Serialismus V hudbě je serialismus metoda kompozice, která používá řady tónů, rytmů, dynamiky, barev tónu nebo jiných hudebních prvků. Serialismus začal především s dvanáctitónovou technikou Arnolda Schönberga, i když někteří jeho současníci se také snažili prosadit serialismus jako formu post-tonálního myšlení. Dvanáctitónová technika řadí dvanáct tónů chromatické stupnice a vytváří tak řadu, která poskytuje sjednocující základ pro melodii, harmonii, strukturální postupy a variace skladby. Jiné typy serialismu také pracují se sadami, sbírkami objektů, ale ne nutně s řadami s pevným pořadím, a rozšiřují techniku na další hudební dimenze (často nazývané "parametry"), jako je trvání, dynamika a barva tónu. Myšlenka serialismu se také různými způsoby uplatňuje ve výtvarném umění, designu a architektuře a hudební koncept byl adaptován i v literatuře. Integrální serialismus neboli totální serialismus je použití řad pro aspekty, jako je trvání, dynamika a rejstřík, stejně jako výška tónu. Dalšími termíny, používanými zejména v Evropě k rozlišení poválečné sériové hudby od dvanáctitónové hudby a jejích amerických rozšíření, jsou obecný serialismus a vícenásobný serialismus. Skladatelé jako Arnold Schönberg, Anton Webern, Alban Berg, Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Luigi Nono, Milton Babbitt, Elisabeth Lutyens, Henri Pousseur, Charles Wuorinen a Jean Barraqué používali sériové techniky v té či oné podobě ve většině své hudby. Jiní skladatelé jako Tadeusz Baird, Béla Bartók, Luciano Berio, Benjamin Britten, John Cage, Aaron Copland, Ernst Krenek, György Ligeti, Olivier Messiaen, Arvo Pärt, Walter Piston, Ned Rorem, Alfred Schnittke, Ruth Crawford Seeger, Dmitrij Šostakovič a Igor Stravinskij používali serialismus pouze v některých svých skladbách nebo pouze v některých částech skladeb, stejně jako někteří jazzoví skladatelé, jako jsou Bill Evans, Yusef Lateef, Bill Smith a dokonce i rockoví hudebníci jako Frank Zappa.
Nízká kultura
Nízká kultura označuje formy populární kultury, které mají masovou přitažlivost a často oslovují širokou veřejnost z nižších nebo středních společenských vrstev. Oproti tomu vysoká kultura je určena menšímu okruhu lidí, často z vyšších společenských vrstev. Teorie kultury tvrdí, že jak vysoká, tak nízká kultura jsou subkulturami ve společnosti, protože kulturní průmysl masově produkuje oba typy populární kultury pro všechny socioekonomické třídy. I když je nízká kultura považována za charakteristickou pro méně vzdělané společenské vrstvy, často ji vyhledávají i vyšší vrstvy. Díky tomu se obsah, který spadá do této kategorie, stává nejpoužívanějším typem médií v dané kultuře. Různé formy nízké kultury lze nalézt v různých kulturách, přičemž fyzické objekty tvořící tato média jsou často vyrobeny z levných a pomíjivých materiálů. Pojem nízká kultura je některými považován za hanlivý, jehož účelem je znevažovat prvky popové nebo kmenové kultury, které mohou být považovány za „podřadné“.
Charakteristika nízké kultury
Nízká kultura je charakterizována následujícími rysy:
Masová přitažlivost: Nízká kultura oslovuje široké publikum bez ohledu na věk, vzdělání nebo společenské postavení.
Jednoduchost: Nízká kultura je často snadno pochopitelná a přístupná, vyžaduje minimální intelektuální námahu.
Zábavnost: Hlavním cílem nízké kultury je pobavit a poskytnout únik z každodenního života.
Komerční úspěch: Nízká kultura je často produkována s cílem dosáhnout komerčního úspěchu a generovat zisk.
Omezená trvanlivost: Nízká kultura je často pomíjivá a její popularita rychle upadá.
Příklady nízké kultury
Příklady nízké kultury zahrnují:
Populární hudba
Televizní pořady
Filmy
Romány
Časopisy
Videohry
Sociální média
Kritika nízké kultury
Nízká kultura byla kritizována z mnoha důvodů, včetně:
Povrchnost: Nízká kultura je často kritizována za to, že je povrchní a zaměřuje se pouze na zábavu, aniž by nabízela intelektuální nebo uměleckou hodnotu.
Pasivita: Nízká kultura je také kritizována za to, že je pasivní a povzbuzuje lidi, aby trávili svůj čas konzumací zábavy, aniž by se zapojili do aktivnějšího nebo smysluplnějšího chování.
Homogenizace: Nízká kultura je často kritizována za to, že je homogenizovaná a že potlačuje rozmanitost a kreativitu.
Komodity: Nízká kultura je často kritizována za to, že je komoditou a že je produkována pouze za účelem zisku.
Obrana nízké kultury
Nízká kultura má také své obhájce, kteří tvrdí, že:
Zábava: Nízká kultura poskytuje důležitý zdroj zábavy a úniku z každodenního života.
Sociální soudržnost: Nízká kultura může přispět k sociální soudržnosti tím, že poskytuje společná témata pro konverzaci a zábavu.
Kulturní výraz: Nízká kultura může být formou kulturního vyjádření, která odráží hodnoty a zkušenosti určitých společenských skupin.
Demokratizace kultury: Nízká kultura může demokratizovat kulturu tím, že ji zpřístupňuje lidem z různých společenských vrstev.
Závěrem lze říci, že nízká kultura je komplexní a kontroverzní fenomén. Má své kritiky i obhájce a její dopad na společnost je stále předmětem debat.
Socioekonomie
Socioekonomie (také známá jako sociální ekonomie) je společenská věda, která zkoumá, jak ekonomická aktivita ovlivňuje sociální procesy a jak je jimi utvářena. Obecně analyzuje, jak se moderní společnosti rozvíjejí, stagnují nebo upadají v důsledku své místní nebo regionální ekonomiky nebo globální ekonomiky.
Historie socioekonomie
Kořeny socioekonomie lze vysledovat až do 18. století, kdy filozofové jako Adam Smith a David Ricardo začali zkoumat vztah mezi ekonomikou a společností. V 19. století se socioekonomie stala samostatnou disciplínou, protože sociologové jako Karl Marx a Max Weber zkoumali, jak ekonomické faktory ovlivňují sociální strukturu a změny.
Oblasti studia socioekonomie
Socioekonomie se zabývá širokou škálou témat, včetně:
Ekonomická nerovnost: Rozdíly v příjmech, bohatství a příležitostech mezi různými skupinami ve společnosti.
Sociální mobilita: Schopnost jednotlivců a skupin pohybovat se v rámci sociální hierarchie.
Sociální zabezpečení: Vládní programy, které poskytují ekonomickou pomoc lidem v nouzi.
Ekonomický rozvoj: Proces zlepšování životní úrovně v chudých zemích.
Globální ekonomika: Vzájemné propojení ekonomik různých zemí.
Metodologie socioekonomie
Socioekonomové používají různé metody ke studiu ekonomických a sociálních jevů, včetně:
Kvantitativní výzkum: Používání statistických údajů a matematických modelů k analýze ekonomických a sociálních trendů.
Kvalitativní výzkum: Používání rozhovorů, pozorování a dalších metod ke zkoumání zkušeností a perspektiv jednotlivců a skupin.
Smíšený výzkum: Kombinace kvantitativních a kvalitativních metod pro získání komplexnějšího obrazu ekonomických a sociálních jevů.
Aplikace socioekonomie
Socioekonomické poznatky se používají k informování o politice a rozhodování v řadě oblastí, včetně:
Ekonomická politika: Navrhování politik ke snížení ekonomické nerovnosti, podpoře sociální mobility a podpoře ekonomického růstu.
Sociální politika: Navrhování politik ke zlepšení přístupu ke zdravotní péči, vzdělávání a dalším sociálním službám.
Rozvojová politika: Navrhování politik ke zlepšení životní úrovně v chudých zemích.
Závěr
Socioekonomie je důležitá společenská věda, která poskytuje cenné poznatky o vztahu mezi ekonomikou a společností. Socioekonomické poznatky se používají k informování o politice a rozhodování v řadě oblastí, které mají vliv na životy lidí po celém světě.
Ženy v hudbě Ženy v hudbě zahrnují ženy jako skladatelky, textařky, instrumentalistky, zpěvačky, dirigentky, hudební vědkyně, hudební pedagožky, hudební kritičky/hudební novinářky a v dalších hudebních profesích. Také popisuje hudební hnutí (např. ženská hudba, což je hudba psaná a hraná ženami pro ženy), události a žánry související se ženami, ženskými problémy a feminismem. V 10. letech 21. století, zatímco ženy tvořily významnou část populární hudby a klasických hudebních zpěvaček a významnou část textařek (mnohé z nich byly zpěvačkami-skladatelkami), bylo málo žen producentek nahrávek, rockových kritiček nebo rockových instrumentalistek. Umělkyně v popové hudbě, jako jsou Björk, Lady Gaga a Madonna, komentovaly sexismus v hudebním průmyslu. Navíc studie z roku 2021 vedená Dr. Smithem oznámila, že "... za posledních šest let byla reprezentace žen v hudebním průmyslu ještě nižší." V klasické hudbě, ačkoli existuje obrovské množství ženských skladatelů od středověku po současnost, jsou skladatelky výrazně podreprezentovány v běžně hraném klasickém hudebním repertoáru, učebnicích hudební historie a hudebních encyklopediích. Například v Stručné oxfordské historii hudby je Clara Schumannová jednou z mála zmíněných skladatelek. Ženy tvoří významnou část instrumentálních sólistů v klasické hudbě a procento žen v orchestrech roste. Článek z roku 2015 o sólistech koncertů v hlavních kanadských orchestrech však ukázal, že 84 % sólistů Orchestre Symphonique de Montreal byli muži. V roce 2012 tvořily ženy stále jen 6 % předních Vídeňských filharmoniků. Ženy jsou méně časté jako hráčky na nástroje v populárních hudebních žánrech, jako je rock a heavy metal, ačkoli existovaly různé hráčky na nástroje a čistě ženské kapely. Ženy jsou zvláště podreprezentovány v extrémních metalových žánrech. Ženy jsou také podreprezentovány v orchestrálním dirigování, hudební kritice/hudební žurnalistice, hudební produkci a zvukovém inženýrství. Zatímco ve 19. století byly ženy odrazovány od skládání a existovalo jen málo žen hudebních vědkyň, ženy se zapojily do hudebního vzdělávání „do té míry, že ženy [tomuto oboru] dominovaly v pozdější polovině 19. století a dlouho do 20. století“. Podle Jessicy Duchenové, hudební redaktorky londýnského The Independent, jsou ženy v klasické hudbě „příliš často souzeny podle svého vzhledu, nikoli podle svého talentu“ a čelí tlaku „vypadat sexy na pódiu a na fotografiích“. Duchenová uvádí, že zatímco „[e]xistují hudební umělkyně, které odmítají hrát na svůj vzhled... ty, které to dělají, bývají materiálně úspěšnější.“ Podle redaktorky britského Rádia 3, Edwiny Wolstencroftové, je hudební průmysl již dlouho otevřený tomu, aby měly ženy role ve výkonu nebo zábavě, ale ženy mají mnohem menší pravděpodobnost, že budou mít autoritativní pozice, jako je dirigentka orchestru, profese, která byla nazývána „jedním z posledních skleněných stropů v hudebním průmyslu“. V populární hudbě, zatímco je mnoho zpěvaček, které nahrávají písně, je velmi málo žen za zvukovou konzolí, které působí jako hudební producentky, osoby, které řídí a spravují nahrávací proces. Jednou z nejvíce nahrávaných umělkyň je žena, Asha Bhosle, indická zpěvačka, která je nejznámější jako zpěvačka přehrávek v hindském kině.
Hudební výchova Hudební výchova je oblast praxe, ve které jsou pedagogové připravováni na kariéru učitelů hudby na základních nebo středních školách, vedoucích souborů ve školách nebo na hudebních konzervatořích. Hudební výchova je také oblastí výzkumu, ve které vědci provádějí původní výzkum o způsobech výuky a učení se hudby. Vědci v oblasti hudební výchovy publikují své poznatky v odborných časopisech a vyučují studenty bakalářského a magisterského studia na univerzitách nebo hudebních školách, kteří se připravují na dráhu učitelů hudby. Hudební výchova se dotýká všech oblastí učení, včetně oblasti psychomotorické (rozvoj dovedností), kognitivní (získávání znalostí) a zejména afektivní (ochota žáka přijímat, internalizovat a sdílet to, co se naučil), včetně hudebního vnímání a citlivosti. Mnohé učební plány hudební výchovy zahrnují používání matematických dovedností, stejně jako plynulé používání a porozumění druhému jazyku nebo kultuře. Bylo prokázáno, že důsledné procvičování těchto dovedností prospívá studentům v mnoha dalších akademických oblastech a také zlepšuje výsledky ve standardizovaných testech, jako jsou ACT a SAT. Hudební vzdělávání od předškolního věku až po postsekundární vzdělání je běžné, protože zapojení do hudby je považováno za základní součást lidské kultury a chování. Kultury z celého světa mají různé přístupy k hudební výchově, což je z velké části dáno různými dějinami a politikou. Studie ukazují, že výuka hudby z jiných kultur může pomoci studentům vnímat neznámé zvuky s větším pohodlím, a také ukazují, že hudební preference souvisí s jazykem, kterým posluchač mluví, a dalšími zvuky, kterým je ve své kultuře vystaven. Během 20. století bylo pro výuku hudby vyvinuto nebo dále zdokonaleno mnoho osobitých přístupů, z nichž některé měly široký dopad. Metoda Dalcroze (eurhythmika) byla vyvinuta na počátku 20. století švýcarským hudebníkem a pedagogem Émilem Jacquesem-Dalcrozem. Metoda Kodály zdůrazňuje přínosy fyzické výuky a reakce na hudbu. Přístup k hudební výchově Orff Schulwerk vede studenty k rozvoji jejich hudebních schopností způsobem, který je paralelní s vývojem západní hudby. Metoda Suzuki vytváří stejné prostředí pro výuku hudby, jaké má člověk pro učení se svému rodnému jazyku. Teorie hudebního učení Gordona poskytuje učiteli hudby metodu výuky hudebnosti prostřednictvím audiace, Gordonův termín pro slyšení hudby v mysli s porozuměním. Konverzační solfège ponoří studenty do hudební literatury jejich vlastní kultury, v tomto případě americké. Metoda Carabo-Cone zahrnuje použití rekvizit, kostýmů a hraček, aby se děti naučily základní hudební pojmy, jako je notový zápis, délka not a klávesnice klavíru. Konkrétní prostředí speciálně navržené učebny umožňuje dítěti učit se základy hudby zkoumáním prostřednictvím hmatu. MMCP (Manhattanville Music Curriculum Project) má za cíl formovat postoje a pomáhat studentům vidět hudbu jako osobní, současnou a vyvíjející se. Pedagogika populární hudby je systematická výuka a učení rockové hudby a dalších forem populární hudby jak uvnitř, tak vně formálního prostředí učebny. Někteří naznačili, že určité hudební aktivity mohou pomoci zlepšit dech, ovládání těla a hlasu dítěte.
Clara Schumann (rozená Wiecková; 13. září 1819 – 20. května 1896) byla německá klavíristka, skladatelka a učitelka klavíru. Je považována za jednu z nejvýznamnějších klavíristek romantické éry. Svou kariérou trvající 61 let ovlivnila vývoj klavírního recitálu, když snížila důležitost čistě virtuózních skladeb. Složila také sólové klavírní skladby, klavírní koncert (její op. 7), komorní hudbu, sborové skladby a písně. Vyrostla v Lipsku, kde byli její otec Friedrich Wieck i její matka Mariane klavíristy a učiteli klavíru. Její matka byla navíc zpěvačkou. Clara byla zázračné dítě a byla vyučována svým otcem. Začala koncertovat ve věku jedenácti let a měla úspěch v Paříži a Vídni a dalších městech. Provdala se za skladatele Roberta Schumanna a pár měl osm dětí. Společně podporovali Johannese Brahmse a udržovali s ním úzký vztah. Uvedla veřejné premiéry mnoha děl svého manžela a Brahmse. Po Robertově předčasné smrti pokračovala ve svých koncertních turné po Evropě po celá desetiletí, často s houslistou Josephem Joachimem a dalšími komorními hudebníky. Od roku 1878 byla vlivná učitelkou klavíru na Dr. Hoch's Konservatorium ve Frankfurtu, kde přitahovala mezinárodní studenty. Redigovala vydání díla svého manžela. Schumannová zemřela ve Frankfurtu, ale byla pohřbena v Bonnu po boku svého manžela. Několik filmů se zaměřilo na Schumannův život, z nichž nejstarší je Träumerei (Snění) z roku 1944. Film z roku 2008 Geliebte Clara (Milovaná Clara) režírovala Helma Sanders-Brahms. Obraz Clary Schumannové z litografie Andrease Stauba z roku 1835 byl uveden na 100 německé markové bankovce v letech 1989 až 2002. Zájem o její skladby začal ožívat na konci 20. století a její dvousté výročí v roce 2019 přineslo nové knihy a výstavy.
Hip hop (také známý jako rap, dříve disco rap) je žánr populární hudby, který vznikl na začátku 70. let mezi afroameričany a karibskými přistěhovalci v Bronxu, městské části New Yorku. Hip hop vznikl jako protidrogový a protinásilný žánr, který se skládá ze stylizované rytmické hudby (obvykle postavené na bicích beatech), která často doprovází rapování, rytmické podání poetického projevu. Podle profesora Asanteho z afroamerických studií na Temple University je "hip hop něco, co si černoši mohou jednoznačně nárokovat jako své". Hudba se vyvíjela jako součást širší hip hopové kultury, subkultury definované čtyřmi klíčovými stylovými prvky: MCing/rapování, DJing/scratching s gramofony, breakdance a graffiti art. I když se často používá pouze pro označení rapování a rapové hudby, "hip hop" přesněji označuje praktikování celé subkultury. Termín hip hopová hudba se někdy používá synonymně s termínem rapová hudba, ačkoli rapování není povinnou součástí hip hopové hudby; žánr může také zahrnovat další prvky kultury, včetně DJingu, turntablismu, scratchingu, beatboxingu a instrumentálních skladeb. Hip hop jako hudební žánr i kultura vznikl v 70. letech, kdy se v New Yorku, zejména mezi afroamerickou mládeží žijící v Bronxu, staly stále populárnější block party. Na block party hráli DJs perkusivní breaky populárních písní pomocí dvou gramofonů a DJ mixéru, aby mohli hrát breaky ze dvou kopií stejné desky, střídat se z jedné na druhou a prodlužovat "break". Hip hop se vyvíjel v raném období, kdy se technologie samplování a bicí automaty staly široce dostupné a cenově dostupné. Společně s breaky se vyvíjely turntablistické techniky, jako je scratching a beatmatching. Rapování se vyvinulo jako vokální styl, ve kterém umělec mluví nebo zpívá rytmicky spolu s instrumentálním nebo syntetizovaným beatem. Hip hopová hudba nebyla oficiálně nahrávána pro přehrávání v rádiu nebo televizi až do roku 1979, z velké části kvůli chudobě během zrodu žánru a nedostatku přijetí mimo čtvrti ghetta. Old-school hip hop byl první mainstreamovou vlnou žánru, vyznačující se vlivem disco a texty zaměřenými na party. 80. léta znamenala diverzifikaci hip hopu, protože žánr vyvíjel složitější styly a šířil se po celém světě. New-school hip hop byl druhou vlnou žánru, vyznačující se svým elektro zvukem, a vedl ke zlatému věku hip hopu, inovativnímu období mezi polovinou 80. a polovinou 90. let, které také vyvinulo vlastní éru hip hopových alb. V té době si získal popularitu subžánr gangsta rap, zaměřený na násilnický životní styl a chudé podmínky mladých afroameričanů z vnitřního města. West Coast hip hop byl na začátku a v polovině 90. let ovládán G-funkem, zatímco East Coast hip hop byl ovládán jazz rapem, alternativním hip hopem a hardcore hip hopem. Hip hop se v té době nadále diverzifikoval s dalšími regionálními styly, jako je Southern rap a Atlanta hip hop. Hip hop se stal nejprodávanějším žánrem v polovině 90. let a nejprodávanějším hudebním žánrem v roce 1999. Popularita hip hopové hudby pokračovala v pozdních 90. letech až na počátku 2000. let "bling era", kdy se vlivy hip hopu stále více dostávaly do jiných žánrů populární hudby, jako je neo soul, nu metal a R&B. Spojené státy také zaznamenaly úspěch regionálních stylů, jako je crunk, jižanský žánr, který kladl větší důraz na beaty a hudbu než na texty, a alternativní hip hop si začal zajišťovat místo v mainstreamu, částečně díky crossoverovému úspěchu svých umělců. Během "blogové éry" na konci 2000. let a na začátku 2010. let byli rappeři schopni si vybudovat základnu fanoušků prostřednictvím online metod distribuce hudby, jako jsou sociální média a blogy, a mainstreamový hip hop nabral melodičtější, citlivější směr po komerčním úpadku gangsta rapu. Subžánry trap a mumble rap se staly nejoblíbenější formou hip hopu v polovině až pozdních 2010. letech a na začátku 2020. let. V roce 2017 byl rockový žánr nahrazen hip hopem jako nejoblíbenější žánr ve Spojených státech.
Hudební žurnalistika
Hudební žurnalistika (nebo také hudební kritika) je mediální kritika a zpravodajství o hudebních tématech, včetně populární hudby, klasické hudby a tradiční hudby. Novináři začali psát o hudbě v 18. století a poskytovali komentáře k tomu, co se nyní považuje za klasickou hudbu. V 60. letech 20. století začala hudební žurnalistika výrazněji pokrývat populární hudbu, jako je rock a pop, po průlomu Beatles. S nástupem internetu v roce 2000 se hudební kritika rozvinula do stále větší online přítomnosti s hudebními blogery, začínajícími hudebními kritiky a zavedenými kritiky, kteří doplňovali tištěná média online. Hudební žurnalistika dnes zahrnuje recenze písní, alb a živých koncertů, profily umělců a zprávy o uměleckých novinkách a hudebních událostech.
Historie hudební žurnalistiky
Počátky hudební žurnalistiky sahají až do 18. století, kdy hudební kritici psali pro časopisy a noviny. Tito kritici se často zaměřovali na klasickou hudbu a poskytovali komentáře k operám, symfoniím a dalším hudebním formám. V 19. století se hudební žurnalistika stala rozšířenější, protože se objevovaly nové hudební časopisy a noviny. Tyto publikace často obsahovaly recenze koncertů, rozhovory s hudebníky a články o hudebních trendech.
V 20. století se hudební žurnalistika dále rozvíjela s nástupem rozhlasu a televize. Hudební kritici mohli nyní komentovat hudbu prostřednictvím rozhlasových a televizních pořadů a tyto platformy také umožnily hudebním novinářům oslovit širší publikum. Ve druhé polovině 20. století se hudební žurnalistika stala ještě rozšířenější s nástupem rock and rollu a dalších populárních hudebních žánrů. Hudební kritici začali psát o těchto nových hudebních formách a poskytovali komentáře k jejich sociálnímu a kulturnímu dopadu.
Hudební žurnalistika v 21. století
V 21. století se hudební žurnalistika výrazně změnila s nástupem internetu. Hudební kritici nyní mohou publikovat své práce online a hudební blogy se staly populárním způsobem, jak se podělit o hudební názory. Internet také umožnil hudebním novinářům oslovit globální publikum.
Hudební žurnalistika se v posledních letech stala ještě důležitější, protože se hudební průmysl neustále vyvíjí. Hudební kritici mohou nyní komentovat nové hudební technologie, jako je streaming a digitální stahování, a mohou také poskytovat komentáře k sociálnímu a kulturnímu dopadu hudby.
Typy hudební žurnalistiky
Existuje mnoho různých typů hudební žurnalistiky, včetně:
Recenze alb: Hudební kritici recenzují nová alba a poskytují svůj názor na jejich kvalitu.
Recenze koncertů: Hudební kritici recenzují živá vystoupení a poskytují svůj názor na výkonnost hudebníků.
Rozhovory: Hudební kritici vedou rozhovory s hudebníky a dalšími hudebními osobnostmi.
Články: Hudební kritici píší články o různých hudebních tématech, včetně hudebních trendů, sociálního dopadu hudby a hudebních technologií.
Blogování: Hudební kritici často píší blogy, kde sdílejí své názory na hudbu a hudební průmysl.
Hudební kritici
Hudební kritici jsou lidé, kteří píší o hudbě a poskytují svůj názor na její kvalitu. Hudební kritici mohou mít různé zázemí, včetně hudební teorie, hudební historie a žurnalistiky. Často mají také rozsáhlé znalosti o různých hudebních žánrech.
Dobří hudební kritici jsou schopni jasně a stručně vyjádřit své názory a mají také dobrou znalost hudební teorie a hudební historie. Měli by být také schopni psát poutavě a informovaně o hudbě.
Hudební žurnalistika a hudební průmysl
Hudební žurnalistika hraje důležitou roli v hudebním průmyslu. Hudební kritici mohou pomoci hudebníkům získat pozornost a mohou také pomoci hudebním fanouškům objevit novou hudbu. Hudební žurnalistika může také pomoci hudebním umělcům pochopit, jak je jejich hudba vnímána veřejností.
Hudební žurnalistika je důležitou součástí hudebního průmyslu a hudební kritici hrají důležitou roli při informování a vzdělávání hudebních fanoušků.
Extrémní metal
Extrémní metal je volně definovaný zastřešující pojem pro řadu příbuzných subžánrů heavy metalové hudby, které se vyvinuly od počátku 80. let. Byl definován jako „soubor metalových subžánrů charakterizovaných zvukovou, verbální a vizuální transgresí“. Termín se obvykle vztahuje na drsnější, tvrdší, undergroundový, nekomerční styl spojený s žánry speed metalu, thrash metalu, black metalu, death metalu a doom metalu.
Hardcore punk je považován za nedílnou součást vývoje extrémního metalu ve struktuře a rychlosti písní, s výjimkou doom metalu.
Stylové kořeny
Heavy metal
Hardcore punk (s výjimkou doom metalu)
Kulturní původ
80. léta, Spojené státy a Evropa
Odvozené formy
Avantgardní metal
Beatdown hardcore
Dungeon synth
Funk metal
Gothic metal
Groove metal
Grunge
Hyperpop
Neoklasický metal
Nu metal
Post-metal
Power metal
Sass
Subžánry
Black metal
Ambientní black metal
Folk black metal
Industriální black metal
Národně socialistický black metal
Post-black metal (blackgaze)
Psychedelický black metal
Surový black metal
Symphonic black metal
Unblack metal
Death metal
Brutální death metal
Industriální death metal
Melodický death metal
Old school death metal
Slam death metal
Symphonic death metal
Technický death metal
Doom metal
Epický doom
Tradiční doom
Speed metal
Thrash metal
Fúzní žánry
Mezi žánry extrémního metalu
Black-doom (depresivní sebevražedný black metal)
Blackened death-doom
Blackened death metal (melodický black-death, war metal)
Blackened thrash metal
Death-doom (funeral doom)
Deathrash
S punk rockem
Crossover thrash
Crust punk (blackened crust (červený a anarchistický black metal), crack rock steady, crustcore, neo crust)
Grindcore (blackened grindcore, deathgrind, electrogrind, goregrind, noisegrind, pornogrind)
Metalcore (deathcore, easycore, electronicore, mathcore, melodický metalcore, nintendocore, nu metalcore, progresivní metalcore)
Sludge metal (sludgecore)
S dalšími rockovými styly
Black 'n' roll
Death 'n' roll
Gothic-doom
Progresivní doom
Stoner metal (desert rock)
S dalšími hudebními styly
Drone metal
Pagan metal
Viking metal
Regionální scény
Austrálie
Brazílie
Finsko
Florida
Francie
Německo
Japonsko
Norsko
Nizozemsko
Polsko
Švédsko
Spojené království
Spojené státy
Lokální scény
Birmingham
New York City
San Francisco Bay Area
Další témata
Growling
Seznam kapel heavy metalových žánrů
Moshing
NWOBHM
Screaming
Hudební producent Hudební producent je celkový vedoucí hudebního nahrávacího projektu, jehož odpovědnosti mohou zahrnovat řadu kreativních a technických vedoucích rolí. Tato práce obvykle zahrnuje praktický dohled nad nahrávacími sezeními: zajištění toho, aby umělci poskytli přijatelné a kvalitní výkony, dohled nad technickým inženýrstvím nahrávání a koordinaci produkčního týmu a procesu. Zapojení producenta do hudebního projektu se může lišit v hloubce a rozsahu. Někdy v populárních žánrech může producent vytvořit celý zvuk a strukturu nahrávky. V nahrávání klasické hudby však producent působí spíše jako spojka mezi dirigentem a inženýrským týmem. Tato role se často přirovnává k roli filmového režiséra, přestože existují důležité rozdíly. Odlišuje se od role výkonného producenta, který se do nahrávacího projektu zapojuje převážně na administrativní úrovni, a od zvukového inženýra, který obsluhuje nahrávací technologii. Podle projektu si producent může nebo nemusí vybrat všechny umělce. Při použití pouze syntetizované nebo vzorkované instrumentace může být producent jediným umělcem. Naopak někteří umělci si dělají vlastní produkci. Někteří producenti jsou svými vlastními inženýry, kteří obsluhují technologii v celém projektu: předprodukce, nahrávání, mixování a mastering. Předchůdci hudebních producentů byli „muži A&R“, kteří mohli podobně míchat podnikatelské, kreativní a technické role, ale často vykonávali jen malý kreativní vliv, protože produkce desek se do 50. let stále zaměřovala na pouhé zlepšení zvukového souladu desky s vlastním živým vystoupením umělců. Pokroky v nahrávací technologii, zejména příchod páskové nahrávky ve 40. letech 20. století – kterou Les Paul okamžitě dále inovoval, aby vyvinul vícestopé nahrávání – a vzestup elektronických nástrojů v 50. letech 20. století, proměnily produkci desek ve specialitu. V populární hudbě pak producenti jako George Martin, Phil Spector a Brian Eno vedli její vývoj k současnému používání propracovaných technik a nereálných zvuků, čímž vytvářeli písně, které nelze originálně vytvořit živě. Po 80. letech 20. století dále rozšířil možnosti přechod produkce z analogové na digitální. Digitální zvukové pracovní stanice neboli DAW, jako Logic Pro, Pro Tools a Studio One, nyní promění běžný počítač v produkční konzoli, takže osamělý nováček se může stát zdatným producentem v úsporném domácím studiu. Ve 20. letech 21. století začalo úsilí o zvýšení výskytu producentek a inženýrek, které byly výrazně početněji zastoupeny muži a výrazně oceňovány pouze v klasické hudbě.