Sturm und Drang
Sturm und Drang byl proto-romantický směr v německé literatuře a hudbě, který se rozvíjel od konce 60. let 18. století do počátku 80. let 18. století. V rámci tohoto hnutí byla dávána volný průchod individuální subjektivitě a zejména extrémům emocí jako reakce na vnímaná omezení racionalismu vnuceného osvícenstvím a souvisejícími estetickými směry.
Období je pojmenováno podle stejnojmenné hry Friedricha Maximiliana Klingera, která byla poprvé uvedena Abelovou Seylerovou proslulou divadelní společností v roce 1777. S hnutím Sturm und Drang je spojován filozof Johann Georg Hamann; dalšími významnými osobnostmi byli Johann Anton Leisewitz, Jakob Michael Reinhold Lenz, H. L. Wagner a Friedrich Maximilian Klinger. Johann Wolfgang von Goethe a Friedrich Schiller byli významnými představiteli tohoto hnutí v počátcích své tvorby, i když období svého působení v něm ukončili tím, že iniciovali to, co se později stalo výmarským klasicismem.
Charakteristika
Sturm und Drang se vyznačoval několika klíčovými charakteristikami:
Individualismus: Hnutí zdůrazňovalo důležitost individuální zkušenosti a emocí. Jednotlivci byli povzbuzováni k tomu, aby vyjadřovali své vlastní pocity a myšlenky bez ohledu na společenské normy nebo racionální omezení.
Emoce: Sturm und Drang kladl velký důraz na emoce, zejména na ty extrémní, jako je vášeň, vzrušení a smutek. Umělci se snažili vyvolat silné emocionální reakce u svého publika prostřednictvím dramatických scén, živých obrazů a vášnivých hudebních skladeb.
Revolta proti racionalismu: Hnutí Sturm und Drang se postavilo proti racionálnímu a osvícenskému důrazu na rozum a logiku. Umělci věřili, že rozum nedokáže plně pochopit lidskou zkušenost a že emoce a intuice jsou stejně důležité.
Zobrazování přírody: Příroda byla v hnutí Sturm und Drang často zobrazována jako divoká a nezkrotná síla, která odrážela emoční stavy postav. Umělci využívali bouře, hory a lesy k tomu, aby vytvořili atmosféru vášně a neklidu.
Gotika a středověk: Hnutí Sturm und Drang se inspirovalo gotickou architekturou a středověkou literaturou, které byly považovány za symboly vášně, tajemství a duchovního probuzení.
Hlavní představitelé
Johann Wolfgang von Goethe: Goethe byl jedním z nejvýznamnějších představitelů hnutí Sturm und Drang, zejména díky své hře "Utrpení mladého Werthera".
Friedrich Schiller: Schiller byl dalším významným představitelem, který psal hry, básně a eseje, které zkoumaly témata svobody, hrdinství a lásky.
Friedrich Maximilian Klinger: Klinger byl dramatik, který napsal hru "Sturm und Drang", která dala hnutí jeho jméno.
Jakob Michael Reinhold Lenz: Lenz byl dramatik a básník, jehož díla se vyznačovala intenzivní vášní a emocionalitou.
Johann Anton Leisewitz: Leisewitz byl dramatik, který psal hry o lásce, smrti a osudu.
Odkaz
Hnutí Sturm und Drang mělo významný vliv na vývoj romantismu v Německu a dalších částech Evropy. Jeho důraz na individualismus, emoce a revoltu proti racionalismu předznamenal příchod romantické éry. Díla představitelů hnutí Sturm und Drang jsou dodnes studována a oceňována pro svou vášeň, intenzitu a trvalou schopnost vyvolávat silné emoce.
Dobře udělaná hra (francouzsky: la pièce bien faite, vyslovuje se [pjɛs bjɛ̃ fɛt]) je dramatický žánr z divadla devatenáctého století, který vytvořil francouzský dramatik Eugène Scribe. Vyznačuje se stručným dějem, přesvědčivým vyprávěním a do značné míry standardizovanou strukturou s malým důrazem na charakteristiku a intelektuální myšlenky. Scribe, plodný dramatik, napsal v letech 1815 až 1861 několik set her, obvykle ve spolupráci se spoluautory. Jeho hry, které se vymanily ze starého neoklasicistního stylu dramatu viděného v Comédie Française, oslovily divadelní střední třídy. Formu „dobře udělané“ hry přijali další francouzští i zahraniční dramatikové a zůstala klíčovým prvkem divadla až do 20. století. Mezi pozdějšími dramatiky, kteří vycházeli ze Scribovy formule, byli Alexandre Dumas fils, Victorien Sardou a Georges Feydeau ve Francii, W. S. Gilbert, Oscar Wilde, Noël Coward a Alan Ayckbourn v Británii a Lillian Hellman a Arthur Miller v USA. Mezi spisovatele, kteří namítali proti omezením dobře udělané hry, ale přizpůsobili formuli svým potřebám, patřili Henrik Ibsen a Bernard Shaw.
Moliérův život a kariéra Jean-Baptiste Poquelin, známý pod svým uměleckým jménem Molière, se nejspíše narodi před 15. lednem 1622 v Paříži. Pocházel z bohaté rodiny a studoval na Collège de Clermont (nyní Lycée Louis-le-Grand). Ve třinácti letech se Molière připojil k putovnímu divadlu a strávil s ním třináct let. Během této doby zdokonalil své komediální dovednosti a začal psát hry, v kterých kombinoval př̌vkové Commedia dell'arte s uhlazenějšími francouzskými komediemi. Díky záštitě významných osobností, včetně Filipa I., vévody z Orléans – bratra Ludvíka, se Molière dostal k výkonu před králem v Louvru. Předvedl klasickou hru od Pierra Corneille a vlastní frašku, Lékař zamilovaný, a získal právo používat divadlo v sále du Petit-Bourbon poblíž Louvru. Pozďji získal i právo používat divadlo v paláci Royal. V obou místech Molière sklidil velký úspěch u Pařížanů s hrami jako Les Preciéuses ridicules (Směšní precízní), L'Ecole des maris (Škola pro manžele) a L'Ecole des femmes (Škola pro manželky). Královská přízeň přinesla Molièreově skupině královský důchod a titul Troupe du Roi (Královská trupa). Molière se i nadále staral o oficiální zábavy u dvora. Kontverze a kritika Navzdory obdivu dvora a Pařížanů vyvolaly Molièreovy satiry kritiku v jiných kruzích. Za hry jako Tartuffe, kde kritizoval náboženské pokrytectví, byl Molière denuncírován francouzskou římskokatolickou církví a hra byla zakázana Parlamentem. Dom Juan byl cenzurovám a Molière ji nikdy znovu neinscenoval. Nemoc a smrt Intenzivní divadlní pracé se podepsala na Molièreově zdraví a v roce 1667 byl nucen odejít z jevište. V roce 1673, během predstavení své poslední hry, Le Malade imaginaire (Zdravý nemocný), Molière, který trpěl tuberkulózoí, utrpěl během ztvárnení hypochondra Argama silný kašel a krvacení. Predstavení dokoncil, ale po představení opět upadl do bezvědomí a o několik hodin později zemřel.
Abel Seyler Abel Seyler (23. srpna 1730, Liestal – 25. dubna 1800, Rellingen) byl švýcarský divadelní ředitel a bývalý obchodník a bankéř, který byl považován za jednoho z největších divadelních principálů 18. století v Evropě. Seyler sehrál klíčovou roli ve vývoji německého divadla a byl ve své době považován za "vedoucího patrona německého divadla". Podporoval vývoj nových děl a experimentálních produkcí, pomáhal etablovat Hamburk jako centrum divadelních inovací a založit v Německu systém veřejně financovaného divadla. Spolupracoval s některými z nejvýznamnějších německých herců a dramatiků své doby a je mu připisováno, že byl průkopníkem nového realističtějšího stylu herectví, že zavedl Shakespeara německému publiku a že propagoval koncept národního divadla v tradici Ludviga Holberga, dramatiků hnutí Sturm und Drang a seriózní německé opery, a stal se "hlavním činitelem změn na německé operní scéně" na konci 18. století. Již za svého života byl označován jako "jeden z nejzáslužnějších mužů německého umění". Seyler, syn basilejského reformovaného kněze, se přestěhoval do Londýna a poté do Hamburku jako mladý dospělý a v 50. letech 18. století se etabloval jako obchodník a bankéř. Během sedmileté války a bezprostředně po ní se jeho banka Seyler & Tillemann zapojila do stále větší a složitější, "zákeřné" spekulace s finančními nástroji a po amsterdamské bankovní krizi v roce 1763 zbankrotovala s obrovskými dluhy, což vedlo k desetiletí rozsáhlých soudních sporů. Ačkoli byli bohatí bankéři, Seyler a jeho obchodní partner "v žádném případě nepředstavovali hamburskou buržoazii". Seyler, okázalý bonviván, na kterého se v Hamburku s podezřením, symbolizoval novou a agresivnější formu kapitalismu. Seylerův obdiv k tragické herečce Sophie Hensel (Seyler), která se později stala jeho druhou manželkou, ho přiměl k tomu, aby se od roku 1767 plně věnoval divadlu. Využil své zbývající prostředky, aby se stal hlavním akcionářem, mecenášem a efektivním vůdcem idealistického Hamburského národního divadla, které se stalo přední kulturní institucí v Německu. Jeho divadlo zaměstnalo Lessinga jako prvního dramaturga na světě, což vyvrcholilo prací Hamburská dramaturgie, která toto pole definovala a dala mu jméno. V roce 1769 Seyler založil kočovnou divadelní společnost Seyler Theatre Company, která se v letech 1769-79 stala jednou z nejslavnějších divadelních společností v Evropě a byla považována za "nejlepší divadelní společnost v Německu té doby". Společnost se do značné míry soustředila kolem jeho budoucí manželky a jeho blízkého spolupracovníka Konrada Ekhofa, nejznámější německé herečky a herce té doby. Zpočátku měl hannoverské privilegium divadelního ředitele a jeho společnost později tři roky pobývala na dvoře vévodkyně Anny Amálie ve Výmaru a rok na vévodském dvoře v Gotha. V letech 1779 až 1781 byl zakládajícím uměleckým ředitelem Mannheimského národního divadla. Objednal díla jako Sturm und Drang od Klingera (které dalo své jméno této éře), Ariadne auf Naxos od Bendy a Alceste od Schweitzera, považované za "první seriózní německou operu". Seyler se zaměřoval především na umělecké, ekonomické a administrativní řízení své divadelní společnosti; jeho vlastní nedostatek hereckého zázemí a jeho bývalé povolání obchodníka a bankéře ho vyčleňovaly mezi divadelními principály jeho éry v profesi, která právě začala získávat úctu. Singspiel jeho manželky Huon and Amanda (nebo Oberon) z roku 1789 měl velký vliv na Kouzelnou flétnu.
Problémní drama Problémní drama je forma dramatu, která se objevila v 19. století jako součást širšího hnutí realismu v umění, zejména po inovacích Henrika Ibsena. Zabývá se spornými společenskými otázkami prostřednictvím debat mezi postavami na jevišti, které typicky představují protichůdné názory v realistickém sociálním kontextu. Kritik Chris Baldick píše, že tento žánr vznikl "ze zmatku 90. let 19. století... většinou inspirovaný příkladem Ibsenova realistického jevištního zobrazení vážných rodinných a společenských konfliktů." Shrnuje to takto: Odmítá lehkomyslnost složitě vykreslených romantických intrik v devatenáctém století francouzské tradice "dobře vytvořené hry", namísto toho upřednostňuje formu "problémové hry", která oživí nějakou současnou kontroverzi veřejného významu - práva žen, nezaměstnanost, trestní reforma, privilegia třídy - v živé, ale zodpovědně přesné prezentaci. Kritik F. S. Boas přizpůsobil tento termín k charakterizaci určitých her Williama Shakespeara, o kterých se domníval, že mají podobné vlastnosti jako Ibsenova problémová dramata z 19. století. Výsledkem je, že se tento termín používá také obecněji a retrospektivně k popisu všech tragikomických dramat, které se snadno nevejdou do klasického obecného rozlišení mezi komedií a tragédií.
Divadlo 20. století Divadlo 20. století představuje období velkých změn v divadelní kultuře, které se odehrály především v Evropě a Severní Americe. Tradiční pravidla divadelního představení byla široce zpochybňována, což vedlo k rozvoji mnoha nových divadelních forem, včetně modernismu, expresionismu, impresionismu, politického divadla a dalších forem experimentálního divadla. Pokračoval také vývoj již zavedených divadelních forem, jako je naturalismus a realismus. V průběhu století se umělecká pověst divadla zlepšila poté, co bylo po celém 19. století zesměšňováno. Růst jiných médií, zejména filmu, však vedl ke snížení jeho role v kultuře obecně. Vzhledem k této změně byli divadelní umělci nuceni hledat nové způsoby, jak oslovit společnost. Různé odpovědi, které byly v reakci na to nabídnuty, vedly k transformacím, které tvoří jeho moderní historii. Vývoj v oblastech, jako je genderová teorie a postmoderní filozofie, identifikoval a vytvořil témata, která divadlo zkoumalo. Tato někdy výslovně metateatrální představení měla za cíl konfrontovat vnímání a předpoklady publika a klást otázky o jeho společnosti. Tyto náročné a vlivné hry charakterizovaly velkou část posledních dvou desetiletí 20. století. Ačkoli se na počátku století rozvíjelo především v Evropě a Severní Americe, v následujících 50 letech došlo k přijetí nezápadních divadelních forem. Pod vlivem rozpadu říší a pokračujícího rozvoje postkoloniální teorie použilo mnoho nových umělců prvky svých vlastních kultur a společností k vytvoření diverzifikovaného divadla.
Sir Francis Cowley Burnand (1836–1917) Sir Francis Cowley Burnand, známý spíše jako F. C. Burnand, byl anglický komediální spisovatel a plodný dramatik, který je dnes nejznámější jako libretista Sullivanovy opery Cox and Box. Narodil se do zámožné rodiny a studoval v Etonu a Cambridge, kde se od něj očekávalo, že bude následovat konvenční kariéru v právu nebo v církvi. On se však rozhodl, že jeho povoláním je divadlo. Od svých školních dnů psal komické hry a od roku 1860 až do konce 19. století vytvořil sérii více než 200 viktoriánských burlesek, frašek, pantomim a dalších jevištních děl. Mezi jeho rané úspěchy patří burlesky Ixion, or the Man at the Wheel (1863) a The Latest Edition of Black-Eyed Susan; or, the Little Bill that Was Taken Up (1866). Také v roce 1866 adaptoval populární frašku Box and Cox jako komickou operu Cox and Box s hudbou Sullivana. Dílo se stalo oblíbeným a později bylo často používáno D'Oyly Carte Opera Company jako předehra; dodnes se pravidelně hraje. V 70. letech 19. století Burnand produkoval obrovské množství her a také komických textů a ilustrací pro humoristický časopis Punch. Mezi jeho 55 jevištními díly z tohoto desetiletí byl další často oživovaný hit, Betsy (1879). Pro Punch mimo jiné psal populární sloupek „Happy Thoughts“, ve kterém vypravěč zaznamenával obtíže a rozptýlení každodenního života. Obdivovány byly také jeho burlesky děl jiných spisovatelů. Burnand přispíval do Punchu 45 let a byl jeho redaktorem od roku 1880 do roku 1906 a je mu připisováno, že výrazně přispěl k popularitě a prosperitě časopisu. Jeho redakce původní publikace Deníku nikdo od bratrů George a Weedona Grossmithových byla vrcholem jeho působení v letech 1888–89. Mnoho jeho článků bylo shromážděno a vydáno knižně. Mezi jeho jevištní úspěchy v 90. letech 19. století patřily jeho anglické verze dvou operetek Edmonda Audrana s názvem La Cigale a Miss Decima (obě v roce 1891). Mezi jeho poslední díla patřila spolupráce na pantomimách Popelka (1905) a Aladin (1909). Burnand byl obecně známý svým vtipným důvtipem a dobrou náladou, nicméně intenzivně záviděl svému současníkovi W. S. Gilbertovi, ale nedokázal napodobit úspěch svého rivala jako komického operního libretisty. V jiných formách divadla byl Burnand mimořádně úspěšný, jeho díla měla v Londýně až 550 představení a rozsáhlá turné v britských provinciích a USA. Vydal několik humorných knih a pamětí a v roce 1902 byl pasován na rytíře za svou práci na Punchi.
Divadlo absurdity
Divadlo absurdity (francouzsky théâtre de l'absurde [teɑtʁ(ə) də lapsyʁd]) je poválečný termín pro určitý druh absurdních her, které napsali především evropští dramatikové koncem 50. let 20. století. Je to také termín pro styl divadla, který tyto hry představují.
Hry se do velké míry zaměřují na myšlenky existencialismu a vyjadřují, co se stane, když lidská existence postrádá smysl nebo účel a komunikace se rozpadá. Struktura her je typicky kruhová, přičemž koncový bod je stejný jako počáteční bod. Logická konstrukce a argumentace ustupují iracionální a nelogické řeči a konečnému závěru – tichu.
Divadlo absurdity je charakterizováno následujícími prvky:
Absurdní děj a postavy: Hry často obsahují bizarní a nesmyslné děje, ve kterých postavy jednají iracionálně a nelogicky.
Nedostatek komunikace: Postavy často mluví nesrozumitelně nebo si navzájem nerozumí. To vede k nedorozuměním, zmatku a pocitu izolace.
Existenciální témata: Hry zkoumají témata jako smysl života, lidská existence a odcizení.
Černý humor: Hry často obsahují černý humor, který se zabývá vážnými tématy způsobem, který je jak znepokojující, tak zábavný.
Mezi nejznámější dramatiky divadla absurdity patří:
Samuel Beckett
Eugène Ionesco
Jean Genet
Harold Pinter
Tom Stoppard
Divadlo absurdity bylo vlivným hnutím, které změnilo způsob, jakým se díváme na divadlo a lidskou existenci. Jeho hry jsou stále uváděny a studovány dodnes a nadále nás znepokojují a baví svými absurdními a existenciálními tématy.
Eugène Ionesco
Eugène Ionesco (26. listopadu 1909 – 28. března 1994) byl rumunsko-francouzský dramatik, který psal převážně francouzsky a byl jednou z nejvýznamnějších postav francouzského avantgardního divadla 20. století.
Ionesco inicioval revoluci v myšlenkách a technikách dramatu, počínaje svou "antihrou" Plešatá zpěvačka, která přispěla k počátkům takzvaného divadla absurdity, které zahrnuje řadu her, které se zabývají koncepty absurdismu a surrealismu, navazujíce na myšlenky filozofa Alberta Camuse. V roce 1970 se stal členem Académie française a získal Rakouskou státní cenu za evropskou literaturu a Jeruzalémskou cenu.
Život a dílo
Eugène Ionesco se narodil ve městě Slatina v Rumunsku. V roce 1938 se přestěhoval do Paříže, kde strávil zbytek svého života. Původně studoval filozofii, ale později se začal věnovat psaní her.
Ionescova díla jsou charakteristická svým absurditou a surrealismem. Často se v nich objevují opakující se motivy, jako je jazyková zmatenost, existenciální úzkost a rozpad identity.
Mezi jeho nejznámější hry patří:
Plešatá zpěvačka (1950)
Židle (1952)
Nosorožec (1959)
Král umírá (1962)
Macbett (1972)
Vliv
Ionescovo dílo mělo významný vliv na vývoj moderního divadla. Jeho hry jsou dodnes uváděny po celém světě a jsou považovány za klasiku absurdního divadla.
Ionesco byl také významným teoretikem divadla. Ve svých esejích a přednáškách se zabýval povahou dramatu a rolí absurdity v umění.
Ocenění
Ionesco získal řadu ocenění za svou práci, včetně:
Rakouská státní cena za evropskou literaturu (1970)
Členství v Académie française (1970)
Jeruzalémská cena (1973)
Eugène Ionesco byl jedním z nejvýznamnějších dramatiků 20. století. Jeho dílo ovlivnilo generace umělců a dodnes zůstává důležitou součástí světové dramatické literatury.
Erwin Piscator
Erwin Piscator, celým jménem Erwin Friedrich Max Piscator, byl německý divadelní režisér a producent. Narodil se 17. prosince 1893 v Greifenstein-Ulm v Německém císařství a zemřel 30. března 1966 ve Starnbergu v Západním Německu.
Spolu s Bertoltem Brechtem byl předním představitelem epického divadla, formy, která zdůrazňuje sociopolitický obsah dramatu, nikoli jeho emocionální manipulaci s diváky nebo formální krásu inscenace.
Raný život a kariéra
Piscator se narodil v dělnické rodině a vzdělával se na gymnáziu Philippinum. Později studoval na univerzitě v Mnichově, ale studium nedokončil a místo toho se rozhodl věnovat divadlu.
V roce 1914 se připojil k armádě a bojoval v první světové válce. Po válce pracoval jako herec a režisér v různých divadlech v Německu.
Politické divadlo
V roce 1920 založil Piscator své vlastní divadlo, Piscator-Bühne, v Berlíně. Toto divadlo se stalo známým svým politickým divadlem, které se zaměřovalo na sociální a politické problémy doby.
Piscator věřil, že divadlo by mělo být nástrojem pro změnu společnosti. Používal velké scénické obrazy, filmové projekce a další technologické inovace, aby vytvořil epické inscenace, které divákům poskytly kritický pohled na svět.
Epické divadlo
Epické divadlo, jak je definoval Piscator, bylo formou divadla, která odcizovala diváky od děje a povzbuzovala je k kritickému přemýšlení o tématech hry. Toho dosáhl pomocí technik, jako je:
Rozbití čtvrté stěny
Použití dokumentárního materiálu
Zastavení akce, aby se diváci mohli zamyslet nad tématy hry
Pozdější kariéra
V roce 1933, kdy se k moci dostali nacisté, byl Piscator nucen opustit Německo. Přestěhoval se do Sovětského svazu, kde pokračoval ve své divadelní práci.
V roce 1940 se Piscator přestěhoval do Spojených států, kde založil dramatickou dílnu na New School for Social Research. Zde učil a režíroval představení, která se zaměřovala na společenské a politické problémy Ameriky.
V roce 1951 se Piscator vrátil do Německa, kde pokračoval ve své divadelní práci až do své smrti v roce 1966.
Odkaz
Erwin Piscator je považován za jednoho z nejvlivnějších divadelních režisérů 20. století. Jeho práce pomohla formovat vývoj epického divadla a jeho důraz na sociopolitický obsah v divadle měl hluboký vliv na divadelníky po celém světě.