscenovalo jeho komorní hry (jako je Sonáta duchů).
Bertolt Brecht
Bertolt Brecht, rodným jménem Eugen Berthold Friedrich Brecht, se narodil 10. února 1898 v Augsburgu v Bavorsku. Byl německý dramatik, režisér a básník.
Jeho první úspěchy jako dramatika přišly během Výmarské republiky v Mnichově. V roce 1924 se přestěhoval do Berlína, kde napsal Žebráckou operu s Kurtem Weillem a začal celoživotní spolupráci se skladatelem Hansem Eislerem.
V tomto období se Brecht ponořil do marxistického myšlení a napsal didaktické Lehrstücke. Stal se předním teoretikem epického divadla (které později raději nazýval "dialektické divadlo") a efektu odcizení.
Během nacistického období Brecht uprchl ze své vlasti, nejprve do Skandinávie a během druhé světové války do Spojených států, kde byl sledován FBI. Po válce byl předvolán Výborem pro neamerickou činnost Sněmovny reprezentantů.
Po válce se vrátil do východního Berlína, kde založil divadelní společnost Berliner Ensemble se svou ženou a dlouholetou spolupracovnicí, herečkou Helene Weigelovou.
Brecht zemřel 14. srpna 1956 ve východním Berlíně ve věku 58 let.
Dílo
Brecht je známý především svými divadelními hrami, které často zkoumaly sociální a politické problémy. Mezi jeho nejznámější díla patří:
Žebrácká opera (1928)
Život Galileův (1943)
Matka Kuráž a její děti (1941)
Dobrý člověk ze Sečuánu (1943)
Kavkazský křídový kruh (1948)
Pan Puntila a jeho sluha Matti (1948)
Vzestup a pád města Mahagonny (1930)
Brecht také napsal řadu básní, esejů a teoretických textů o divadle.
Epické divadlo
Brecht vyvinul teorii epického divadla jako alternativu k tradičnímu aristotelovskému divadlu. Epické divadlo se vyznačuje tím, že:
Odcizuje diváka od děje, aby ho přimělo k přemýšlení o problémech, které hra zkoumá.
Používá techniky jako narativní komentáře, písně a projekce, aby narušil iluzi reality.
Zkoumá sociální a politické problémy a snaží se diváky podnítit k akci.
Efekt odcizení
Efekt odcizení je technika, kterou Brecht používal k odcizení diváka od děje. Cílem bylo přimět diváka, aby se na hru díval kriticky a přemýšlel o jejích problémech.
Efekt odcizení lze vytvořit pomocí různých technik, například:
Použití narušujících prvků, jako jsou písně nebo projekce
Přerušení hry, aby se herci obrátili přímo na diváky
Změna stylu herectví nebo kostýmů
Uvedení postav jako archetypů nebo symbolů
Dědictví
Brecht je považován za jednoho z nejvýznamnějších dramatiků 20. století. Jeho teorie epického divadla a efektu odcizení měly zásadní vliv na vývoj moderního divadla.
Jeho hry se dodnes hrají po celém světě a jeho myšlenky o divadle a společnosti zůstávají relevantní i dnes.
Robert Wilson Robert Wilson (narozen 4. října 1941) je americký experimentální divadelní režisér a dramatik, kterého deník The New York Times popsal jako „[amerického] – nebo dokonce světového – předního avantgardního ‚divadelního umělce‘“. Působil také jako choreograf, performer, malíř, sochař, videoartista a zvukový a světelný designér. Wilson je nejznámější svou spoluprací s Philipem Glassem a Lucindou Childs na hře Einstein on the Beach a častými spoluprácemi s Tomem Waitsem. V roce 1991 založil Wilson The Watermill Center, „laboratoř pro performance“ na východním konci Long Islandu v New Yorku, kde pravidelně spolupracuje s operními a divadelními společnostmi i s kulturními festivaly. Wilson „se vyvinul jako avantgardní umělec konkrétně v Evropě v rámci jejích moderních snah, v jejích nejvýznamnějších kulturních centrech, galeriích, muzeích, operách a divadlech a festivalech“.
Postmoderní divadlo
Postmoderní divadlo je v rámci světového divadla poměrně nový fenomén, jelikož vychází z postmoderní filozofie, která vznikla v Evropě v polovině 20. století. Postmoderní divadlo se zrodilo jako reakce na modernistické divadlo. Většina postmoderních produkcí se zaměřuje na zdůraznění omylnosti definitivní pravdy a místo toho povzbuzuje publikum, aby si vytvořilo vlastní individuální porozumění. Postmoderní divadlo tedy v podstatě spíše klade otázky, než aby se snažilo poskytovat odpovědi.
Charakteristiky postmoderního divadla
Postmoderní divadlo se vyznačuje řadou charakteristických rysů, které ho odlišují od jiných divadelních stylů:
Fragmentace: Postmoderní divadlo se často vyznačuje fragmentací, kdy je dílo rozděleno do různých částí, které mohou být uspořádány v libovolném pořadí. To umožňuje divákům vytvářet si vlastní interpretace díla.
Intertextualita: Postmoderní divadlo často odkazuje na jiná díla literatury, divadla nebo jiných forem umění. Tyto odkazy mohou být explicitní nebo implicitní a mohou sloužit k vytvoření nových významů a interpretací.
Sebevědomí: Postmoderní divadlo je často sebevědomé a komentuje samo sebe a své vlastní divadelní konvence. To může zahrnovat používání ironie, parodie nebo metateatru.
Participace publika: Postmoderní divadlo často povzbuzuje publikum, aby se aktivně zapojilo do představení. To může zahrnovat fyzickou účast, verbální interakci nebo dokonce možnost změnit průběh představení.
Témata postmoderního divadla
Postmoderní divadlo se zabývá řadou témat, která odrážejí postmoderní filozofii:
Identita: Postmoderní divadlo často zkoumá téma identity, které je v postmoderní době považováno za fluidní a konstruované.
Moc: Postmoderní divadlo zkoumá mocenské struktury ve společnosti a jejich vliv na jednotlivce.
Realita: Postmoderní divadlo zpochybňuje koncept reality a zdůrazňuje, že realita je subjektivní a konstruovaná.
Jazyk: Postmoderní divadlo zkoumá povahu jazyka a jeho roli při vytváření významu.
Významní postmoderní dramatici
Mezi významné postmoderní dramatiky patří:
Samuel Beckett
Jean-Luc Godard
Heiner Müller
Sarah Kane
Mark Ravenhill
Závěr
Postmoderní divadlo je důležitým a vlivným divadelním stylem, který odráží postmoderní filozofii a její důraz na fragmentaci, intertextualitu, sebevědomí a účast publika. Postmoderní divadlo zkoumá témata identity, moci, reality a jazyka a povzbuzuje diváky, aby si vytvořili vlastní interpretace a porozumění.
Tomson Highway Tomson Highway OC (narozen 6. prosince 1951) je kanadský dramatik, romanopisec, dětský autor a hudebník původem z domorodého obyvatelstva. Je nejvíce známý svými divadelními hrami The Rez Sisters a Dry Lips Oughta Move to Kapuskasing, které obě získaly cenu Dora Mavor Moore Award za vynikající novou hru a cenu Floyd S. Chalmers Award. Highway také vydal román Kiss of the Fur Queen (1998), který je založen na událostech, které vedly ke smrti jeho bratra René Highwaye na AIDS. Napsal libreto pro první operu v jazyce Cree, The Journey or Pimooteewin. Dětství a vzdělání Tomson Highway se narodil v roce 1951 v rezervaci Brochet v Manitobě. Je členem kmene Cree. Highway vyrůstal v odlehlé subarktické oblasti a jeho rodina žila v chudobě. Navzdory obtížným podmínkám projevoval Highway od útlého věku zájem o umění a hudbu. Highway navštěvoval internátní školu, kde byl nucen opustit svou kulturu a jazyk. Tato zkušenost měla na něj hluboký dopad a později se stala ústředním tématem jeho tvorby. Po absolvování střední školy studoval Highway hudbu na University of Western Ontario. Kariéra Highwayova kariéra dramatika začala v roce 1986, kdy napsal hru The Rez Sisters. Hra se odehrává v indiánské rezervaci a pojednává o životech čtyř sester. The Rez Sisters získaly velký úspěch a byly uvedeny po celém světě. Po úspěchu The Rez Sisters napsal Highway řadu dalších her, včetně Dry Lips Oughta Move to Kapuskasing, Kiss of the Fur Queen a The Journey or Pimooteewin. Jeho hry byly přeloženy do více než 20 jazyků a byly uvedeny v divadlech po celém světě. Kromě své práce v divadle napsal Highway také několik románů a dětských knih. Jeho román Kiss of the Fur Queen byl nominován na cenu Giller Prize a jeho dětská kniha Caribou Song byla oceněna cenou Governor General's Literary Award. Highway také skládá hudbu a je známý svým jedinečným stylem, který kombinuje tradiční Cree melodie se západními hudebními formami. Ocenění a uznání Highway získal řadu ocenění za svou práci, včetně ceny Dora Mavor Moore Award za vynikající novou hru, ceny Floyd S. Chalmers Award a ceny Hilary Weston Writers' Trust Prize for Nonfiction. V roce 2017 byl Highway jmenován důstojníkem Řádu Kanady. Highway je považován za jednoho z nejvýznamnějších kanadských dramatiků a jeho dílo mělo velký vliv na kanadskou literaturu a divadlo. Jeho hry a romány poskytují jedinečný pohled na život domorodých obyvatel v Kanadě a zkoumají témata identity, kultury a ztráty.
August Wilson August Wilson, vlastním jménem Frederick August Kittel Jr., se narodil 27. dubna 1945 v Pittsburghu ve státě Pensylvánie a zemřel 2. října 2005 v Seattlu ve státě Washington. Byl americkým dramatikem, který se proslavil sérií deseti her souhrnně nazývaných Pittsburghský cyklus (nebo Cyklus století), které zachycují zkušenosti a dědictví afroamerické komunity ve 20. století. Mezi hry v tomto cyklu patří Fences (1987) a The Piano Lesson (1990), které obě získaly Pulitzerovu cenu za drama, stejně jako Ma Rainey's Black Bottom (1984) a Joe Turner's Come and Gone (1988). V roce 2006 byl Wilson uveden do Americké divadelní síně slávy. Jeho díla se zabývají afroamerickou zkušeností a zkoumají lidskou přirozenost. Mezi další témata patří systematické a historické vykořisťování Afroameričanů, rasové vztahy, identita, migrace a rasová diskriminace. Viola Davisová řekla, že Wilsonovo psaní "zachycuje náš humor, naše zranitelnosti, naše tragédie, naše trauma. A humanizuje nás. A umožňuje nám mluvit." Od Wilsonovy smrti byly dvě z jeho her zfilmovány: Fences (2016) a Ma Rainey's Black Bottom (2020). Denzel Washington se ujal vedení filmů a slíbil, že bude pokračovat v Wilsonově odkazu tím, že zfilmuje i zbytek jeho her pro širší publikum. Washington řekl: "Tou nejlepší částí toho, co mi v kariéře zbývá, je zajistit, aby byl August řádně oceněn." Wilsonovy hry byly chváleny za jejich autentičnost, poetický jazyk a schopnost zachytit složitost lidské zkušenosti. Jeho díla se nadále uvádějí v divadlech po celém světě a jeho odkaz jako jednoho z největších amerických dramatiků 20. století zůstává neochvějný.
Postkolonialismus
Postkolonialismus (také postkoloniální teorie) je kritické akademické studium kulturního, politického a ekonomického dědictví kolonialismu a imperialismu, které se zaměřuje na dopad lidské kontroly a vykořisťování kolonizovaných lidí a jejich zemí.
Obor se začal rozvíjet v 60. letech 20. století, kdy učenci z dříve kolonizovaných zemí začali publikovat o přetrvávajících účincích kolonialismu a rozvíjeli kritickou teorii analýzy historie, kultury, literatury a diskurzu (obvykle evropské) imperiální moci.
Základní pojmy
Kolonialismus: Systém, v němž jedna země ovládá a vykořisťuje jinou zemi nebo území.
Imperialismus: Politika rozšiřování moci a vlivu země nad jinými zeměmi nebo územími.
Postkolonialismus: Období po skončení kolonialismu, kdy bývalé kolonie získaly nezávislost.
Postkoloniální teorie: Teorie, která zkoumá dopady kolonialismu a imperialismu na bývalé kolonie a jejich kultury.
Hlavní témata
Postkoloniální teorie se zabývá řadou témat, včetně:
Mocenské vztahy: Jak mocenské vztahy mezi kolonizátory a kolonizovanými ovlivňují kulturu, politiku a ekonomiku.
Kulturní identita: Jak kolonialismus ovlivnil kulturní identitu kolonizovaných lidí.
Rasismus a etnocentrismus: Jak kolonialismus podporoval rasistické a etnocentrické postoje.
Ekonomický rozvoj: Jak kolonialismus ovlivnil ekonomický rozvoj bývalých kolonií.
Politická stabilita: Jak kolonialismus ovlivnil politickou stabilitu bývalých kolonií.
Hlavní myslitelé
Mezi významné postkoloniální teoretiky patří:
Edward Said
Frantz Fanon
Gayatri Chakravorty Spivak
Homi K. Bhabha
Ngũgĩ wa Thiong'o
Vliv
Postkolonialismus měl významný vliv na různá akademická odvětví, včetně:
Historie
Politologie
Sociologie
Antropologie
Literární kritika
Také přispěl k růstu hnutí za dekolonizaci a k většímu povědomí o dopadu kolonialismu na svět.
Divadlo utlačovaných (TO) je soubor divadelních forem, které poprvé vypracoval brazilský divadelník Augusto Boal v 70. letech 20. století, nejprve v Brazílii a později v Evropě. Boala ovlivnila práce pedagoga a teoretika Paula Freira a jeho kniha Pedagogika utlačovaných. Boalovy techniky využívají divadlo jako prostředek k prosazování společenských a politických změn, původně v souladu s radikálně levicovou politikou a později s centristicko-levicovou ideologií. V divadle utlačovaných se publikum stává aktivním, takže jako „diváci-herci“ zkoumají, ukazují, analyzují a transformují realitu, ve které žijí.
Principy divadla utlačovaných
Divadlo utlačovaných je založeno na několika základních principech:
Divadlo jako prostředek k osvojení: Divadlo se používá jako nástroj k tomu, aby lidé pochopili a změnili svou vlastní realitu.
Aktivní publikum: Diváci nejsou pasivními příjemci, ale aktivními účastníky, kteří se podílejí na tvorbě a provádění divadelních her.
Kolektivní tvorba: Divadelní hry jsou vytvářeny a prováděny kolektivně, což podporuje spolupráci a sdílení moci.
Transformace reality: Cílem divadla utlačovaných je transformovat realitu tím, že zvýší povědomí o útlaku a poskytne lidem nástroje ke změně.
Techniky divadla utlačovaných
Divadlo utlačovaných používá řadu technik k dosažení svých cílů, včetně:
Forum divadlo: V tomto typu divadla diváci sledují scénu, která zobrazuje nějaký druh útlaku. Po scéně mohou diváci zastavit akci a vstoupit do role jedné z postav, aby prozkoumali různé způsoby, jak by mohli reagovat na útlak.
Obrazné divadlo: V tomto typu divadla diváci vytvářejí obrazy, které představují různé aspekty jejich života. Tyto obrazy lze poté použít k analýze útlaku a k hledání způsobů, jak jej překonat.
Divadlo novin: V tomto typu divadla diváci vytvářejí novinové články, které se týkají aktuálních událostí. Tyto články lze poté použít k tomu, aby se zvýšilo povědomí o sociálních a politických problémech a aby se hledaly způsoby, jak je řešit.
Dopad divadla utlačovaných
Divadlo utlačovaných mělo významný dopad na divadelní a sociální aktivismus po celém světě. Používá se v různých prostředích, včetně škol, komunitních center a věznic, k tomu, aby se podpořilo kritické myšlení, spolupráce a sociální změna.
Divadlo utlačovaných bylo kritizováno za to, že je příliš idealistické a že ne vždy vede k hmatatelným změnám. Přesto zůstává mocným nástrojem pro zvyšování povědomí o útlaku a pro poskytování lidem nástrojů ke změně.
Anglické renesanční divadlo Anglické renesanční divadlo, také známé jako renesanční anglické divadlo a alžbětinské divadlo, odkazuje na divadlo v Anglii v letech 1558 až 1642. Jedná se o styl her Williama Shakespeara, Christophera Marlowa a Bena Jonsona. Počátky renesančního divadla Kořeny renesančního divadla sahají do středověkých mystérií a moralit, náboženských her, které se hrály na náměstích a v kostelích. V 16. století začaly tyto hry ovlivňovat humanistické myšlenky renesance a důraz na klasickou literaturu. To vedlo k rozvoji světského divadla, které se zabývalo tématy lásky, zrady a politiky. Divadelní společnosti V alžbětinské éře vzniklo mnoho divadelních společností, které cestovaly po zemi a předváděly hry ve městech a vesnicích. Nejznámější z těchto společností byla Lord Chamberlain's Men, ke které patřil i William Shakespeare. Divadla První anglická divadla byla postavena v 1570. letech letech a nacházela se mimo městské hradby, aby se vyhnula regulacím městských úřadů. Divadla byla obvykle kruhová nebo osmiúhelníková a měla otevřenou střechu. Publikum stálo na dvoře nebo sedělo na galeriích. Hry Hry alžbětinského divadla se vyznačovaly poetickým jazykem, propracovanými postavami a složitými zápletkami. Často se zabývaly tématy lásky, zrady, politiky a morálky. Nejznámějšími dramatiky této doby byli William Shakespeare, Christopher Marlowe a Ben Jonson. William Shakespeare William Shakespeare (1564-1616) je považován za největšího anglického dramatika a jednoho z nejvlivnějších spisovatelů všech dob. Jeho hry, jako Romeo a Julie, Hamlet a Macbeth, jsou dodnes uváděny a studovány po celém světě. Christopher Marlowe Christopher Marlowe (1564-1593) byl současník Shakespeara a další významný dramatik alžbětinského období. Jeho hra "Doktor Faust" je považována za jedno z nejlepších dramatických děl té doby. Ben Jonson Ben Jonson (1572-1637) byl anglický dramatik, básník a kritik. Jeho hry jsou známé svým vtipem, satirou a realistickým zobrazením života v Londýně. Konec renesančního divadla Anglické renesanční divadlo skončilo v roce 1642, kdy byly divadla uzavřeny puritánským parlamentem. Divadla byla znovu otevřena po obnovení monarchie v roce 1660, ale styl her se změnil a renesanční divadlo se již nikdy nevrátilo ke své bývalé slávě. Odkaz renesančního divadla Anglické renesanční divadlo mělo významný vliv na světovou literaturu a divadlo. Hry Williama Shakespeara a dalších dramatiků té doby jsou dodnes studovány a uváděny po celém světě. Renesanční divadlo také pomohlo vytvořit anglický jazyk, který se stal jedním z nejrozšířenějších jazyků na světě.
Thérèse Raquin je román francouzského spisovatele Émila Zoly, který poprvé vyšel na pokračování v literárním časopise L'Artiste v roce 1867. Jednalo se o Zolův třetí román, který však jako první získal širokou slávu. Příběh o cizoložství a vraždě byl považován za skandální a slavně popsaný jako "hnilobný" v recenzi v novinách Le Figaro. Thérèse Raquin vypráví příběh mladé ženy, nešťastně provdané za svého bratrance z prvního kolena panovačnou tetou, která se může zdát být dobře míněná, ale v mnoha ohledech je hluboce sobecká. Thérèsin manžel Camille je chorobný a egocentrický a když se naskytne příležitost, Thérèse naváže bouřlivý a špinavě vášnivý poměr s jedním z Camilleových přátel, Laurentem. Ve svém předmluvě Zola vysvětluje, že jeho cílem v tomto románu bylo "studovat temperamenty, nikoli postavy". Díky tomuto odtažitému a vědeckému přístupu je Thérèse Raquin považována za příklad naturalismu. Thérèse Raquin byla poprvé adaptována pro jeviště jako hra z roku 1873 napsaná samotným Zolou. Od té doby byla několikrát adaptována jako filmy, televizní minisérie, muzikály a mimo jiné i opera.